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A primera vista, Chino Pacas parece la historia moderna de éxito dentro del corrido: un artista inmigrante de 19 años con más de un millón de seguidores en Instagram cuyo tema revelación, “El Gordo Trae el Mando”, se volvió viral hace tres años, alcanzó el puesto No. 58 en el Billboard Hot 100 y desde entonces ha superado los 460 millones de reproducciones en Spotify. No mucho antes de eso, trabajaba en la construcción en Estados Unidos.

Hablé con el joven artista apenas una semana antes de su ya viral salto con maroma fuera del escenario para aventarse al público durante el festival de South by Southwest en Austin, Texas. Pero nuestra conversación ocurrió en un escenario muy distinto: un rancho privado a unos 20 millas del centro de Los Ángeles, en la ciudad de La Puente.

En el lugar no había fans gritando ni una gran banda detrás de él en el escenario. Aun así, cargaba esa misma energía de estrella global, con lentes oscuros, una gorra negra que decía “Pacas” en lentejuelas y un grupo cercano acompañándolo.

Pero eso cambia en cuanto te saluda.

Se quita los lentes, extiende la mano con un apretón firme y te mira directo a los ojos con un simple: “Hola, soy Cristian.”

El momento es directo y sencillo, muy parecido a la forma en que Chino se maneja durante todo el día. Mientras presenta al resto de su equipo, queda claro que su entorno cercano está compuesto en gran parte por su familia, incluidos sus hermanos César y Diego Vega. Diego se presenta bajo el nombre de Turo Pacas y también es artista por derecho propio.

A lo largo de la tarde soleada y con brisa, Pacas habló abiertamente sobre el camino que lo trajo hasta aquí, el orgullo que siente por su tierra en Guanajuato y la importancia de su familia, especialmente de su madre, a quien recientemente le dedicó un corrido que formará parte de su esperado próximo álbum.

Aquí nuestra conversación con Chino Pacas, acompañado por su hermano Turo Pacas.

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La Cynthia: Primero quiero hablar de Guanajuato. Yo de hecho nunca he ido, nomás fui para Día de Muertos y me impresionó muchísimo. Platícame más de Guanajuato. Chino Pacas: Guanajuato es un estado bien perrón. Es un lugar donde te sientes a gusto cuando llegas. Es muy colorido, la gente es muy cálida, tiene mucho corazón y te ayuda en cualquier aspecto. Como en todos lados, hay bueno y hay malo, pero en general Guanajuato es muy hermoso por la cultura, por cómo se mueve la gente ahí. Siento que es un estado único. Todos los estados de México lo son, pero Guanajuato tiene muchísimo estilo. A mí me encanta la neta. Soy de ahí y tengo muchas ganas de regresar.

La Cynthia: ¿Cómo entraste a la música por primera vez? ¿Qué escuchabas de chico? ¿Qué música había en tu casa? Chino Pacas: Escuchábamos mucho por mi hermano mayor. Oíamos Cartel de Santa. Con mi mamá sonaban mucho las canciones de Tito Torbellino cuando se ponía a trapear. También El Komander, Gerardo Ortiz, Los Inquietos, Voz de Mando, Valentín Elizalde… de todo tipo de grupo, la verdad. La Cynthia: ¿Tienes alguna canción favorita que te recuerde mucho a tu niñez? Chino Pacas: Tengo varias, la verdad. Son muchas de esas canciones que me regresan a esos tiempos

La Cynthia: Los corridos tumbados se han convertido en un cambio cultural enorme. ¿Qué crees que está expresando esta generación de artistas? ¿Qué opinas del género ahorita? Chino Pacas: El género está muy fuerte. Todos quieren hacer corridos, y qué perrón que lo que estamos haciendo lo quieran hacer más personas. También está bien perro que la gente lo esté acoplando y escuchando con tanta frecuencia. La neta está muy chido ser parte de esto, porque sí está revolucionando la música. La Cynthia: Y ahora ya es mundial, no solamente en México. Chino Pacas: Sí, se siente bien perro que aquí en el gabacho se escuchen corridos más seguido. Antes sí era más de México. Si escuchabas corridos, la gente se burlaba, como que te juzgaban. A mí me tocó vivir eso en la high school. El que escuchaba corridos era como “ah, este paisa”. Lo veían raro, como si fuera música fea. Y ahora no, ahora ya ves videos en TikTok, niños tocando corridos en las escuelas. Se normalizó más y eso está bien perro.

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A principios de 2025, el primer reggaetón de Netón Vega se pegó en la cima de las listas de reproducción; la cereza en el pastel para una racha de colaboraciones con Luis R. Conriquez, Peso Pluma, Natanael Cano y Gabito Ballesteros. Solo un año antes, Netón escuchó sus composiciones “Rubicón” y “La People” viajando por el mundo entero en la voz de La Doble P, lo que culminó en el lanzamiento de “La Patrulla”, y desde ese entonces la vida de Netón se transformó para siempre. Su música construye fusiones perfectamente balanceadas que permiten un flujo libre de ideas y referencias: “siempre he tenido mucho cambio… como escucho mucho rap y hip hop, cuando compongo me salen así las tonadas”. Como en el track “Mi Vida Mi Muerte” donde la guitarra y el beat se entrelazan en lo que se puede describir como un G-Funk Tumbado. La música de Netón Vega se encuentra en perfecta resonancia con la icónica fotografía de Tupac con Chalino Sánchez. Si ese apretón de manos hubiese resultado en una colaboración, esta sonaría exactamente igual que la música de Netón Vega.

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Samantha Menchaca: ¿Cuál es tu origen? ¿Dónde naciste? Netón Vega: Nací en La Paz, Baja California en el 2003. Pero me fui bien chiquillo pa’ Culiacán. Samantha Menchaca: ¿Y desde niño te gustaba la música? ¿Cuáles eran tus artistas favoritos? Netón Vega: Sí, me gustaba. Mis artistas favoritos en ese entonces eran Alfredo Olivas, Gerardo Ortiz, Chalino Sánchez y Valentín Elizalde. Como a los nueve años empecé a cantar. Los profes me ponían a cantar en los festivales de la escuela, porque escuchaban que ya cantaba. Samantha Menchaca: ¿Y qué te ponían a cantar? Netón Vega: Cantaba canciones rancheritas. Samantha Menchaca: ¿Y tus amigos que decían? ¿Te echaban porras? Netón Vega: Sí, siempre. Igual que los profes y todos los demás.

Samantha Menchaca: ¿Qué géneros son los que más escuchas? Netón Vega: Desde que empecé con el grupo escuchábamos muchos grupos campiranos, así como Ariel Camacho, Hijos de Barrón o Miguel y Miguel. Pero siempre he tenido mucho cambio, siempre estaba en constante cambio de música. Es por eso que mi música va cambiando de género. Me sale automáticamente, como escucho mucho rap y hip hop, cuando compongo me salen así las tonadas. Samantha Menchaca: De rap y hip hop, ¿qué escuchas? Netón Vega: Siempre he escuchado mucho Cartel de Santa, Snoop Dogg, Dr Dre, Tupac y ellos.

Samantha Menchaca: En el ámbito de moda, ¿qué te gusta usar? Netón Vega: Me gusta mucho la ropa deportiva como Jordan, mi estilo es como más sueltón mayormente. Cuando tengo un evento o una fiesta de vestir, me pongo un pantalón Levis normal. Me gusta mucho usar botines, tengo muchas botas. Me gustan mucho las que usan los policías, las botas tácticas. Porque son así como bien cómodas y siempre traes bien segurito el pie. También me gustan las playeras polo. Cuando me tengo que poner así como para vestir, camisa de botón también. Pero casi siempre pal’ diario uso pants o shorts con tenis.

Samantha Menchaca: ¿Y cómo te descubrieron? Netón Vega: Me descubrió un maestro en la primaria. Samantha Menchaca: ¿Y qué te impulsó a seguir haciendo música? Netón Vega: No pues si, si me ponían a cantar era por algo. No sé, les gustaba que cantara. Porque no cantaba igual que ahorita pues. Cantaba despacito, o sea, no sabía bien, ya tenía la noción y afinaba, pero no cantaba igual. Tenía una maestra que era de canto y ella me llevaba a concursos. Samantha Menchaca: ¿Y ganabas? Netón Vega: Sí, casi siempre quedaba en los primeros lugares.

Samantha Menchaca: ¿Qué opinas de las disqueras? Netón Vega: Pues tienen su pro y su contra. Yo pienso que habrá personas que sí les sirven. Samantha Menchaca: Porque tú eres independiente, ¿no? O sea vi en una una entrevista que no tienes disquera ni nada. Netón Vega: La hicimos nosotros. Samantha Menchaca: ¿Tú hiciste tu disquera? ¿Cómo se llama? Netón Vega: Pues mis compañeros en Josa Records. Pero de las disqueras grandes no sé, hay gente que habla bien, gente que habla mal. No es mucho mi tema.

Samantha Menchaca: Tú produces música. ¿Cuál es tu proceso creativo? Cuando es corrido sobre alguien, ¿lo investigas o cómo es tu proceso? Netón Vega: Depende, si es corrido sí tengo que tener información. Pero casi siempre es con la guitarra. Toco la guitarra y compongo casi siempre. Es muy raro cuando se me viene a la pura mente la tonada. Primero compongo con la guitarra, hago la melodía y luego ya le pongo la letra.

Samantha Menchaca: ¿Cuál ha sido la opinión de tu familia antes y después de tu boom musical? Netón Vega: Siempre me han apoyado, siempre iban conmigo cuando cantaba. Y ahorita pues sí se emocionan y todo. Samantha Menchaca: ¿Cuál es tu visión sobre el futuro del regional mexicano en cuanto a las fusiones de géneros? Netón Vega: Para mí, casi siempre fue la línea de hacer lo que sea. A veces usamos reguetón. Pues es algo nuevo para mí. No lo hacía y no lo hago, pero nos funcionó. Entonces yo creo que a lo mejor vamos a de repente sacar un reguetón o un rap.

Samantha Menchaca: ¿O sea que te gusta experimentar? Netón Vega: Sí. Yo pienso que va a haber mucha, mucha mezcla. De por sí ya las hay. Como lo del dembow bélico y siento que va a seguir evolucionando. Samantha Menchaca: ¿Con qué artistas te gustaría colaborar? Netón Vega: Pues con los que quería ya colaboré. Yo creo que con ellos y ya. Samantha Menchaca: ¿No se te ocurre algún rapero famoso gringo? Netón Vega: Sí, pero no me gusta decir.

Samantha Menchaca: ¿Sí era tu sueño colaborar con Peso, Luis y Nata? Netón Vega: Más bien no me lo esperaba, aunque sí los escuchaba. Fue algo que me dio mucho gusto. Samantha Menchaca: ¿Tú crees que hay rivalidades fuertes en el regional mexicano? Netón Vega: Yo digo que no. Samantha Menchaca: ¿Crees que hay apoyo entre los artistas? Netón Vega: Sí. Pues a lo mejor hay diferencia entre algunos. No sé, a veces. Pero nada fuerte.

Samantha Menchaca: ¿Qué opinas de la fama? ¿Crees que cambia la gente? Netón Vega: Sí. Bueno, depende. No a todo el mundo, pero de que cambia algo, cambia. O sea no nomás el comportamiento, osea te cambia. Es algo que no, no lo olvidas. Samantha Menchaca: ¿Es fácil perder el piso y volverte algo completamente diferente? Netón Vega: Sí, yo pienso que sí. Porque es un cambio total. De tu forma de vivir y todo lo demás.

Samantha Menchaca: ¿Qué ha sido lo más raro que ha hecho un fan por ti? Netón Vega: Correr, corretearnos. (Risas) Samantha Menchaca: Pero, ¿tú ibas en tu coche y así? Netón Vega: Sí, sí, en el carro. Samantha Menchaca: ¿Dónde te corretearon? Netón Vega: Saliendo del Auditorio Telmex. Samantha Menchaca: ¿Y qué ha sido lo más loco que tú has hecho por un fan? Netón Vega: Una vez nos llevamos a un mesero. A un mesero de La Torrada ahí en Monterrey. Samantha Menchaca: ¿Pero dónde lo conocieron? Netón Vega: En el restaurante. Samantha Menchaca: Terminó su hora de trabajo, ¿o qué? Netón Vega: Por su suerte iba saliendo. Samantha Menchaca: ¿Por qué se hicieron amigos? Netón Vega: Simón. Era un fan que nos atendió machín.

Samantha Menchaca: ¿Nos puedes contar un poco sobre tus collabs con Peso Pluma, Luis R. Conriquez y Tito Double P? ¿Cuál es la historia? Netón Vega: Primero conocí a Tito, por otro camarada, de los mismos de la bola de puros músicos. Y los corridos se rolaban entre nosotros mismos, entre los músicos. Conocí a Tito, me iba a componer con él. Nos echábamos una cervecita. Y un día me dijo que Peso quería grabar la de Rubicon y le dije que sí, que la grabara. Ese fue el parteaguas, en lo concreto. Cuando Peso grabó ese corrido. Luego grabé con Luis, a él lo conocí hablando por Instagram. Por ahí platicábamos y se cuadró el dueto. Lo conocí en Guadalajara y nos fuimos a grabar el mismo día. Luego grabé con Tito, grabamos como un tipo reggaeton así como medio electro, quién sabe qué será. Luego me fui a grabar con Peso. Ya me había dicho él que me iba a invitar a grabar en su disco.

Samantha Menchaca: ¿Y cómo es estar con ellos? Netón Vega: No pues muchas risas, mucha diversión, mucha cura, mucha plática. Historias que nos pasan ahí y tonteras que sacamos ahí mismo. Nos hacemos ahí maldades entre todos. Samantha Menchaca: ¿Y qué hacen en su backstage? ¿Qué les gusta tomar? Netón Vega: Pues depende, a mí me gusta tomar whisky o tequila. Cada quien tiene sus gustos, ¿no? No sé realmente. Samantha Menchaca: ¿Y tienen algún grupo de whatsapp donde se mandan cosas? Netón Vega: No, no, más que nada por privado. Samantha Menchaca: Pero si hablas con ellos así de que se te ocurre algo cagado y ya se los pasas. Netón Vega: No, no con todos. Samantha Menchaca: ¿Con quién te llevas mejor? Netón Vega: Con Luis, hablamos todos los días.

Samantha Menchaca: ¿Qué te inspira de Culiacán? Netón Vega: De Culiacan me gustan mucho los ranchos, la naturaleza que hay. Y pues cómo uno anda en la calle allá. Es muy buena la comida ahí. La verdad todo está muy bien, el calor también está muy bueno.

Entrevista: Samantha Menchaca
Fotografía: Antonia Valentina Sánchez Armendáriz
Styling: Hernán Esquinca
Intro: Ed Mayén

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Ruben has the ability to adapt, to take what is presented to him and alchemize it into his process and therefore his creations. The depth of his practice lies in the depth of his emotional capacity, tied with the alignment he has to his environment. Texas, where the calm poetic rhythm hums, Ruben also known as Los Del Limits gives rise to his music. Invoking intention and practice he sits with his work and the layers that come about. If there is one thing about Ruben it is that he is not afraid to feel and therefore not afraid of the fear that comes with feeling itself. The silence in his work holds weight and I feel honored to have been able to have been given a glimpse into his world.

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Cynthia: ¿Cuál es tu opinión de la intersección entre la moda y la música? ¿Piensas que hay una influencia en esas dos cosas? Los del Limit: Yo siento que lo que nos influencia es todo, todo en total. Siento la ciudad en donde estás, la música que escuchas, son muchas cosas, es todo lo que vemos, es todo lo que pasa por nuestra mente. Cynthia: ¿Cuál es tu parte favorita de ese proceso de encontrar inspiración? ¿En cuál momento decides que vas a actuar? ¿O crees que la inspiración siempre llega de un lugar diferente? Los del Limit: Pues sí, siento que es diferente, porque estoy adaptando nuevas cosas a mi vida personal, de cosas que voy aprendiendo y que voy recibiendo. Si me voy a Los Ángeles siento que puedo tener a lo mejor una mentalidad un poquito diferente porque es una ciudad que se mueve muy rápido. ¿Sabes cómo? Y aquí en Texas, donde vivo yo, es más calmado, es más relax, ¿sabes? Cynthia: Yo nunca he ido a Texas, pero mi impresión del desierto es que en cierto sentido, hay algo poético de que el tiempo se siente muy presente y es correcto, todo en Los Ángeles es muy rápido. Pero si me podrías decir ¿cuál es tu parte favorita de vivir en Texas? Los del Limit: Yo respeto mucho las culturas de Los Ángeles, siento que son muy diferentes. A mí me gusta mucho la cultura de Texas. Somos diferentes, pero sí es la vibra definitivamente, es muy diferente, y a lo mejor pienso que es porque en Los Ángeles, viven muy rápido, tienen otro tipo de energía, es como la gente de Miami, tiene otra energía también, muy acelerada.

Cynthia: ¿Has visitado Los Ángeles? Los del Limit: Sí he visitado, pero no me he tomado la oportunidad de ir a un juego de Los Dodgers. Cynthia: ¡La próxima vez ojalá podamos ir! Los Ángeles tiene algo muy rápido, pero también hay momentos donde hace mucho calor. ¿En qué proyectos estás trabajando ahorita? Los del Limit: Ahorita estoy trabajando en lo que son singles, me quedan unos cuantos singles más y yo creo que para los inicios del próximo año es cuando vamos a sacar un álbum completo.

Cynthia: ¿Cuál es la diferencia más grande que ves en cuanto a lo que has trabajado antes? Los del Limit: Básicamente en este álbum, están todos los terrenos de todas las canciones que están esparcidas. Es un álbum en todos los signos completos. Es una historia completa.

Cynthia: ¿Sientes que cuando haces música hay veces que terminas una canción y te sientes diferente? ¿Te sientes de una forma al principio y al final del proceso ya te sientes diferente? Los del Limit: Siento que esto nunca lo he platicado en ninguna parte y lo que acabas de decir, sí es algo que me pasa cuando escribo las canciones. La verdad, cada vez que termino una canción, no se lo platico a nadie, pero me siento triste, como que me siento vacío, no sé cómo explicártelo. Si es un proceso muy muy muy difícil, pero supongo que es parte, porque lo que estoy soltando todo lo que siento. Cynthia: ¿Crees que se siente así porque has sacado lo que has hecho y ya no hay nada más? Los del Limit: Es más como aprender a dejar ir, dejar ir. Eso es, dejar ir y seguir.

Cynthia: ¿Hay alguna canción en el álbum que estás haciendo a la que quieras hacerle un video? Los del Limit: Sí, sí, sí. Hay varias canciones que me gustaría hacerles videos, la neta. Si fuera yo haría videos para todas las canciones, lo estoy tratando de hacer. Por eso yo estoy tratando de hacer mis propios videos, la idea es que compartan un mundo completo todos.

Cynthia: ¿Cómo le haces cuando quieres sentir un sentimiento? ¿O la inspiración de hacer algo te agarra en cualquier momento? Los del Limit: La música es lo que a veces me levanto y nomás me pongo a componer un poco de música, es como que me acelera el día pues, como para sentirme bien, me siento con ganas de moverme, con ganas de hacer cosas eso sí siento que la música es todo.

Cynthia: ¿Cuáles son tus artistas favoritos? ¿O personas que siempre has escuchado? Los del Limit: La verdad escucho música como jazz ahorita y también escucho música como electro, electro-pop house, algo así. Te diré que no sé los nombres. No sé mucho de los nombres, pero haz de cuenta que nomás agrego las canciones y nomás las escucho, nomás le pongo play.

Cynthia: ¿Dónde te ves como en 10 años? What is your ultimate desire? Los del Limit: Espero que sea en menos de 10 años, llegar a tocar en escenarios grandes, creo que sería una meta muy grande para mí, volver a esos escenarios. La neta es como una euforia que se siente estar ahí con la gente, es un amor que no se compara con ninguna otra cosa.

Cynthia: ¿Cuál es tu proceso antes de empezar frente a un público tan grande? Los del Limit: Es un poquito más profesional en cierta forma. Para el público es un show pues, tiene que ser algo que se tiene que recordar. Pero detrás de todo eso sí, hay un proceso de coordinar mucha gente que haga su trabajo. Y al final se combina pues, pero te digo que es algo más profesional, pero también claro que existe lo sentimental, porque con eso se tienen que sentir las canciones, para poder cantarlas y que tú sientas lo que yo siento. Cynthia: Pensando que cada canción está basada en algo que has vivido, ¿cuando cantas a la gente sientes que estás viviendo eso otra vez? Los del Limit: No, siento que lo recuerdo, pero no es como que esté hablando de ese sentimiento como de tristeza. Siento que ya al paso del tiempo, es una herida que ya se sanó, como cuando la haces ya no se siente nada como cuando apenas te cortaste y haces la canción y te duele. Eso ya no se siente mucho, cuando sanaste la herida.

Cynthia: ¿Cuántos instrumentos sabes tocar? Los del Limit: El piano, la guitarra la se tocar también. Se tocar el bajo, bueno todo lo que escuchen en la música de Los del Limit, todo está completamente hecho por mí. Todo está grabado. Yo me grabo mis propias cosas también, soy mi mismo productor. También compongo mis propias letras y también me grabo yo solo en la computadora. Cynthia: Wow, toma mucha paciencia hacer algo así. Me imagino que cada parte de ese proceso toma un sentido de disciplina. ¿Y qué onda con tu tatuaje en la mano? ¿Dolió mucho? Los del Limit: It’s the only one I have. Quería ponerme algo que en realidad tenga un real meaning to myself. Algo que de verdad signifique algo pues, porque pues es arte y el arte expresa lo que uno siente. La neta lo que me dijeron a mí, es que entre más cerca del hueso esté, más te va a doler y la neta pues esto es lo que está aquí, esto que está aquí arriba de los nudillos fue lo que más me dolió pues, sientes en el hueso la aguja pues y la neta la neta está difícil. Cynthia: Y luego como que tienes que tener cuidado, como no tener mucho sol y siempre ponerse como vaseline. Los del Limit: Sí es es una crema, es un vaseline, uno específico que te pones y no me acuerdo si me puse un wrap.

Cynthia: ¿Qué te inspiró? ¿Ya tienes otros tatuajes en mente? Los del Limit: Quisiera como terminar todo mi brazo pero todavía no estoy seguro. Lo hice porque le tengo mucho respeto a la muerte, porque es al final de nuestras vidas es donde pues nos vamos a morir.

Cynthia: ¿Cómo fue que comenzaste a tener ese pensamiento sobre la muerte? ¿Hay algo específico que te pasó? Los del Limit: Siento que al principio no se cuál era la razón… Cuando estaba niño, siempre pensaba o sentía como que me iba a morir. Siempre antes de dormirme lloraba y decía que me iba a morir mañana. No sé, no sé por qué pensaba eso, pero decía como que no voy a poder vivir mañana no sé qué, es lo que estaba pensando. Era la situación, la verdad no es como que me pude ir a detalle porque no sé sabes solamente es algo que pensaba y no sé por qué, pero después con el tiempo o entendiendo lo que es la vida y también lo que es la muerte, me ayudó porque me hizo ver la muerte, pero no para perderle el miedo pues. Es algo normal que nos va a pasar a todos. Cynthia: ¿Hay alguna relación con la muerte en tu música? Los del Limit: De hecho sí, apenas hice una canción, no la he sacado, me inspiré en una persona que tiene cáncer, y escribí tratando de ponerme en sus zapatos. Sé que no puedo ponerme sus zapatos porque en no sé en realidad lo que es, pero traté de ponerme en los zapatos de alguien que tiene cáncer y quise hablar como si yo tuviera el cáncer, dar mis últimas palabras de cómo decirle a la persona que amo que ya no voy a estar aquí, pero que no esté esté triste pues.Cynthia: ¿Cuándo sale esa canción? Los del Limit: Probablemente va a ser parte del álbum que va a salir maybe el next year…

Cynthia: ¿Tienes un nombre para el álbum? Los del Limit: No, ni lo he pensado la verdad. I’m trying to go with the flow, ya cuando llegue el momento de crear lo que es el álbum, ya pensaré en algo.

Interview: Tamara Itzel
Photography: Monica Zulema
Styling: Abraham García

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Eduardo Camacho, aka Sonido Sapo, is a Pacoima-raised Los Angeles musician, DJ, and record collector whose practice is rooted in vinyl, dark rooms, dancing bodies, speakers, and community. Through genres like banda sinaloense, norteño, quebradita, and cumbia sonidera, Camacho explores the sounds of Latin America and the Mexican diaspora in Southern California with a deep sense of cultural connection and care. His recent project, El Sonido Es Amistad, centers the relationship between music and diasporic life across Los Angeles and Mexico, asking what sound can hold, preserve, and make possible between people in real time.

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La Cynthia: What does a physical record give you that a digital file never could, beyond the obvious fact that you can hold it? I’m curious about both the tangible and emotional pull. Sonido Sapo: I inherited my grandfather’s collection of Norteno music, they still have his name and address stamped on them, you can’t get that through a spotify stream. I also have mixtapes he made that are very special to me. I imagine him sitting down and recording each song on an old-school cassette-deck - it must have been a meditative experience (I know it is for me at least). For me, it’s also about the tangible history of ownership, the provenance. Who owned this record before me? And how many miles did it travel to get to me? I think a lot about how many times it changed hands and the networks that existed to make it logistically possible for music to travel across the continent when a lot of the big distributors in the U.S. wouldn’t touch this music. These networks really shaped the way people discovered music in Mexico, and why certain styles are popular in different cities.

La Cynthia: When you’re out digging, how much of what you buy comes from taste—knowing what you’re getting—versus faith in something that is completely new to you? Sonido Sapo: When I first got started I left a lot to faith, to very mixed results! I try to find virtue or value in “bad” records too, but unfortunately I just don’t have the physical space to store every record I find. These days I look out for certain labels I know put out a lot of music I like - some labels are known for a very specific “sound.” Discos Room from Mexico City and Discos Larga Vida from Monterrey for example, I almost always snag, even if I’ve never heard the track or the group.

La Cynthia: What makes a record feel personally connected to you? Sonido Sapo: I love it when I get a record and it has the previous owner’s signature, notes, or even little love letters. I have a few records that were gifts from one lover to another, and to me that’s so sweet - gifting somebody music or a song that makes you feel a certain way. La Cynthia: In a city like LA, where so much culture gets flattened into memes and content, what does it mean to insist on music as something physical, local, and shared in real space? Sonido Sapo: Community and friendship is a big part of what keeps me going as a musician. My motto is “El Sonido Es Amistad.” I love using music as a way for people to express joy. Seeing my friends laugh and dance through their hardships is something very special. A lot of the music I collect also serves as a cultural archive - a written history of a time and place through song. There’s so many corridos that tell clandestine stories that you’ll never read about in books, but it’s all there pressed on a record.

La Cynthia: Have you ever picked up a record that felt like the start of a completely new project? Sonido Sapo: A while back I was digging in Mexico City with my friend, Jorge Balleza and we found a compilation titled “Cinco Siglos de Banda en Mexico.” We had our minds blown when we flipped through the booklet and the pages were full of photos, ethnographic documentation, and field recordings tracing the roots of Banda music in Mexico back to pre-hispanic traditions. I based my next mixtape and zine “Mambo Animalon” on this concept. I really wanted to share a lot of the images from the booklet, and recontextualize them with art and writing from my own community here in Los Angeles, where Banda music continues to flourish.

La Cynthia: What do your records teach you about being with other people on a packed dance floor in real life? Sonido Sapo: I think music is one of the most accessible means of emotional expression for a lot of people. Where some people might feel really uncomfortable telling their homies how much they love them, they won’t hesitate to embrace each other and sing along on the dance floor. Unfortunately, I think we sometimes take those little moments for granted, and I love to see people loosen up as the night progresses.

La Cynthia: Digging and collecting records isn’t convenient AT ALL! What does that inconvenience add to the experience? Sonido Sapo: While some may see it as an inconvenience, I’ve always appreciated the adventures and friendships I’ve made through digging in Mexico and different cities in the U.S. Traveling to a new city and being led into a dusty, filthy room full of old 45s is a top-tier experience for me. I also think a lot about the pioneers responsible for a lot of the early discovery of new music in Mexico. Gabino Hernandez in Monterrey (Discoteca Popular) and Jose Ortega (aka “Morelos”) in CDMX are two legends that played a big role in the proliferation of records from Latin America across Mexico, and eventually the U.S. I’ve gotten the chance to meet both of them and I’m very grateful as they have amazing stories of meeting legendary musicians and their travels across the continent.

La Cynthia: How do you know when your connection to music is real and not just aesthetic? Sonido Sapo: I know it’s real when I have community around me to share it with. Whether it’s playing at a club and everyone is moving to a record that traveled 3,000 miles to serenade them, or digging through bins with a friend and they hand me a record and ask “have you heard this one yet?” La Cynthia: What does it mean to love music in a way that goes beyond consumption? Sonido Sapo: I think about early memories with my family - being woken up at 7am on a Saturday to my mom blasting Paquita, my dad putting me on to groups like Los Dandy’s when I was first learning to play the guitar, and riding shotgun in my brother’s Chevy 1500 while he blasted Chalino out of his busted up sound system. We all have similar experiences with music and I think that’s what makes it so special, not only as a cultural archive tool, but something that also carries emotional meaning through lived experiences.

Interview: Carlos Ávila
Photography: Javier Ramírez

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So Hood GFX es el creador de las portadas de algunos de nuestros álbumes y sencillos favoritos de artistas como Luis R. Conriquez, Peso Pluma, Joel de la P y Natanael Cano. Mucho se ha escrito sobre cómo la ola contemporánea de música regional y su estética arribaron casi accidentalmente a una fusión de corridos con trap. So Hood GFX es uno de los arquitectos visuales de esta fusión musical y su trabajo es todo lo contrario a accidental. So Hood GFX no es un consumidor de gráficos de rap, sino un diseñador que proviene de un involucramiento estético con el movimiento underground de rap en Monterrey a principios de los dosmiles, cuya influencia norteña es a menudo subestimada en la nueva ola de música regional. Como muchos de sus colegas a principios de los dosmiles, trabajó con copias piratas de versiones tempranas del software creativo y se enseñó a través del internet los principios del diseño gráfico y la producción musical previo a la prominencia de los tutoriales de YouTube. Inspirado por los diseñadores Pen & Pixel, comenzó su carrera, a través de Facebook, convirtiéndose en una figura del diseño para la industria del rap chicano en el sur de California. Frente a la misma pantalla de LCD en Mérida desde donde ha generado algunas de las portadas más icónicas de los últimos 5 años, So Hood GFX se sentó con Cynthia Magazine para hablar sobre simbolismos del barrio, el trabajo con clientes y el futuro estético de los álbumes que pacientemente esperamos que nuestros artistas favoritos estrenen.

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La Cynthia: Noto que hay una composición muy recurrente en tu trabajo. Encontraste algo que funciona muy bien y me imagino que es la razón por la que te buscan. Entonces, ¿tú por qué crees que sea la razón por la que te busquen? So Hood GFX: Más que nada yo creo que lo que ayudó ahorita es el crossover que hubo en el regional mexicano. Eso me ayudó bastante para empezar. Si te das cuenta, el nombre es So Hood graphics. Todo está enfocado al rollo del rap chicano y al rap de los morenos en Estados Unidos. Ese era mi mercado principal. En este ámbito conocí a un amigo, un productor que se llama Cricket que fue pionero en la fusión entre la banda y el rap.

La Cynthia: ¿Y de dónde eres? So Hood GFX: Soy de Mérida de Yucatán. La Cynthia: ¿Y estudiaste diseño gráfico o cómo empezaste con esto? So Hood GFX: No estudié diseño gráfico. Yo creo que así como los músicos que aprenden de oído, habemos algunos que aprendemos de de ojo, por decirlo de alguna manera. La Cynthia: ¿Qué año fue tu primer diseño? So Hood GFX: La primera venta que hice como diseñador fue en el 2012, para un rapero de San Diego. La Cynthia: ¿Y viviste allá o cómo encontraste a este cliente en San Diego? So Hood GFX: Fíjate que lo encontré en Facebook antes de que existiera marketplace, podías dar mucha distribución a tus publicaciones. Yo subía mi material y todo el show, y llegó a varios raperos en Estados Unidos. Entonces había bastante mercado en ese entonces. Y empecé a tener una entrada adicional en mi cartera.

La Cynthia: ¿Cuál crees que sea la razón por la que el regional mexicano empezó a adoptar estéticas de rap callejero? So Hood GFX: Es una buena pregunta. Fíjate que yo empecé haciendo música y por eso me fui para Monterrey haciendo rap. Culturalmente tenemos arraigados los sonidos de México, pero un crossover tan marcado sí se vio en AKWID pero haz de cuenta que lo de AKWID fue a la inversa de lo que está pasando ahorita, los cholos adoptaron el los sonidos mexicanos. Ahorita los cantantes de regional mexicano adoptaron la vestimenta urbana de los cholos. Hace un par de años dije que el nuevo gangster rap eran los corridos por la similitud en las letras de las canciones. Las letras hablan de lo que se está viviendo en las calles. Los tumbados en un principio hablaban de eso: de una realidad que vivían en las calles, las aspiraciones de jóvenes que querían andar encollados y traer dinero. Entonces esa es la síntesis entre el rap y los corridos modernos.

La Cynthia: ¿Cuáles son las iconografías más específicas del lado regional mexicano? So Hood GFX: Yo creo que básicamente es lo mismo porque yo he hecho portadas para raperos morenos que incorporan los mismos elementos. Ya sean Bentleys, armas o mujeres. La temática es la misma solo que con ritmos mexicanos. Instrumentos de aire, el tololoche que está ahorita rompiendo. Yo creo que la iconografía está demasiado fusionada. Es muy complicado decirte exactamente algún elemento que identifique. Yo creo que quizás podríamos hablar de los santos, de la virgen o cosas así que que normalmente no los encuentras en el mercado del rap.

La Cynthia: Estábamos viendo mucha fotografía del rap de los noventa, como en esta onda de Gangsta Rap en Los Ángeles. Porque en los grupos de regional es un poquito más común tener un grupo de cinco miembros y antes antes en los noventa también NWA fue un grupo de rap como de cinco integrantes, pero en este momento es más común que los raperos sean solistas, como Kendrick o Travis. Ya casi no hay grupos de rap y pienso que hay algo moviéndose en ese sentido en la música regional mexicana también. So Hood GFX: En los noventas eran como crews, osea que eran como colectivos de rap. Están también los Wu Tang Clan. Y fíjate quizás anteriormente en la música mexicana siempre han habido muchos integrantes haciendo música porque son muchos instrumentos tocados en vivo, pero yo creo que antes no se le daba tanto énfasis a los que tocan los instrumentos. Por ejemplo ahorita con los músicos de Peso Pluma, gracias a las redes sociales, todos saben quien es La Parka o Ezequiel. Entonces ya tienen también más spotlight los músicos y eso está chido.

La Cynthia: ¿Y usas IA? So Hood GFX: Fíjate que yo estaba renuente a usar la IA porque a lo que más me dedico yo es a hacer conceptos o escenas. El retoque es lo que más me gusta a mí. Entonces pues obviamente hacer una composición mía hecha de mi mano, me da más satisfacción que ver algo producido por una inteligencia artificial. Sin embargo, últimamente he estado usando un poco de IA, pero para crear elementos que, por ejemplo, me puedo pasar un día entero buscando y a veces no encuentro. Con la IA lo creo y lo uso dentro de mis composiciones rápidamente. La Cynthia: Notamos que a veces tu estética es similar a los pósters de las películas, ¿eso es algo en lo que piensas? So Hood GFX: Cuando tengo muchos elementos, o hay un visual de por medio antes de hacer la portada, como un video o algo que me marque la pauta de dónde ir, yo empiezo a hacer la lluvia de ideas con los elementos del video que empiezo a recapitular y empezar a armar mis composiciones. Muchas veces, básicamente entrevisto a los artistas sobre qué dirección quieren tomar para empezar. Porque a veces yo propongo hacer ese estilo de póster de película, pero se van por algo más sencillo. Por ejemplo, Luis R. ahorita trae la tendencia de utilizar fotografías en lugar de hacer composiciones más elaboradas como las que habíamos estado trabajando. Entonces yo me voy adaptando a los artistas, Joel de la P por ejemplo, a él sí le gustan las composiciones cargadas. Me voy adaptando a los artistas más que nada, les hago un tipo de entrevista para poder saber más qué dirección tomar con el diseño.

La Cynthia: ¿Qué cosas les preguntas? So Hood GFX: Para empezar, cuando no tengo la canción ni he visto algún visual. Les pregunto de qué trata la canción, si va a ser un reggaetón, un dembow o un corrido, porque ahorita ya los artistas están sacando de todo, la mezcla cultural que hay ya es bastante. Ya no sabes si la canción tiene nombre de corrido pero a lo mejor va a ser un dembow. Hay que saber si vamos a usar colores más llamativos como morados, verdes, más exoticones en el caso de los dembows o si nos vamos a ir por algo más elegante en caso de que sea un corrido. Si me dejan a mí la libertad creativa pido que me manden aunque sea un extracto de la música para yo en base a la letra sacar ideas.

La Cynthia: Me parece muy interesante que en la cultura callejera siempre hay códigos o formas de hablar y creo que también aquí en el diseño de portadas hay un poco de eso, justo cosas que no se dicen explícitamente, sino que el que entiende entiende. Se me hace interesante que haya varios niveles de lectura en las portadas y creo que eso también ayuda mucho al sentido de pertenencia que genera este género musical. So Hood GFX: Claro, incluso hay cosas que te piden sin que tú sepas el significado. Simplemente te lo piden.

La Cynthia: ¿Cuando haces algo creas una sola dirección creativa o varias? ¿Y qué pasa cuando el artista dice que no le gusta? So Hood GFX: La neta me prevengo. Por eso primero hago el cuestionario. Y pues ya con el precio sí amortiguo los cambios. Mando primero un sample, un preview para que lo chequen con un mockup este antes del final, revisan si todo va bien, la afinamos y se hacen los cambios necesarios. No tengo restricciones, ahora sí que al cliente lo que pida. Porque al final de cuentas, también eso garantiza el retorno de ellos.

La Cynthia: ¿A ti te gusta el sci-fi? Siento que tus diseños tienen muchos elementos de la ciencia ficción. So Hood GFX: Claro, ¡sí! Me gusta el sci-fi y también algo que me gusta mucho y casi no me lo piden es hacer iluminaciones como de película de terror. Hay una disquera que se llama Evil Enterprise que siempre me piden ese tipo de cosas. La neta lo disfruto porque me gusta meterle ahí un poquito de horror a los diseños. Cosa que no me permiten hacer los clientes del urbano ni del regional porque no va, choca con las tendencias, excepto que sea Halloween. La Cynthia: Sí, creo que hay algo muy noventero en tus diseños, me recuerda a unos diseñadores… So Hood GFX: ¿Pen & Pixel? La Cynthia: Justamente… So Hood GFX: Ellos eran dos rubios que estaban involucrados en las portadas de Master P, de Snoop Dogg, de No Limit, las de Cash Money donde estaba Lil Wayne. Como que agrandaban las manos de los artistas, usaban dados, también aparecían muchos dobermans y las letras en 3D. Las letras que yo uso muchas son casi como en 3D y doradas, inspiradas en las composiciones que ellos hacían. La neta yo considero que ellos estaban muy adelantados a su época porque en ese entonces el Photoshop creo que no existía.

Entrevista: Diego Olivares y Steven Rodriguez
Introducción: Steven Rodriguez
Edición: Ed Mayén
Arte: So Hood GFX

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Hace ya unas décadas, la Güera Cirujana llegó a la Bahía de Kino, Sonora para establecer una de las barras de mariscos frescos más conocidas y virales del internet. La Cirujana Conchera, como también es conocida, tiene tan afilada la lengua y la mente como el cuchillo con el que limpia la variedad de conchas que se ofrecen en el pacífico mexicano y con las que hace sus preparados superpoderosos que la Cynthia tuvo el gusto de probar.

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[Cliente de La Cirujana Conchera: ¿Qué pedo estos youtubers? Graban y luego no mandan nada. Déjelos, vamos a darles... Lo bueno que me bañé...Oscuro como mis [penas, bajo la lluvia, en la calle, camina triste un perro (Bronco continúa en el fondo) Clientes de La Cirujana Conchera: ¿Clamato? Clamato, clamato clamato…]

La Cynthia: ¿Cómo se llama? La Güera Cirujana: ¿Mi nombre completo o mi nombre nomás? Pues me llamo Diana Elizabeth Carrasco López, para servirles, alias la Cirujana Conchera, la Güera Cirujana. La Cynthia: ¿Y por qué la Güera Cirujana? ¿Por la precisión? La Güera Cirujana: Yo me puse la Güera Cirujana porque destripo la almeja y el callo. Por eso yo me lo puse, nadie me lo puso más que yo. Y un amigo mío me hizo famosa, se llama Eloy, él es chef.

La Cynthia: ¿Cuántos años tiene usted aquí? La Güera Cirujana: Tenemos como unos 23 años. La Cynthia: No, pero usted. ¿Usted es de aquí de Kino? La Güera Cirujana: No, yo soy de Hermosillo. La Cynthia: ¿Y cómo terminó aquí en Kino? La Güera Cirujana: ¿Cómo llegué? De vaga, de cabrona, de vaga llegué aquí. Y solita llegué... con unas amigas la verdad. Unas se fueron para allá, para otra parte, otras se quedaron aquí, otras no viven aquí. Pues la única que tiene negocio de todas las que andábamos aquí, éramos como unas doce, yo soy la única que quedó con negocio. La Cynthia: ¿Y por qué? La Güera Cirujana: Porque me junté con un pescador y ese pescador me enseñó a trabajar, porque yo no era ¿cómo se dice? comerciante, y él me enseñó, y gracias a él salí adelante, y pues aquí estamos. Más o menos tenía como unos 19-20 años. Pues la neta tengo 49 años yo, mi persona, y tengo 27 años aquí.

La Cynthia: ¿Siempre ha estado en familia? La Güera Cirujana: ¿El negocio mío? Sí, todo el tiempo ha estado en familia. Sí, de repente nos han ayudado otros amigos de mi hijo pero casi casi trabajamos en familia. La Cynthia: ¿Qué significa para usted la familia? La Güera Cirujana: La familia son mis hijos, mis sobrinas, bueno, el que era mi marido porque ya no estoy con él, el que me enseñó a trabajar. Ya no vivo con él, gracias a Dios. La Cynthia: Pero a lo que me refiero ¿Cómo siente ese apoyo de la familia? La Güera Cirujana: Pues fíjate que lo siento muy bien, gracias a Dios, porque yo la neta, antes de yo llegar aquí, bueno, yo llegando aquí era una mujer bien vaga. Si soy borracha, era más borracha antes, era drogadicta y gracias a Dios aquí, mira, salí adelante y no seguí en lo mismo. Sí tomo, pero ya no como tomaba antes, la droga pues la dejé definitivamente.

[Cliente de La Cirujana Conchera: ¿Dónde pa’ ir a buscarla?]

La Güera Cirujana: Y pues aquí seguimos y estoy muy orgullosa de mí porque gracias a Dios pude salir adelante conmigo y saqué adelante a mis hijos. La Cynthia: Y ahora, en la actualidad, ¿qué hace feliz a la Güera Cirujana? La Güera Cirujana: Pues mi negocio, yo amo mi negocio, lo tengo aquí en mi corazón. Es lo que amo más, porque a los hombres ya no se les puede amar, entonces no, no, no. Puedes tener relación con un hombre, pero no puedes amarlo. Ya pasó a la historia eso. La Cynthia: ¿Siente que este cambio de andar de vaga a plantarse y tener una familia fue bueno? La Güera Cirujana: Claro mijo, para mí ha sido una cosa muy buena en mi vida, gracias a Dios. Gracias a Dios que hice un cambio de la noche a la mañana, así rotundamente, así. Pues yo misma, quererme a mí misma, porque si yo no me quiero, no quiero a mis hijos, a nadie.

La Cynthia: Un consejo que pudiera dar así a la gente que anda en la loquera. La Güera Cirujana: Pues yo les diría que salieran de esa rutina porque no es nada bueno y hacen sufrir mucho a sus padres. Y aparte a sus hermanos, porque tanto sufre la madre, que es la principal, los hermanos también van, porque hay muchos hermanos que se portan bien y están con la madre y sufren junto con la madre, porque la madre es la que sufre todo el tiempo. Y pues yo les diría que a esos que se andan drogando, pues que agarren un camino mejor, así como yo lo agarré. Y así es. Tengo un libro muy grande que contar, pero está re grandísimo mi libro. Nomás es un pedazo de mi vida, es un pedacito nomás les voy a decir de mi vida.

La Cynthia: Todos los negocios de aquí alrededor, casi todos, son manejados por hombres y usted tiene un negocio, ¿cómo se siente? La Güera Cirujana: Yo me siento muy orgullosa de mí, chico. Yo, gracias a Dios, estoy muy orgullosa de mi persona por todo lo que he hecho y por todo lo que he sufrido y porque he salido adelante sola. Sí he tenido el apoyo, sí tuve el apoyo de mis padres, de mis hermanos, de mis hijos, pero gracias a Dios no me rogaron mucho, no sufrieron mucho para yo salir avante en eso que yo anduve. Yo sola.

La Cynthia: Igual, así como otro mensaje a las mujeres. La Güera Cirujana: Pues habemos muchas mujeres muy luchonas. Pero las que no se animan, pues que son unas tontas, que no se anden dejando del hombre, que salgan adelante por ellas solas. Bendito Dios. Así nomás. Sí. Yo, mira, dejé al hombre, ya hice mi casa. Yo tengo mi casa, yo no tenía casa, y ahora que tengo 6 años dejada de él, tengo una casa, gracias a Dios, donde vivir, un techo, y muy bonita, y la llevo. Ahora que le inaugure en este año, los voy a invitar porque la voy a inaugurar.

[Cliente de La Cirujana Conchera: No le esté tirando a los hombres pues, hay algunos que parecemos, pero no somos.]

La Güera Cirujana: Pues sí, no es la mayoría de los hombres, sí es cierto, estoy mal, sí es cierto. Pero es gran parte, pues la mayoría de los hombres que hay, no lo voy a dejar al marido porque me da miedo salir adelante y no puedo hacer nada y me voy a quedar atascada. Yo la neta tuve cuatro maridos, cinco podría decir. Por eso ya no creo en ellos, ya no, ya, ya, ya no creo en ellos

La Cynthia: ¿Cuál es su especialidad, Güera? La Güera Cirujana: Claro, mi especialidad es el callo. Es el vuelve a la vida, es salta pa’ delante, porque si saltan pa’ trás ya es su problema. Lleva la chocolata, que está garantizada por tres meses, si no le funciona aquí a los caballeros, le regresamos su moneda, su billete. Ya si el poste no sirve, no es mi bronca. También lleva el callo de San Andrés, donde se acuestan dos y amanecen tres, y son de aquí del Mar de Cortés. También lleva la almejita reina para la reina. También vendemos el ostión para que le diga a su chica que es un campeón en la cama y en el colchón. Y también vendemos la patita de mula para las mujeres mulas, la almeja pierna de mujer, y hay una almeja que yo le puse panocha peluda, que es peludita por fuera y saladita por dentro. No la tengo ahorita, yo creo no llegó. Porque ahí en la Baja California hay una que se llama chiluda, y para que no quedarnos abajo las mujeres, tiene que haber una almeja que también se llame panocha peluda, ¿qué no?

[Cliente de La Cirujana Conchera: Pero ya no hay panocha ¿o qué?]

La Güera Cirujana: No, no tengo panocha. No, más la mía.

[Cliente de La Cirujana Conchera: Pero no está peluda, ¿o sí?]

La Cynthia: ¿Qué días trabajan? La Güera Cirujana: Trabajamos de lunes a domingo, descanso un día a la semana. Pero mis hijos trabajan. ¿No hay capsu, chamacos? Vete por una corriendo. La Cynthia: ¿Y desde cuándo ha estado aquí, Güera? ¿Le gustaría regresar a Hermosillo o irse a otra parte? La Güera Cirujana: Desde antes de que hicieran los muelles, ¿verdad, Nacho? Antes que hicieran los muelles, estábamos allá arriba. No, no, no, ya no me hallo, me engento. Uy, mijo, me han salido hasta sucursales Monterrey, Guadalajara, en todas las partes se podría decir de México. Pero yo aquí, aquí soy feliz con este negocio. Aquí, hasta que Dios me preste vida, a ver qué tanto duro, aquí voy a morir.

La Cynthia: ¿Usted diría que Kino es su lugar? ¿Por qué? La Güera Cirujana: Sí, porque es una parte muy tranquila, la verdad. Soy muy hija de su chingada madre la gente, pero es una parte muy tranquila. Pero si te dejas, te meten una patada en el trasero. Pero si no te dejas, como la güera cirujana. Yo no me dejo, madre. Por eso no me quieren, pero a mí no me importa.

La Cynthia: ¿Y hasta qué hora cierra, Güera? La Güera Cirujana: 6:30-7:00 por ahorita, ¿no?

[Cliente de La Cirujana Conchera: ¿Ahorita no hay refuego? Está muy tranquilo].

La Güera Cirujana: Pues yo creo que ahora no va a haber refuego, ¿verdad? No se ha oído nada. Sí, cuando va a haber algo, luego luego, se sabe.

La Cynthia: Y ya pues unas últimas palabras para finalizar... La Güera Cirujana: A ver. Pues invitamos aquí, a Bahía de Kino, Sonora, a que vengan y nos visiten aquí, a todos los negocios de aquí de Bahía de Kino, Sonora, de aquí de Kino Viejo. Aquí estamos ubicados antes de subir al muelle, a mano izquierda, la Güera Cirujana. Y, pues, aquí van a ser bienvenidos, los vamos a tratar como se debe tratar a los clientes, al turismo. Y, pues, para todos sale el sol, donde gusten llegar, no pasa nada. Pero aquí estamos, vendemos mariscos del mar a su paladar.

[Cliente de La Cirujana Conchera: Cóbreles más a estos youtubers, Güera]

Entrevista: Raúl Laborín
Fotografía: Adrián Calva
Intro y Edición: Daniela Hernández

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Ken Taylor Reynaga speaks enthusiasticlly–putting you onto songs he has on repeat, jumping into a childhood tales darting up and down California, the raw awe of a dad eager to share about his babies growing and discovering landscapes from the window of his truck. Kens paintings bubble and brood with the same energy. The weight in the heel of buzzed mariachi or the shadow at the bottom of the dress on a slick haired dancing buchona. These paintings put a swing your body, the way your leg or neck can hear a corrido bumping from a stray car.

La Cynthia: I know that you’re from California, but I don’t know where you grew up and how you got to Chino? Ken Taylor Reynaga: I was born in Los Angeles. My mom and my dad moved to Bakersfield in 92 or 93. I grew up in Bakersfield. I stayed there until I was 23. And then I moved to LA, where I lived in Boyle Heights. I moved to Chino just a couple years ago after I started a family. My suegras live here in Chino.

La Cynthia: When do you remember first seeing things that feed into your visual practice? Ken Taylor Reynaga: When we were in Bakerfield, we were selling things in the swap meet. My mom would always drive us to Tijuana. My mom was born in Tijuana and lived there until she was 15. We would go to Tijuana, buy stuff. We´d buy whatever she found interesting in Tijuana, we’d bring it back and sell it in Bakersfield at the Kern County Swamp Meet. We’d also sell oranges. We’d drive up to Visalia and buy a pallet of oranges, and just bag ‘em up and we’d sell ‘em too. From doing all this growing up I saw a lot of real artist or artisan type people making [and selling] paintings, weird sculptures and piggy banks. I think that really was my first experience with ¨the creative¨. Of making something from scratch. These fools were like making it all from scratch and then selling it. La Cynthia: That makes sense. Growing up as a kid in the US everything can be hyper commercial, but through these networks between California swap meets and Tijuana you saw a different more creative way. Ken Taylor Reynaga: Yeah, definitely. And then when I went to university, I took an art class , and then that’s where I learned about another sense of art. Painting, ideas, philosophy and reading books. It just kind of opened my mind. It is an acid trip—just like, whoa, people out here doing performance art and what is that? And then just trying to relate it back to my life. Trying to just smash it all together.

La Cynthia: In your work there are these abstracted motifs that Mexican-Americans should all be familiar with. How does the tejana work in your paintings for instance? Ken Taylor Reynaga: Yeah, I think the hat is this thing that you use to actually stop the sun. And so it’s like this philosophy of form follows function. I feel like painting can be so abstract. ¨What do you paint?¨ I think that’s why people do it, because it’s some sort of resemblance of consciousness. So I think painting a hat was just kind of this form that I found beautiful in contrast with what could be a nature background or some other scene. For me it’s about just painting that and then letting it just sit and be there for people to ponder, because it’s a painting first. The hat is just using something that I looked at, I’ve seen before, that I’ve drawn before. Using that as an anchor in my practice so that way I have reference to dive deeper into what it is to be human, what it is to paint and to have consciousness. La Cynthia: There a lot of familiar landscapes… Ken Taylor Reynaga: Yeah, it’s definitely California style. You got the valleys, you got the mountain peaks, you got the ocean views. And I feel like the people who make this all up, we become part of it. And I think thats the fun part of using an anchor like the tejana. It´s like ok, where is that in the landscape? Putting those two things next to each other or inside of each other, inside of a painting. It creates a point of history to the California upbringing, to what it feels like, to what it looks like.

La Cynthia: Growing up Mexican-American in California I can think of all these distinct cultural moments. I can think of what a Mexican looked like in Southern California in the 1980s or then in the 1990s, and a lot of that expression had to do with the type of music Cynthia Magazine is centered on. Regional and corridos. When you see kids walking around Chino and you know that they bump this type of music. What do you think is unique to their current aesthetic expression? Ken Taylor Reynaga: I think now in popular culture there is a sense of pride in this type of music. And I love to see that. The music is getting the respect it deserves, these guys are writing super amazing music, from the story itself to the way its presented, and its like a real band. I always tell people, with this kind of music, they can play it for you right there. There’s nothing else they need. A guitar, a dude singing, maybe someone on bass or backup guitar. This type of music taps kids into not being so tech. It gives something tto the light of painting, it’s still kind of classic. You can do it anywhere. You don’t need to be plugged into something to play that music or to hear it. Back to your question, seeing the kids in Chino just kind of bumped that music, I think it’s really cool, when you say ¨California, Mexican¨, its like what is that? As people, we’re all trying to figure it out. It looks like a lot of things, but I feel like yeah, this regional music is creating an anchor. It’s holding it down for a lot of people. In Bakersfield, this music comes on after a house party, people are playing this music in the backyard and vibing out. It wasn’t popular or anything. I feel like I’ve always kind of looked up to that, I don’t know. I’m enjoying what’s happening right now, I’ve always tried to bring that into my painting. I don’t think it’s cool to be from Bakersfield, but I feel like Bakersfield is represented by this music in a way that has given Bakersfield some respect. La Cynthia: Yeah I feel that. For me there´s something in this music that represents where I grew up in Riverside, which was never cool, a way to escape the shadow of LA. Ken Taylor Reynaga: To people in Bakersfield, the Central Valley is just Central Valley. They don’t want to go to LA, they’re happy to be in Bakersfield. When I was growing up, I feel like that was definitely a vibe. Bakersville was proud, and I’m proud too have grown up there and be a part of the Central Valley. And I love LA and I love the IE too. La Cynthia: This music comes from so many different places, but some places it doesnt really come out of, are like the urban cores, its not pouring out of LA, SF, CDMX or NYC in the way it pours out of the Central Valley, the IE, Phoenix, the cities and their peripheral pueblos or ranchos in Northern Mexico.

Ken Taylor Reynaga: I feel like Tijuana holds it down. They´ve got a lot of artists I listen to heavy. La Cynthia: Totally. Ken Taylor Reynaga: Like Codiciado. Grupo Firme. They really did a lot and I still listen to them. Ken Taylor Reynaga: Where’s Natanel Cano from? La Cynthia: He’s from Hermosillo. But he lived in Phoenix for a time. Ken Taylor Reynaga: You know how Norteño is what they call it. It’s like this northern part of Mexico for them, but for us it’s like the southwest vibe. I think what it is too, is in these place, you have time to actually practice and learn how to play the guitar. The guitar gave it the sound. Arial Camacho just kinda put it on the fucking map for everybody. Like ¨Te Metiste¨, You fell through me, like water through my hands. It’s like, God damn, he just writes that shit beautifully.I think it’s cool, these smaller towns or places where there’s not as many people, they have this sound that represents that. And you realize it’s actually a lot more people who are from a small town than you think. We like to think ¨oh I´m from a small town¨ but then everyone is from a small town, and they can all relate to each other. La Cynthia: There are more small towns than big cities. You could probably name all the big cities on the 10 fingers in your hand or something, but there’s so many more small towns and it feels like a really special moment we’re living in.

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Cada vez que escucho TRAKAS hijodesuputamadre, me quedo pensando si existe una frase más icónica en la cultura mexicana de la década de los 2020’s. Cuando pasa algo malo digo “trakas”, cuando pasa algo bueno digo “trakas” y cuando pasa algo absurdo, también digo “trakas”. Y es que Luis R. Conriquez, quien popularizó este término, lo ha utilizado en una multiplicidad de géneros brindándole una gran variedad de significados. Veo estampas en microbuses, estampados en playeras y más icónicamente, en toallas y frazadas donde TRAKAS HDSPM se imprime a lado de la cara de Luis R. Conriquez. No cabe duda de la influencia que Luis está teniendo en la cultura regional mexicana, o de acuerdo a lo que él nos compartió, la cultura internacional mexicana. ¿Pero quién es este cantante nacido en Caborca, Sonora? El espectro y la leyenda ocultan a una persona sensible, que como todos sabemos se superó desde ser despachador de gasolina hasta volverse el número uno. Nos encontramos con Luis en la Librería Redil de Ovejas en Guadalajara, ¿qué mejor lugar para platicar con alguien que muy probablemente inscribirá una palabra en la Real Academia Española? Trakas. No puedo parar de decirlo. – Ed Mayén

Cynthia: ¿Has sentido que desde el momento que ustedes comenzaron se ha vuelto un poco más sencillo el camino para ustedes? Luis R Conriquez: Sí, claro, es una evolución que tenemos los mexicanos. Es una evolución muy buena para la música, para todos los mexicanos independientemente. Para todos los géneros de la música ya es un voltear a ver a México. Todos los artistas de diferentes lados en diferentes países. Es más mundial, está más versátil todo. Yo creo que somos parte de la historia de México, pero con un nuevo cambio.

Cynthia: ¿Y tú cómo te sientes? Por ejemplo, supongo que has dado conciertos en Europa… Luis R Conriquez: He hecho en Colombia, México y Estados Unidos. Todavía no he ido a Europa, pero próximamente, primeramente Dios. Sí quiero ir a Europa. Sí me han pedido mucho, fíjate en España. Hasta en Italia me han dicho así de que ven para acá, yo creo hay muchos mexicanos en todos lados. Hace poco estaba viendo una gira de Carin León y en todos los lugares que fue hay mexicanos, o hay gente de descendencias mexicanas entonces para la música mexicana ya no hay niveles pues o sea, ya podemos llegar a donde nosotros queramos. Cynthia: ¿Y tú sientes que dando un concierto en Colombia o en Estados Unidos, donde sea, el mexicano y la música mexicana es aceptada como cualquier otro? Luis R Conriquez: Claro, es algo de nosotros, muy de nosotros, y es llevar las raíces de México hacia donde está la gente mexicana, que por ciertas razones se va a otros países, ¿no? A trabajar. Es más que se sientan en casa pues, con la música que interpreta uno.

Cynthia: ¿Tú sientes que tu mensaje ya es más universal o sea que trascendiste la parte nacional que solo al mexicano le suena claro? Luis R Conriquez: Siento que sí, claro, ya tenemos más de cinco años en el medio y la gente pues nos voltea a ver de buena manera y ya saben cuando escuchan a Luis R ya saben de lo que habla el mensaje y todo lo que está detrás.

Cynthia: Claro. Oye, yo quería tocar tantito el tema de dónde saliste, o sea, creo que es muy importante el tema de Caborca porque hay una parte donde cualquier persona que viene del interior de la república, siente que la cultura está en la Ciudad de México. Y luego el resto de personas no nos sentimos parte. Y en este momento como que se está volcando hacia allá. No sé cómo tú sentiste esa parte… Luis R Conriquez: Casi todos los sonorenses, somos varios sonorenses que estamos en el medio, y que de alguna manera la estamos rompiendo, ¿no? Sonora es muy diferente a todos los lugares, es diferente en ambientes, en tipo de música, o sea la música más de Sonora casi son más cumbias es más diferente. La gente pues con todo se ambienta, ¿no? Y en otros lugares sí aceptan más nuestro género por decir, aquí en Guadalajara ni se diga, desde que empecé a venir la gente acepta muy bien nuestra música, igual en Monterrey. O sea pero al fin del día todos somos mexicanos y yo creo que ya estamos adaptando toda la música nueva, ¿no? Ya el lugar al que vayas ya se saben más de la música y saben lo que canta uno. Cynthia ¿Cuando estabas morrillo allá entonces era más de cumbia no era tanto el tema de banda norteña? Luis R Conriquez: La chamacada, la morrada, sí somos de corridos y todo pero sí nos gusta el ambiente, pues ese tipo de ambiente que nos han inculcado allá en los años.

Cynthia: Yo soy muy de corrido y siempre mi jefe nos enseñó esa parte, pero como que la parte de los corridos viejitos así muy norteño muy de banda, como peda de jefe que está sentado en el equipal y acá chupando pues… Luis R Conriquez: En su oficina o otro rollo pues es otro trip… Cynthia: Y lo que ustedes trajeron fue como activar a la banda… Luis R Conriquez: Activarla, ya donde sea pues ya hasta en un antro cabe la música de eso, claro. O sea antes miraban a uno como todo un ranchero a todos los mexicanos miraban como “ah el mexicano, el macho, el de sombrero y de bigote” y la verdad va cambiando todo, o sea lo hemos ido cambiando, se nota todavía el poder, el poderío mexicano, pero es diferente.

Cynthia: ¿Tú escribes, tú compones? Luis R Conriquez: Al principio componía y hasta la fecha pues de repente me meto en una que otra rola pero ya no es mi necesidad. Cynthia: ¿Cómo empezaste tú así con esa inercia? Luis R Conriquez: ¿Sabes qué? Pues yo me quise superar y quise ser cantante y yo hice toda mi música así, sea las escritas, la producción, todo. O sea al principio sí empecé yo a hacer todo y ya poco a poco entre más trabajo tienes pues te vas alejando de ciertas cosas, ¿no? Quieres más comodidad en tu vida. Cynthia: ¿Tú sientes la pasión que te llevó hacia la música fueron las letras, fueron los acordes? Luis R Conriquez: Fue más que nada la necesidad, la necesidad y el gusto por la música de toda la vida y ya poco a poco uno que puede vivir de ahí, puede comer de ahí y puede llegar a ser alguien en la música. Yo empecé de nada, de cero. O sea un artista nuevo que vino a meter un género, pues en ese entonces era un género nuevo, ya aportamos algo para el regional mexicano y me siento muy contento por eso.

Cynthia: Tocaste unas palabras que me gustaría revisitar –Regional Mexicano–, porque no sé, hasta donde me acuerdo cuando no nos pelaban los gringos, el Regional Mexicano no existía y empezó a haber una mirada desde fuera y ahora es el regional mexicano, pero antes era Sierreño Norteño, Banda, Cumbia, ¿no? Pero era mucho más amplio y ahorita nos englobaron y encasillaron en Regional Mexicano. ¿Tú cómo te sientes como de esa mirada desde el exterior? Luis R Conriquez: Pues todo lo que confronta Norteño, Sierreño, Ranchero, Mariachi, todo eso es Regional Mexicano, todo abarca un solo término, el de Regional Mexicano. La música nueva tiene más que ver con lo urbano, pero es mexicano también.

Cynthia: ¿Tú te consideras rapero?

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Linea Personal is one of the freshest acts to come out of Street Mob Records, a key label shaping the sound of modern Mexican music. Their electric guitar–laced corridos have had Cynthia’s editorial team hooked ever since we first heard their breakout single “Hennessy.” We got lucky and caught up with them in Austin the day before their set at SXSW, where they were part of the Need Pastel x Agushto Papa Showcase, and managed to snap some photos. A few days later, Cynthia’s co-founder, Javier Ramírez, jumped on a call with the members of Línea Personal to dig into their journey, musical influences, and what’s coming next.

La Cynthia: Where are you guys from? How did the band form? Jorge: So originally, all four of us are from Northern Cali, Stockton and Turlock. And pretty much I gathered Tavo and Edgar first, and we started the group right there, all of us three. We just started like any other group playing quinceañeras and stuff. We went a year like that and then we wanted to make some music for platforms and stuff, and focus more on the artist side. That’s when we started uploading music, around July of 2022, and then from there we just kept on making more music.

La Cynthia: What were you guys doing before you were full on making music? You guys have family members that are musicians? Tavo: Linea Personal is my very first group that I’ve ever joined. So it’s a new experience for me, but anything before Linea Personal, I’ve been singing since I was about seven-eight years old, and I have family members who sing as well. I just grew up singing. And then Jorge hit me up for joining Linea Personal.

La Cynthia: What led you to writing corridos over any other music? Jorge: I think it was the culture that really bled into us since. Our parents grew up with Mexican music, and obviously we grew up with Mexican music. And I think also the fact that all you need is a guitar, right? It was pretty easy for us in that way.

La Cynthia: So you guys were playing little shows, like, local shows and stuff? Jorge: Yeah, sometimes not even shows, sometimes it was just parties, you know, family stuff.

La Cynthia: Was there a moment that made you guys realize like, ‘Yo, this is happening’? Jorge: It was the first time that we ever went with Fuerza Regida, they invited us over to the show, and saw how many people were there, you know, like, all the clapping and the cheers and stuff. It kind of just opened our eyes.

La Cynthia: Growing up did you guys listen to Regional with your parents? Is there a specific artist that stuck out to you? Tavo: Yeah, we grew up listening to Vicente Fernandez, Pedro Infante, Chalino Sánchez, you know? All of those legends. The list goes on, you know? We listen to all those OGs.

La Cynthia: I imagine you guys were also listening to a lot of rap music and other types of genres. Was there a moment or an artist that got you back into thinking we should make Regional? Tavo: Growing up, I did listen to a lot of hip hop, but there were artists, like T3R Elemento back then, around 2018. And they really were big inspirations for me around that time.

La Cynthia: There’s a certain fashion style that kind of relates to this music. When did you start sort of seeing that there was this wave happening? Jorge: Well, we kind of just based it off of like what new rappers are doing now or from artists from other genres. I think we just gathered from everywhere, pretty much. Whatever we kind of saw was good and stuff. We picked it up.

La Cynthia: And what do you do besides music? Are you into skating or riding dirt bikes or anything? Do you guys do anything like that? Tavo: I like to play video games, you know. I like to go to the gym. I started getting into the gym a lot more. And other than that, I do go on bike rides a lot. I have an electric dirt bike that I recently just got so I like to go on rides and stuff.

La Cynthia: One of the things that excites me the most about you guys is your album Visión and how thoughtfully designed the album is. Especially how there’s this transition starting from the interlude, where you kind of switch it up. Can you guys tell me a little bit about that process? How did you guys decide that? Because there’s an obvious change in the music style during the interlude and after that. Jorge: I think we had the songs “Henessy” and “El Guero”, and they both kind of blew up around the same time. So we kind of wanted to get a mixture of both formulas and make it to an album. To have that corrido side, the happy side, and then have that more moody, more dark side.

La Cynthia: In songs like “Hennessy” and even in the interlude, I noticed that there is this electric guitar, almost like a blues/rock kind of style that I hadn’t heard in any other grupo. It’s like almost you got the vibrato, like the hammer ons going on. And I noticed that in the new EP, you guys have heavily leaned into that some more. What’s the source of inspiration for that? Is there something you guys are referencing or listening to? Jorge: Yeah, definitely after Hennessy and seeing how people reacted to that. We tried to explore more of that side of the music, which was like R&B, like The Weeknd stuff and all that. And we kind of like, just took inspirations from that genre a lot, and we just wanted to pretty much make a “Hennessy” times 10 for the EP.

La Cynthia: So what’s next in the future? Tavo:We have a tour coming up in August with Street Mob Records. It’s going to be with a few other artists, you know. We had it last year as well, and it went good. We also have an album that’s going to come out this summer. So that’s something we’re working on right now. And we’re also working on getting some collabs as well.

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Author: Javier Ramirez
Photography: Jay Ybarra

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A las ocho de la mañana, Dania y Edgar Valenzuela –hermanos y miembros fundadores de Estilo Sin Límite– nos esperan afuera de su hotel. Viajaron un día antes desde su natal Nogales, Sonora a CDMX. Dos horas hacia el sur de la ciudad, en Villa Milpa Alta, les esperan la fotógrafa Mónica Zulema y la maquillista Thania Diaz, junto a la nueva colección de Roberto Sánchez lista para vestir a Dania. Curiosamente nos encontramos en el centro del país para realizar esta sesión fotográfica con colaboradoras principalmente fronterizas. Dania nos comparte que se siente influenciada por las almas de los cerros y los cactus que han vivido durante cientos de años en el desierto de Sonora, y en esta ocasión, nosotros la fotografiamos entre los magueyes y los cerros cubiertos de nopal de la Ciudad de México.Estilo Sin Límite ha sido una de las promesas más radicales de Rancho Humilde en los últimos años. Con una poderosa voz, cuyo tinte oscila entre Janis Joplin y Jenni Rivera, Estilo Sin Límite ha llamado la atención de referentes del pop en español como Thalia y Paty Cantú. A quienes han jalado hacia colaboraciones de amplio espectro donde el regional mexicano se vuelve un nodo inicial para la creación de exploraciones musicales inesperadas. Unos días después de la sesión fotográfica, la artista visual chihuahuense Natalia Salas Porras se encontró con Dania y Edgar en una videollamada para hablar sobre el origen, las referencias y las búsquedas artísticas de Estilo Sin Límite.

La Cynthia: ¿Cuál fue su primer acercamiento con la música? Dania: Mi primer acercamiento a la música fue en el kinder, había un maestro de música y recuerdo una vez que llevó una trompeta y dijo así de que vamos a ver quién logra hacerla sonar. Porque imagínate, éramos niños de 3-4 años y para tocar la trompeta tienes que tener embocadura buena, osea, un buen mantenimiento en el aire y justo cuando estábamos haciendo fila, ningún morrito podía y yo siempre he tenido la mentalidad de que “yo voy a poder”, y cuando llegó mi momento, hice sonar la trompeta.

La Cynthia: Se necesitaba mucha fuerza en los pulmones y sostenerla de cierta forma… Dania: Justo, y ese fue mi primer acercamiento. De ahí me empezaron a gustar los instrumentos de viento y agarré una flauta. ¡Todavía la tengo! La Cynthia: De esas con las que te ponían a tocar de que la de “Estrellita” en la secundaria… Dania: Justo, justo. Edgar: Mi primer acercamiento a la música fue escuchando canciones. Yo más que nada escuchaba la radio y había discos que mi mamá tenía. Ponía canciones y me ponía a escucharlos y yo me quedaba pues adicto a las melodías de las canciones, a cómo sonaba la tonada, porque yo escuchaba música en inglés, sin saber inglés y sabía que me gustaba la canción.

La Cynthia: Sí, claro. Todos crecimos de que cantando quién sabe qué fregados no nomás de que balbuceando. Sin saber los significados. ¿De qué disco te acuerdas? Edgar: No, pues no era un disco, osea no era un álbum. Era un disco quemado. Descargaban un puño de rolas y las metían en el disco. Dania: ¿De qué canción te acuerdas? Edgar: De “La Gasolina” me acuerdo mucho. También las de Don Omar. Dania: Es que mi mamá era bellaca.

La Cynthia: ¿Y cuándo se les ocurrió empezar a hacer música juntos? Dania: Pues justo yo empecé a escribir canciones a los 7 años y pues el Edgar escuchaba para ese entonces mucho a Los Traviezoz de la Zierra, Voz de Mando y Máximo Grado, y él soñaba con tener una agrupación de norteño –no campirano– sino norteño así con batería y acordeón. Y justo pues vino una etapa de los 7 a los 11 que nos vimos alejados de la idea de hacer música, pero siempre muy apegados a la música en la vida cotidiana. Y ya cuando yo cumplí 11, le dije a mi mamá que quería aprender a tocar el saxofón. Porque estaba obsesionada en aquella época con las canciones de jazz y lo que más me llamaba la atención era el saxofón y cualquier instrumento de viento, pues en general lo que era la trompeta o el trombón. Edgar: Yo quería aprender a tocar el acordeón. Fuimos a las clases de música y el profe nos empieza a audicionar. Audicionó a la Dania y dice el profe: “No pues la neta Dania tienes muy bonita voz”. Dania: Justo sin hacer la audición, yo entro a la sala que tenía él y le digo: “buenas tardes”. Y siempre he tenido la voz más gruesa de lo convencional. Pues imagínate chaparrita, mido 1.50m ahorita, en ese entonces medía 1.30m. Y el profe me dice: “hey, qué bonito color de voz tienes, te voy te voy a audicionar” y yo dije pues “¿Pues cómo está el rollo me va a poner a tocar el piano y lo voy a empezar a tocar prodigiosamente?”. Dije yo no entiendo cómo funciona esto. Y ya me dijo: “¿qué canción te sabes?”. Y yo: “ah, pues ninguna”. Y me dice: “el himno nacional lo cantas todos los lunes, ni modo que no te lo sepas”. Me lleva a su oficina y lo canto y me dice: “sí te voy a enseñar a cantar”. Y yo: “¿No me está entendiendo profe? Yo no vengo a eso, no vengo a cantar, yo vengo a tocar el saxofón o instrumento de viento, con hoyitos y teclas”. Y el profe me dice “no te voy a enseñar saxofón”. Y le dije: “ah, no, pues no, entonces creo que tal vez aquí no sea la escuela que estoy buscando”. Edgar: El caso es que nosotros llegamos con una idea de que según la Dania iba a aprender el saxofón y yo iba a aprender acordeón. El profe nos dijo: “tú no vas a aprender el saxofón, tienes que cantar porque ese es tu mejor instrumento”. Y a mí me dijo: “tú vas a aprender la guitarra para que acompañes a la Dania”.

La Cynthia: ¿Cómo sienten que los influencia ser del norte? Dania: Donde nosotros vivimos hay un buen de cultura y también hay un buen de etnias. El otro día que veníamos en el camino de Nogales a Hermosillo. Iba viendo todos los cerros llenos de cactus y justo pensé que ahí habitan muchas almas y mucha experiencia porque cuántos años no tienen esas plantas. Inclusive antes de que uno mismo naciera pues y allá en Sonora se da mucho el cactus de saguaro que tiene los brazos así levantados y viven durante cientos de años, siento que eso nos influencia. Nos influencia mucho en ese aspecto pero también en la forma de vestir, en la forma de escribir y creo que todo el entorno en general nos ha hecho ver la música de distinta manera. Siento que nos apasiona mucho también llevar ese lado desde el norte a otros lados del mundo, compartir esa perspectiva.

La Cynthia: Estas plantas y estos cerros son más viejos que nosotros y van a vivir más que nosotros probablemente… Dania: Exactamente yo creo que sí van a van a vivir un poquito más que nosotros. Pero sí justo está bien loco uno a veces no cae en conciencia sobre qué tanta vida hay ahí. Tantas especies, tanta cultura. Yo el otro día estaba en un restaurante y empiezan a tocar mariachi –yo nunca he hecho mariachi– pero estaba en un restaurante y estaba escuchando mariachi y se me erizó la piel y siento que es algo que tenemos los mexicanos ya por naturaleza cuando escuchas música tradicional de tu tierra. Es una sensación que no podría describirla, tienes que vivir la experiencia, pero sí siento que también como la gente del pop lo vive. Porque sí me ha tocado trabajar con mucha gente de México y también artistas que se dedican a hacer reggaetón de otros lados y siento que esa energía se transmite.

La Cynthia: ¿Y sienten más apoyo con su comunidad de Ciudad de México o sienten que con el renombre que han hecho, ya hay mucha gente en Nogales que los reconoce? ¿Dónde se sienten más queridotes? Dania: Yo creo que entre Guadalajara y Ciudad de México, Monterrey también. En Nogales siento que sí somos bien queridos y la banda nos reconoce. La gente de Nogales se siente orgullosa de nosotros por lo que hemos hecho y de que muchas veces siento que en donde nosotros nacimos se limitan. Crecen con una cultura muchos niños, no digo que todos porque es distinta por generación, pero al menos por ejemplo la generación de mi preparatoria no se atrevía a soñar en grande pues. Porque yo siempre he tenido la autoestima en nivel loba. Yo sí llegaba y les decía: “güey, ¿tú no sientes que viniste al mundo a hacer algo maravilloso?”. Pero amo con locura y pasión nuestra Nogales, siempre que llego siento mucha paz.

La Cynthia: ¿Cuál ha sido su show en vivo favorito? Dania: Yo creo que en Ciudad de México, el Arre Fest del año pasado. La Cynthia: ¿Cómo les fue? Platiquenme de esa experiencia. Dania: Nos fue muy lindo. La verdad es que ya tenía rato queriendo participar en un festival. Fue nuestro primer festival y siento que la la banda lo recibió muy bien. Sí me causaba un poco de incertidumbre porque como somos del norte a veces siento que tenemos curas distintas. Pues sí, curas distintas. Pues y pero de todas maneras nos entendemos no, pero tenemos curas distintas y cuando nos tocó cantar ahí nos preparamos mucho para dar ese show porque la verdad es que siento que la gente cuando va a verte en vivo tienes que dar lo más de ti, tienes que dar el máximo tu 100% y justo nos preparamos mucho y siento que nos fue muy bien. Me cansé mucho. Fue un gran concierto. Aprendí a siempre llevarme tenis cuando voy a ponerme botas en el escenario.

La Cynthia: Justo pues a ti te veo como súper confiada, lista para sobresalir y por lo que escuché se nota que que los dos siempre han estado dispuestos a sobresalir, a destacar. A ti como morra quería preguntarte, siento que la industria del corrido ha sido históricamente una escena de vatos, ¿ha sido intimidante estar allá o cómo abrazas ese reto? Dania: Abrazo el reto, pero a veces he llegado a sentir miedo, se podría decir intimidación porque yo sé que también osea dentro de la cultura del corrido, –aunque siento que los tiempos están cambiando y nos están abriendo muchísimas puertas a todas las mujeres en general dentro del regional– siento que muchas veces todavía se tiene una cultura bastante machista pues, en el aspecto de de letras; con respecto a qué va a cantar una mujer si está dentro del regional, porque si estás dentro del regional, la mayoría de los hombres te piden que tú cantes de amor o desamor y que no te salgas de ahí. Y, por ejemplo, los corridos siempre han servido para llevar historias desde los tiempos de antes y siento que también es importante que las mujeres cantemos desde nuestro punto de vista porque yo veo también muchas canciones de hombres que lo hacen desde la perspectiva de una mujer pero siento que no es lo mismo porque no es una mujer quien está escribiendo, no es una mujer quien está cantando, y sí siento que las puertas se están abriendo bastante en en estos años para todas las morritas que nos dedicamos al regional y espero que siga siendo así, que se expanda más porque yo sé que se viene una oleada muy grande de mujeres, muchas niñas ya se están preparando para cuando llegue su momento. Por ejemplo, en mi ciudad, en mi calle hay niñas que se inspiran de que nosotros hagamos música y está muy curioso no solo verlas queriendo cantar, sino también tocando la guitarra, tocando requintos.

La Cynthia: Es algo súper chido lo que dices, el corrido es un género que trata sobre historias y que las morras estemos haciendo esto también nos da chance de hablar de nuestra historia. Incluso yo que no sé cantar, lo que mejor me sale cantar es cuando hay norteño y cuando hay corrido y la gente no se lo espera… Dania: Necesitamos nosotras como mujeres, ser dueñas de nuestra voz, de nuestra narrativa, hacer que nos escuchen, hacer que nuestra voz tenga peso. La Cynthia: Claro y ¿qué otros proyectos musicales con morras o que sean de morras has topado que nos recomendarías? Dania: Hay varias. Yo te recomendaría a Delilah Cabrera, que está en los Corridos Tumbados. Canta muy bien. ¡Siento que también trae una propuesta nueva! Sofi Saar también está muy bien, esa morra trae hace como Tex Mex. Está el proyecto de NXNNI, a nosotros nos gusta mucho en lo personal. Vivir Quintana también está muy bien, o Ivonne Galaz, que también está en Rancho. Influye mucho que la industria ponga a las mujeres también en el ojo público. Hay un buen de morras que hacen música increíble que se meten machín en la composición, producción, y al final de cuentas su trabajo se queda guardado solo para cierto tipo de audiencia.

La Cynthia: ¿Ustedes han trabajado en algo además de la música? Dania: ¡Nos tocó ser burgerkilocos! Yo tenía 16 años, tenía la presión de la escuela más la presión de trabajo y en aquellas épocas se dio lo de la pandemia y recuerdo muchos pedían por el drive-thru y pues imagínate, una morrita de 16 años atendiendo una increíble cantidad de personas en un solo día. Sí me dejaba impactada y hasta cierto punto, ahí fue cuando conocí la ansiedad. Porque no solo era la escuela y trabajar, también era la música, eran las tres cosas. Hay un puente para llegar a ese Burger King, me iba caminando desde mi casa para allá porque los taxis se me hacían muy caros y ir en camión era muy arriesgado por la situación de COVID y justo cuando cuando iba en el puente y que miraba así todo el humo de la carne cocinándose, empezaba a sentir mucha ansiedad. No me quejo. ¿Sabes? Siento que es un buen trabajo para un adolescente porque aprendes disciplina y aprendes a hacer cosas. Yo sé que tuvo un significado más allá de eso. Y cuando atendía a tanta gente me caí en cuenta que eso era una enseñanza para lo que me tocaría vivir en la industria musical. Me iba a tocar tratar con muchas personas y no todo el tiempo tratar con personas es agradable. Aunque tú seas agradable no todo el mundo va a ser recíproco y justo siento que a mí esa etapa me ayudó a entender ese lado y como aprender a tratar a las personas y a todo tipo de personas desde niños a adultos de la tercera edad y cada uno con distinto temperamento y cada uno con con distintas formas de hablar.

La Cynthia: Siento que han de ser una gran inspiración para cualquier para cualquier morrito o morrita que anda chambeando, que anda viendo qué va a hacer y a veces pues no sabes a dónde te va a llevar la vida. Piensas que ser artista se trata como de solo ser artista, como de solo hacer esto. Me parece muy chido platicar de esto y que la razón de meterle, de echarle ganas. A veces hay que hacer cosas que no nos gustan para llegar a donde quieres estar y no debes dejar que eso te desanime. Dania: Claro y yo creo que me divertía mucho vendiendo. Porque yo era chica del drive-thru y pues yo siempre he sido muy sonriente entonces para aligerar un poquito la vibra –porque todo el mundo andaba muy tenso, los gerentes, los que estaban trabajando– siempre me ponía a hacerlo con buena actitud en vez de estar todo el día frustrada por algo que no voy a poder cambiar. Me preguntaban sobre algo en el menú y contestaba cosas chistosas como: “Suculentas papas rellenas con queso cheddar” o “puedes llevarte un pie de queso con moras por la módica cantidad de $23”. Se trataba de buscarle el lado divertido y justo como comentabas, ser artista no es solo crear tu arte, tiene muchas cosas detrás. No solo es hacer música, es producirte, mantener activa la comunidad es un buen de esfuerzo, resiliencia y mucha perseverancia. Porque la industria no solo es dulce, es ácida porque tiene sus momentos lindos y también sus momentos no tan lindos. No considero que la industria musical sea amarga ni dulce, es simplemente ácida. Y siento que si estás dispuesto a aguantar todo eso y aprender, sobre todo aprender a hacer lo suficientemente humilde para entender que de todo todo el mundo vas a aprender algo, si eres lo suficientemente consciente de todo eso, eres bienvenido. Bienvenido a la industria artística en general, porque yo me imagino que a lo que tú te dedicas también ha de ser una experiencia ácida.

La Cynthia: Noto que mucha raza que está en mi ambiente o eventos, aunque lo que están presentando sea su arte, se terminan presentándose a ellos mismos. Creo que es con lo que más he batallado o también con meterle varo… Dania: En general todo lo que es el arte es caro. No he conocido ninguna rama artística que no sea cara y no hablo solamente dinero, hablo de cuánto cuestan muchas cosas como aprender a separar a Dania la artista de Dania la persona. También cuesta cuando lo llegas a asimilar es algo que te frustra porque quisieras tú ser abierta con tu público, con tu audiencia, pero no puedes porque es ponerte muy vulnerable ante todo eso…

La Cynthia: Pero aún así escriben sobre cosas vulnerables, tú escribes de amor y desamor y pues estar en ese espacio es vulnerable… Dania: Acabamos de sacar un EP que se llama Otro Tinte y hay un tema en específico que es un lado muy vulnerable mío, porque esa canción habla totalmente de cómo hemos vivido la industria nosotros. A veces no te sientes lo suficiente, pero esas cosas que vas haciendo te llevan a lugares que nunca imaginaste.

La Cynthia: Claro, estás hablando de la última del EP, la de “No Me Puedo Rendir”. Esa fue la canción que más me gustó de todo el álbum la neta y se me hizo bien chido que las primeras cuatro rolas, entre ellas “Otro Tinte” eran más regional, más apegadas al género de ustedes. Me sacó bien cañón de pedo escuchar las últimas dos, la de “AFERRAFTER” y la de “No Me Puedo Rendir”, porque son completamente diferentes. ¿Cómo se les ocurrió? Dania: La idea principal es utilizar la metáfora de “otro tinte” como el cierre de un ciclo y el inicio de algo nuevo y claro que las primeras cuatro canciones buscaban empoderar a la persona que la escuchara, de hablar sobre el amor propio. Porque siento que es un tema muy delicado pero muy importante. Es muy importante que también uno como persona cultive el amor propio y hablo en general de todas las relaciones, no hablo solamente de una relación de pareja, sino en general de cómo te relacionas, de las personas que están en tu vida, de las personas que dejas que estén en tu vida. Y justo nosotros pues somos chavitos y por ejemplo la de “AFERRAFTER” también entra dentro del concepto. Las primeras tres canciones son la primera etapa de una ruptura y las últimas tres son como la última etapa de una ruptura. Y justo la de “AFERRAFTER”, yo le dije a los plebes que la intención era hacer algo chistoso, para hacer reír buscando ese lado cómico. Y era una cura que ya traíamos desde cuando grabamos “Choro” con Thalía. Traíamos esa cura con los productores, que junto con mi mamá estaban cantando como “Yo no llego al party si no hay sex…” pero así sin base ni nada. Y es que justo uno de los productores no sale tanto de fiesta pero cuando sale se deschonga, y esa era totalmente la intención de la canción. Y me decían que a veces en el arte me pongo muy seria. Y tenían razón, el último tema lo hice muy enojada y muy triste también pero motivada porque desde que tengo conciencia me pasan cosas que tal vez uno no quisiera vivir. Pero me motivan a hacer cosas más grandes.

La Cynthia: Se siente que su proyecto tiene un concepto muy claro que están siguiendo… Dania: Justamente, por ejemplo, con “No Me Puedo Rendir” dije si voy a hacer un trap lo quiero hacer experimental. Por eso tardamos bastante haciendo los sonidos y la producción. Para buscar sonidos imaginamos un bosque en la carretera con tonalidades azules. Pero combinado con una película de vaqueros, donde suena una campana y tienen que disparar en un duelo. A eso queríamos llegar auditivamente.

La Cynthia: Entonces ¿quieres que la gente ría con algunas de sus rolas? ¿quieres que la gente se sienta empoderada con algunas otras? Dania: ¡Y que les sirva de motivación! Porque yo me acuerdo que de niña escuchaba muchos artistas, y que gracias a aquellos existan yo me animé también a existir en este mundo artístico porque yo siento que en lo personal, como cantante, muchas mujeres habitan en mí y cuando yo canto siento que ellas están ahí inconscientemente porque son grandes referentes. Como Chabela Vargas, Lila Downs, Janis Joplin, Sade y Jenni Rivera. Por eso por eso la pintada de pelo porque dije yo estoy a punto de entrar a mi prime y necesito traer el pelo pintado como Jenni Rivera en su prime.

La Cynthia: ¿Y Estilo Sin Límite qué color tiene? Dania: Yo creo que ahorita le tiro a un naranja de atardecer. Imagínate ver el atardecer de un color entre naranja, rojito y blanco. Como si tuvieras que pintar unas nubes. Imagínate con mucha imaginación que estás pintando unas nubes que tienen colores grisáceos, rojizos, naranjas, y hay como un azul casi tirándole al verde, pero rozando el gris. La Cynthia: ¿Así se ven los atardeceres en Nogales? Dania: Justo. Un día tienes que ir a San Carlos y ver el desierto fusionarse con la playa. Tenerlo en vivo es algo de otro mundo, es muy bello.

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Fotografía: Mónica Zulema
Estilismo: Roberto Sánchez
Maquillaje: Thania Díaz
Entrevista: Natalia Salas Porras
Estilista de cabello: Valeria Salas
Asistente de vestuario: Samantha Menchaca
Introducción: Ed Mayén
Director creativo: Studio Iguana

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Entre espirales de cerveza y botellas en el aire, parece imposible asistir a un concierto de Los Farmerz sin empaparse con la energía que esta banda genera. La música y la raza crean un portal que dura desde la primera nota del acordeón hasta el último aplauso. Tanto Los Farmerz como su audiencia son abducidos en un viaje musical equiparable a un trance, ¿qué tiene su música que provoca estas reacciones? Intentando responder, nos dicen que “tampoco es un estilo nuevo, los instrumentos que nosotros tocamos han sido clásicos, los corridos son clásicos y pues ahí nomás le echamos el sabor”. El “sabor” en la música es una cualidad intangible, es algo que no se puede aprender, quizá se puede practicar, pero en realidad surge desde el interior de los artistas más allá del perfeccionamiento técnico o el talento. El “sabor” musical de Los Farmerz tiene la cualidad para acelerar a la raza, llevarlos a un estado de encantamiento a través del desmadre. Un recordatorio de la calidez humana tan característica de México, el lugar de origen. El frío individualismo del norte se derrite pisteando. Los Farmerz se conocieron en Perris, California, aunque ellos nos cuentan que a esa ciudad se le apoda “Perris, Michoacán”, por la gran cantidad de michoacanos que ahí llegaron. El artista Alfonso Gonzales Jr. irrumpió a Los Farmerz en la filmación de un video musical para conversar y mostrarles la pintura que hizo de ellos.

Alfonso Gonzalez Jr.: Comenzaron a tocar en 2021, ¿cómo se siente alcanzar el éxito tan rápido? ¿Sí piensan que fue rápido? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues yo pienso que sí fue rápido a como uno escucha las historias de otras personas, pero todavía no alcanzamos todo el éxito que queremos. Aparte de que ahorita ya nos hemos organizado, porque nosotros empezamos como un hobby y después fue creciendo. Ahorita pues ya nos metimos en el rollo de que ya no es un hobby, ahora sí hay que llegar más lejos y queremos echarle ganas hasta donde tope.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Y qué creen que los diferencia de otros grupos? ¿Qué es eso que los ha llevado al éxito? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: La gente es la que entiende esas respuestas, porque nosotros no pensamos que somos más chingones que nadie. Hay muchos músicos mejores que nosotros, pero no sé, la gente es la que decide y aquí nos trae. Fernando Santoyo: Quién sabe qué será lo que le gustó a la gente… Jesús González: Porque tampoco es un estilo nuevo, los instrumentos que nosotros tocamos han sido clásicos, los corridos son clásicos y pues ahí nomás le echamos el sabor, y yo creo que ya. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues yo creo que lo hacemos con ganas, con gusto y con pasión, se podría decir. Estamos dedicados, atentos y apasionados.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Son del mismo estado? ¿O de dónde son? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Sí, del mismo estado… Genel “Kenny” Salgado: De Michoacán, todos somos de Michoacán. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pero nos conocimos en Perris, California. Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Hay muchos de Michoacán allá en Perris? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Le dicen Perris, Michoacán. Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Y en Michoacán influye la música que hacen? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Igual que aquí más o menos. Muchos nos dicen porque no hemos ido. Pero nos dicen y nos llegan mensajes. Nos llaman y nos dicen que está sonando también allá. A lo mejor sí un poquito menos o hasta más.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Cómo inscriben la energía de los conciertos que hacen? Porque he visto videos y se pone medio loco, ¿cómo pasó eso? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Yo pienso que es por el ritmo de la música, se prende la raza, se aceleran. El ritmo es acelerado y la gente se acelera también. La gente empezó a reaccionar así hace como un año, pero fue como de poquito a más, ahorita ya va poquito más, todavía no todos se animan porque cuando vamos a un evento a veces no todos se animan, poco a poco se van soltando. Alfonso Gonzalez Jr.: Más bien el internet, ¿verdad? Ven que se arma así y lo hacen así. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: No sé por qué, pues les gusta el desmadre. Fernando Santoyo: Miran los videos, y la gente ya va preparada a echar desmadre. Alfonso Gonzalez Jr.: Ya que están ahí con la música en vivo y todo eso. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Con la energía natural, todo fluye

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Cómo fue trabajar con Los Alegres del Barranco? ¿Cómo pasó esa conexión? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues la neta fue una experiencia que no nos imaginábamos, al menos yo. Y también era como, pues antes de hacer música, ni por la mente cruzaba hacer eso, y luego ya después que empezamos a hacer música, pues sí, ya era como un sueño. Bueno, alcanzamos el cielo, pues… Y pues gracias a Dios nos dieron una oportunidad, ahí ya empezamos a textear. Ya no me acuerdo cómo estuvo exactamente, pero ahí se arregló la fecha, y grabamos, y ahí está, se dio la amistad también, y estamos bien agradecidos.

Alfonso Gonzalez Jr.: He notado una nueva tendencia en los artistas de la música regional mexicana que están explorando otros géneros como reggaeton, dembow, hip hop, o EDM. ¿Ustedes sienten que van a hacer eso o están pensando en eso? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Ya hemos hecho algo parecido, no exactamente así, pero algo parecido. A mi me gusta el rap, el reggaeton también, pero la neta me ha gustado más el pop que el reggaeton. Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Cuáles artistas? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues así cuando estaba morrillo escuchaba Belinda y eso. Así fue, ese es el estilo, cuando andaban los RBD y eso. También escuchaba las rolas.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Allá en Michoacán a qué se dedicaban? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Cuando éramos chicos allá trabajamos en la caña de azúcar, el mango, el tomate y todo eso, en el campo. Sembrando maíz y frijol. Alfonso Gonzalez Jr.: Todos son de Michoacán, ¿nacidos allá? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Yo nací aquí en California, pero mis papás son de Michoacán. Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Cuántos años tienen los demás aquí? Jesús González: Tengo 37 años, llegué aquí hace cinco años. Fernando Santoyo: Yo tengo como seis años que llegué aquí. Genel “Kenny” Salgado: Yo como unos 12 años. Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Y fue un culture shock? Jesús González: Sí, la neta sí, macizo. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Todo cambió por completo, es como si volviera a vivir otra vez a México. Alfonso Gonzalez Jr. ¿Vas a hacerlo? ¿Te gusta más la vida allá? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues ya no te sé contestar la mera verdad, antes decía que sí, pero también ya estoy acostumbrado aquí ahora. Alfonso Gonzalez Jr. Ya cambió todo. Fernando Santoyo: Sí.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Qué les interesa fuera de la música? ¿Qué les interesa? ¿O qué les gusta hacer? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues más que nada seguir enfocados en el negocio. Fernando Santoyo: Es que ahorita andamos enfocados en la pura música, no hay tiempo de otra cosa. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Estamos de gira, regresamos y nos ponemos a hacer rolas. Alfonso Gonzalez Jr.: Puro chambear. ¿Les gustan los carros y las joyas? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: No, no, no, tanto no me voy a poner eso.

Alfonso Gonzalez Jr.: Ya me dijeron que no se sienten de esa manera, pero ¿cómo ha cambiado la vida desde que se volvieron famosos? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Creo que tienes que aceptar bien el momento. Jesús González: Yo pienso que cuando le cae uno más el veinte de eso es cuando vamos a estados como Carolina del Norte, y que en los eventos se junta mucha gente que apoya a la canción. Es cuando digo, madres, está perro. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Sí, cuándo se saben las rolas. Jesús González: No sabía que había tanta raza en ese estado y mucho menos que nos conocieran a nosotros. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: O cuando la raza del TSA en el aeropuerto te dice que te conoce.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Y cuál es el estado en el que más les gusta tocar? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues en todos lados. El público está chingón en todos lados. Hay algunos lados que se alteran más que en otros, pero como quiera oyes cómo lo sienten. Fernando Santoyo: Hay lugares donde la gente se mira más tranquila pero igual están pisteando, están disfrutando a gusto. Pero hay partes donde la gente no es tanto de andar aventando botes y cerveza. Alfonso Gonzalez Jr. ¿Y le gusta eso cuando tiran botes con cerveza? Fernando Santoyo: Pues sí y no, porque hay veces que avientan y hay niños en los eventos y les pegan. Luego también avientan cubetas. O que avientan los botes llenos. Jesús González: De repente está el temorcillo de que hay gente que no va a los eventos por eso. Gente que le gusta la música pero le sacan de ir por el ambiente de aventar botes con cerveza. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Ahora fue mi tía y me dijo que estaba lloviendo, no solo por la bañada en cerveza, sino que unas personas se estaban peleando. Fernando Santoyo: Avientan un bote lleno, te cae la cabeza y te descalabran. Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Hay lugares más desmadrosos que otros, en uno lado la raza pelea, en otros son más tranquilos, otros gritan más, en otros no son tan gritones. Pero como quiera, el apoyo siempre está ahí y por eso es lo que motiva a uno a seguirle echando ganas.

Alfonso Gonzalez Jr.: ¿Qué sigue para ustedes? Juan Carlos “El Caco” Cisneros: Pues echarle ganas compa. Seguirle echando ganas, tratar de innovar. Tenemos planes de ir para México, pensamos que eso va a darle un poquito más de otro cambio, pues es otra historia. Hay mucho público allá que nos está pidiendo, intentamos ver si lo podemos atender pronto.

Entrevista: Alfonso Gonzalez Jr.
Fotografía: Eduardo Medrano Jr.
Introducción y edición de texto: Ed Mayén

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Algunas historias, de hecho la mayoría, nunca se escriben. Sus protagonistas y participantes están demasiado ocupados, absortos en SER y HACER, con escasa preocupación por cualquier tipo de crónica o su precisión. A menudo, los propios héroes de estas historias, en sus actos hercúleos, sus caminos singulares, sus destinos divinamente ordenados en apariencia, no aprecian o no pueden apreciar las cualidades míticas que sus vidas y decisiones ocupan en los corazones y las mentes del público, el espectador, el oyente.

Incluso para esas pocas historias que sí son escritas o transmitidas, no suele haber presencia real en estos momentos críticos, ni ojos que presenciaran esos momentos clave, solo narradores e intérpretes. En la antigüedad, cuando había verdaderos héroes sobre quienes cantar, dependíamos de bardos viajeros para que nos contaran esas historias, recorriendo las ciudades, con laúdes y liras sobre hombros cansados del mundo, cantando sobre las tierras conquistadas, las doncellas salvadas, los males finalmente derrotados. Nos contaban historias y hazañas que, de otro modo, probablemente nunca nos habrían llegado, y lo hacían de una manera que cautivaba la imaginación de cualquiera que los escuchara.

Esta balada, estas historias populares cantadas con instrumentos de cuerda, casi no tienen análogo en el mundo moderno, donde la experiencia se atrofia hasta convertirse en una vicaria, donde todos vivimos a través de los sueños y experiencias de unos pocos, y muy a menudo los “sueños” de corporaciones y grupos focales, a cientos de millas espirituales de donde suenan los cañones y los sables, donde la sangre mancha la tierra, donde los héroes se forjan o encuentran su fin.

Especialmente no en la cultura popular, en la radio de los 40 principales, ni en la música comercialmente viable y lista para la publicidad. Nosotros, el público, nos quedamos recorriendo esos campos de batalla en busca de cualquier vestigio de significado, de humanidad, del brillo en los ojos y del carisma que pudiera haber llenado los corazones de esos luchadores, de esos artistas. El relato histórico de un anciano sobre un encuentro de la infancia con Jesse James. Un comentario en YouTube sobre haber visto una Ford Bronco azul adornada con una estampa del Dueto Miguel y Miguel llegando a la privada en 1988.

Uno de los pocos lugares donde se podría afirmar con seguridad que quedan fragmentos de esta tradición es en el género musical de los corridos, que se traduce en inglés literalmente como balada. Una derivación de la música regional, norteña y ranchera. Aquí, esos cuentos y quienes los cantan para nosotros siguen siendo venerados y celebrados. Tocamos esas canciones en reuniones familiares, funerales, tomadas, cumpleaños. Se han reproducido cientos de millones de veces en cualquier formato que las admita. Las canciones están llenas de guerreros caídos, luchas de poder, rivalidades amargas, desamor, traición, forajidos, relatos de tiroteos, amigos, amantes, perdidos y encontrados, riquezas ganadas y arruinadas. Muchas, si no todas, de estas historias están inspiradas por eventos del mundo real, personas, épocas y lugares reales. A veces, estos corridos son todo lo que podemos conocer de dichos eventos, o quizás podrían ser, en ciertos casos, la única historia que proviene de estas zonas rurales y sus ranchos. En realidad, estos son cuentos folclóricos del pueblo en la esencia más pura de esa expresión.

En estos tiempos de gran escasez, y en ausencia de esos héroes de antaño, los propios bardos adquieren una cualidad casi sagrada. Sirven como hilo conductor a través de la historia, la clase y la época, convirtiéndose en algo así como héroes por derecho propio. Leyendas vivientes. Un vestigio de una época desaparecida hace mucho tiempo. Incluso podríamos empezar a preguntarnos sobre estos bardos: ¿dónde escucharon ellos sus historias? ¿De dónde vienen? ¿Cómo aprendieron a tocar? ¿Cómo eligieron sus caminos? ¿Qué ha sido de ellos?

En la portada de El Navegante, el álbum de 1990 del dúo sierreño de Angostura, Sinaloa, Miguel y Miguel, las guitarras de Miguel Angulo y Miguel Montoya cuelgan de un árbol como espadas ensangrentadas después de una gran batalla. El dúo se yergue orgulloso junto a ellas como dos pistoleros, dos trovadores convertidos en héroes por el tiempo y en estrellas por un público ferviente. Sus liras se convierten en sables, que se convierten en liras, los narradores cantores ahora con un público y una audiencia que exigen que se cuente la historia de ellos, los bardos. Esta creciente demanda sobre este tipo de metahistoria es endémica de los tiempos en que vivimos. Y la ironía es hermosamente potente, pues flota en el aire como el humo del mezquite.

Las guitarras de 12 cuerdas y la clásica armonia vuelven a convertirse en espadas en las portadas de De Puntitas y Mientras Viva, dos álbumes de 1991, y verlos hoy es como contemplar un relieve de San Jorge sobre su dragón abatido; zumban con un aura irrepetible. Un apogeo que parece tan lejanísimo a pesar de haber ocurrido hace solo unas décadas. Una fotografía de una colaboración que nos dio tantos clásicos, que musicalizó nuestras victorias y nuestros desamores, que le dio fuego a un joven Ariel Camacho y, por ende, a los corridos como los conocemos hoy. Esto se hace aún más conmovedor por el hecho de que el dúo tomó caminos separados, los pistoleros y viejos amigos, eligieron senderos diferentes, ya sea por empalago, desacuerdos o resentimiento, poco importa. Para nosotros, los admiradores, solo significó que los legendarios Miguel y Miguel, los principales creadores de corridos al estilo campirano, ya no sonarían juntos. Cada detalle de su tiempo como grupo, cada aparición y cada comentario en YouTube sobre cómo fue cuando tocaron aquí y allá, consagrado por esta separación.

Aunque el dúo ya no existe, los Migueles siguen con sus respectivos grupos. Y Miguel Montoya sigue componiendo canciones y actuando esporádicamente. Hace unos años, su hijo, también llamado Miguel Montoya, creó un canal de YouTube sobre la vida cotidiana, Miguel Montoya Legado. Ofrece una mirada desenfadada a la vida de su padre: cocina, pesca, bebe, interpreta canciones antiguas y nuevas, y un elenco recurrente de vecinos, amigos y familiares.

Juan Cirerol, un estudiante del corrido, la vida, y la musica que brota del esfuerzo en sí, conversó con él mismo, nadie menos que Miguel Montoya, en su hogar de Los Mochis, Sinaloa, la mitad de este dúo inimitable, y descubrió que su estatus de leyenda, como La Guitarra Número Uno de México, no le ha quitado nada de su majestuosidad rural, sencillez ni humildad. Que es un hombre verdaderamente popular, despreocupado pero agradecido por su enorme papel en la creación del mundo musical del regional y los corridos tal como los conocemos hoy en día. Con algunas entrevistas recientes como fondo, y una aparición en Pepe’s Office, nos habló de sus inspiraciones recientes y algunas de sus experiencias. – Eric Hernandez

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Samantha Menchaca: Cuéntanos un poquito de ti, ¿cómo empezaste a hacer arte? Melissa Padilla: Me llamo Melissa Padilla, tengo 26 años y nací en Culiacán, Sinaloa. Actualmente llevo unos 10 años haciendo arte, empecé a trabajar como a los 17. Siempre me interesó encargarme de las cartulinas y las presentaciones en la escuela, porque yo siempre fui muy inteligente, pero no era la más metódica, vaya. Entonces me encargaba de todo lo visual. Y creo que empezó muy por ahí. Siguió por la fotografía, los pequeños dibujitos, la acuarela y tenía mi blog de Tumblr. Como que ahí empezó el interés por hacer algo diferente. Creo que mi trabajo siempre ha ido de la mano con la música. Porque yo de chiquita quería ser cantante. Nunca tuve voz para ello, pero siempre he tenido ese interés por la música. Ahí me empecé a encaminar. Empecé en la publicidad, hacía contenido para restaurantes, gimnasios y todas esas cosas. A los 19 años decidí irme a la Ciudad de México y ahí fue cuando en realidad se detonó mi propio camino. Todavía trabajando para otras personas, haciendo portadas de música y todo esto. Pero era algo ya más de expresión propia. No tanto de visual enfocado a la publicidad. La Ciudad de México me abrió los ojos en un sentido visual y de empatía, viendo la vida de las personas, tantas cosas sucediendo en tan poco tiempo. Todo el día con tantas emociones y tanta diversidad de situaciones. Hay un mundo afuera de Sinaloa. Eso fue lo que me hizo ver el mundo de otra manera y quise enfocar ese ojo nuevo hacia lo que yo siempre he vivido. Una siempre ve su ciudad como lo mismo. Ya que sales de eso y vuelves, ves las cosas con otros ojos, pues ya empiezas a apreciar lo bonito de ello, lo único de ello y es algo que no encuentras en otros lados. Entonces creo que de ahí viene mi trabajo como Muchamiel.

Samantha Menchaca: ¿Cuáles han sido tus inspiraciones? Cuando empezaste a crear, ¿qué es lo que te inspiraba? ¿Qué recursos tomabas de tu alrededor o tu familia? Melissa Padilla: Fíjate que cuando era más chiquita era más introspectiva emocionalmente. Y tal vez me inclinaba un poco hacía ilustraciones parecidas al ignorant style de tatuajes. Ponía frases como “me vale, me vale”. Ponía unos personajes acá más rebeldes, era yo queriendo rebelarme, queriendo buscarme a mí misma dramáticamente. Pero ya después me fui enfocando hacia algo más colectivo, al amor hacia mi pueblo. Mostrar los valores culturales que tiene Culiacán. El valor que tiene la familia también para todos, el valor que tiene nuestra música para contar historias, las historias que suceden ahí básicamente.

Samantha Menchaca: ¿Qué historias te han impactado? ¿Qué ha sido lo que has dicho “tengo que poner esto en lo que hago”? ¿Qué es lo que más te ha impactado de la sociedad en Culiacán? Melissa Padilla: Una de mis primeras obras se llama 365 días de calor. Haciendo referencia al calor que hace en el norte, pero también a la violencia. Todos los días está caliente la temperatura y todos los días está caliente el asunto en Culiacán. Y en esa obra está una chica sentada en su carro, posando... Quería hablar sobre la normalización de la violencia, sobre el Jueves negro que sucedió en Sinaloa. Esta chica está posando en su carro muy normal, viéndose guapa como el centro de atención y atrás, muy a lo pequeño, está Culiacán quemándose, el mundo cayéndose. Habla mucho de lo normalizado que tenemos esto, es un poco irónico. Se me hizo muy curioso cuando la subí, y la gente me ponía: “qué perra, qué perra está” y no sé qué más. Nunca vi un comentario que entendiera el otro sentido de la imagen. Y eso le da significado a lo que te digo pues, de lo normalizada que está la violencia. Samantha Menchaca: Entonces, ¿podríamos decir que tu contexto sociopolítico ha definido también tu arte? ¿O sea el contexto de México? Melissa Padilla: No te puedo decir que lo ha definido por completo, porque no es todo lo que quiero. Obviamente está adentro porque no lo puedes ignorar. Sin embargo, siempre he intentado no glorificarlo, simplemente contarlo como lo más natural, si se pudiera decir que lo es. Ni hacerlo ver muy morboso, ni glorificarlo, simplemente ponerlo en la mesa. Ponerlo en el contexto que está alrededor. Pero, aun así, nuestras vidas continúan pues. Porque para mí también es muy importante contar que no solo se trata de eso, siento que algunas veces se ha comentado en algún artículo o en alguna semblanza que me han escrito, que es “arte de buchonas” o “narco arte”. Y pues para mí Sinaloa no significa necesariamente eso. También hay historias de amor. Amor a la música, a la familia, al estilo de vida sinaloense, que no necesariamente tienen que estar manchados siempre. Samantha Menchaca: Claro. Creo que pocas personas conocen ese contexto no manchado de Sinaloa, ¿qué podrías hablarnos de eso? ¿Qué sería lo más bonito que podrías decir? Melissa Padilla: Es algo que no sabría explicar, porque es algo que no más entiendes cuando llegas ahí pues. Pero es como llegar ahí y sentirme recibida. Siento que es algo que podemos decir muchos sinaloenses. Sientes que ahí tienes amigos en todos lados, como si anduvieras ahí en tu casa y pues no tienes que tener vergüenza. O comportarte así con cuidado, hay una camaradería, se puede decir. Hay amistad a pesar de todo lo que se dice en las noticias, hay valores familiares, hay respeto por el prójimo. Fuera de todo sí hay amor y hay diversión. Yo creo que eso es lo más bonito. También muchas de mis piezas son así de “aquí en el parque comiéndome mi heladito”, o “aquí dando la vuelta por el malecón”, o “aquí en la calle escuchando música”, o que me voy a las dunas, que me voy a la playa y escucho la banda. Yo creo que eso, por más simple que se vea, es lo que más le llena a uno. Lo más sencillo a pesar de que suele ser un lugar muy excéntrico y muy guiado por los lujos, y por el tener. Eso también dice mucho del contraste del consumismo, o sea de lo valuable, lo material y de lo invaluable que son las cosas como el cariño y el amor.

Samantha Menchaca: ¿Y cómo ha sido tu interacción con las personas que te siguen? Las que te han seguido en tu carrera como artista. ¿Cuál ha sido la obra que ha causado más impacto o polémica? Melissa Padilla: No sé. ¿Más revuelo? Pues tengo algunas, pero así hablando como de los likes, lo que más cuenta realidad... Pero no, para mí, la pieza más especial, y que siento que tiene más de qué hablar y que ha generado ciertas cosas cuando ha sido mostrada en exposiciones, es una de mis piezas en óleo, que se llama Casa de Muñecas. Es mi pieza más personal. Es una casa de muñecas en medio del monte. Habla mucho de lo que todos aspiramos como sinaloenses. Querer tener tu casita en tu rancho, tener tu rancho y tener tus carros y tener tu alberquita y tener ahí a tu familia feliz y poder pistear ahí a gusto mientras suena la banda. Es el sueño. Yo quiero llegar ahí. Y a la vez ahí en la casita pongo todos mis sentimientos, pongo retratos de mi mamá, de mi casa, de mi abuelo y tal. Y también tiene una parte religiosa. Creo que es como el resumen de mi vida. El contexto social, mi ser individual y el espiritualismo, pues. Y creo que eso ha llegado. Y a pesar de que mucha gente pasa y lo vea y diga: “mira, qué gracioso el arte de una buchona”. A pesar de eso creo que de cierta manera también llega por otros lados. Está bien, no me importa que se generalice a veces. Es normal.

Samantha Menchaca: He visto tu trabajo y haces mucho autorretrato, ¿cómo fue que empezaste a hacerlo? ¿Para ti qué representa ponerte en evidencia? Melissa Padilla: Fíjate que empezó de la manera más lógica para mí, porque empezó en el COVID. Yo estaba sola en mi casa. Me gusta la fotografía, pero nunca he sido muy de decirle a la gente que les tomo unas fotos o de que salimos a tomar fotos y nos vestimos… Siempre me dio vergüenza pedirle permiso a alguien para tomarle fotos. Entonces, pues, ¿quién mejor que uno, ¿sabes? Para explorar... Samantha Menchaca: Lo digo porque es fuerte, no sé, como que no muchas personas se atreven a ponerse en evidencia, llega a parecer un acto como de valentía, ¿sabes? Melissa Padilla: Es porque llega a verse egocentrista. La gente llega a pensar que es egocentrismo porque te pintas a ti una y otra vez. O cuestionan quién va a querer comprar un cuadro tuyo. A veces intento deslindarme de eso, pero a final de cuentas no te puedo mentir que las piezas en las que aparezco yo sí terminan teniendo algo personal. Sí, me termino proyectando y no sé por qué no me da miedo proyectarme así. Luego sí me aventaba mis discursitos en todo mi caption de Instagram. Pero es parte de ser artista…

Samantha Menchaca: ¿Cuál es tu proceso creativo? ¿Cómo empiezas? ¿Lo piensas o lo dibujas primero o solamente te pones a hacerlo así directo? También veo que mezclas varias técnicas… Melissa Padilla: Pues siempre ha sido muy digital, en realidad yo sí sabía dibujar y todo esto pero yo no sabía pintar. Hace unos años cuando empecé a hacer esto, en realidad no sabía pintar formalmente, entonces todo empezó en Photoshop. Con esta técnica que se llama matte painting, es como tomar fotografías y pintarlas. Pero yo lo llevo al extremo, porque las pinto casi por completo. Hay gente que me dice que parece muy falso, pero a final de cuentas siento que se ve único y eso es lo interesante. Mucha gente me dice “eso es una foto”, pero es una pintura, y luego les enseño una pintura y me dicen “eso está hecho en la computadora”, y les enseño algo hecho en la computadora y me dicen “eso es una pintura”. Siento que quería empezar mi proyecto muy por la iconografía, siento que era necesario, que era algo que no había pasado y siento que tenía que ser así de explícito. Actualmente estoy haciendo cosas más sueltas, tal vez menos explícitas, no tan ilustrativas ni tan literales. Un poquito más contemporáneo, pero esto fue completamente tradicional realista, porque siento que tenía que ser así. De hecho una de mis más grandes inspiraciones es Jesús de la Helguera, un pintor de Chihuahua que pintaba ilustraciones de calendarios, que también estaban en los libros de la primaria.

Samantha Menchaca: ¿Y qué otros artistas te han influenciado? Melissa Padilla: Caravaggio también. Cuando vi la técnica del claroscuro dije eso quiero hacer. Porque también definiría algunas pinturas que tengo como barrocas. Samantha Menchaca: ¿Crees que la música te influye? Melissa Padilla: Sí, la música también. Tengo muchas pinturas que tienen nombres de canciones. Hay alguna de Eslabón Armado, otra de Natanael Cano, pues siempre me ha gustado ese rollo. Samantha Menchaca: ¿Y qué opinas de esta nueva ola de músicos mexicanos? Melissa Padilla: Está muy bien, pero te diría que siempre ha existido. Ya sabes cómo somos, a los de Sinaloa nos encanta presumir. Pero siempre ha existido el estilo y por más que a mucha gente no le guste, le parezca muy corriente o exagerado, por más que digan que es de narcos, que esto, que lo otro, hay propuesta y eso es de admirarse. Samantha Menchaca: Tú también eres parte de estos nuevos artistas que están poniendo su cultura y su contexto en un lugar muy fuerte que antes no se valoraba en este mundo del Tumblr de la era digital. Ahorita tenemos muchísimas herramientas para promocionar o poner ahí nuestras imágenes, nuestros sonidos, ¿qué opinas de todo esto? Porque para mí sí es un movimiento. Melissa Padilla: Es un cambio completo, un giro entero a lo que significa ser artista. Porque te digo, yo empecé mi educación de pintura hace unos tres años, y mi maestro Miguel Ángel Sainz, es un pintor de hace mucho tiempo, muy respetado y tal. Y siempre estamos comparando eso, lo que significa ser artista ahorita. El hecho de que ya no necesitas la galería para promocionar tu obra. Puedes vender de otra manera. Puedes vender por TikTok. Estoy como al borde de esa era, estoy adentro de eso, pero aún así siento que los nuevos vienen muy pesados, lo traen en la sangre. Como decías, ¿cómo te pones ahí tan afuera? Yo siento que me falta más, porque ahorita tienes que poner toda tu personalidad, toda tu persona. Tienes que subir seis videos al día diciendo yo soy esto, hice esto y esta canción, porque esto y significa esto. Está pesado, pero la verdad es que no hay nada mejor, es que el mundo está allá.

Samantha Menchaca: ¿Este mundo artístico ha sido fácil para ti o de alguna forma te ha limitado o te ha dado inseguridad? ¿Cómo has llevado esta relación con el mundo del arte? Melissa Padilla: No te voy a mentir, si está difícil, porque a pesar de que yo siempre estuve acostumbrada a subir mis dibujitos al Instagram y todo eso, pues sí está complicado poner algo tan crudo allá afuera. Y aunque puedes decir que hay gente más loca, tal vez es algo que alguien no había hecho al menos de la forma que yo lo he hecho. Entonces pues sí me causó inseguridad también el hecho de no saber pintar. Porque cuando empecé a hacer esas piezas, dije yo quiero estar en museos y ese era mi objetivo. Al empezar a conocer ese mundo, me di cuenta que estar en un museo no es barato. Estar comprando materiales no es barato. Hay clasismo, hay delincuencia, hay corrupción. Claro que fue duro y que entraran mis obras ahí aceptadas a ese mundo que es tan exclusivo. Yo sí sentía que era algo nuevo para mí, y hasta la fecha no te puedo decir que encajo del todo. Pero de cierta forma sí, pues yo sé que hay gente que lo aprecia. Y gracias a ellos me han abierto las puertas en museos y en galerías. Y te sientes validada pues. En algún punto esa validación llega y no es que sea necesaria, pero si de alguien he buscado validación tal vez es de mi mamá y nada más con eso ya estoy contenta, pues. A parte de mi comunidad, no me importa si los demás lo aprecian o no, simplemente lo hago porque creo que es bonito expresar lo que sucede ahí y lo hago para mi familia y ya está. No puedo clavarme, si te clavas pierdes. Porque cuando empiezas a ver el mundo, ahorita que ya estoy un poco más grande, ya comprendo más las cosas, y como que te cuesta soltar. Piensas, ¿va a gustar o no? ¿va a funcionar? y tal… Y así no se puede, ya estuve varios meses queriendo cambiar, hacer cosas nuevas y así no se puede. Hasta ahorita ya dije otra vez: me voy a divertir un rato y me solté. Sin pensar en qué será lo qué dirán y salieron 10 piezas de una.

Samantha Menchaca: Oye, ¿y cómo fue tu colaboración con Natanael Cano? ¿Cuál fue la historia? Melissa Padilla En realidad, yo hice un video animado para Ovi. Una persona que estaba ahí en Corridos Tumbados hace un tiempo. Y era una canción de Ovi, Natanael Cano y Adriel Favela. Hice un video animado y básicamente de ahí salieron las portadas. Me acuerdo que me mandaban fotillos de ellos. Así de ponme esta ropa y así. El Ovi me dijo que al Natanael le gustó para su portada. Y ya no más fue ponerle la letra de Trap Tumbado y ya quedó. Es gracioso, porque ya fue hace rato, no era el hit que es ahorita. Ya era un hit, pero no lo que es ahorita. Era otra era para todos. Un movimiento por todos lados. Es algo que está sucediendo, no solo en la música, sino en el arte. Hay muchos artistas mexicanos y mexicoamericanos en Estados Unidos que están haciendo cosas bien perras, la verdad. Me interesaría también conocer un poquito allá. Pero al final de cuentas, sinceramente, no queda más que expresar lo que para mí es de verdad, ¿sabes? Lo que soy yo.

Samantha Menchaca: Y, por ejemplo, ¿cuál es tu visión del arte? ¿Qué es el arte para ti en estos momentos? Melissa Padilla: Ahorita mismo es como si estuviera volviendo a empezar, porque se trata mucho de ver para adentro. Y gracias a Dios ahorita ando bien feliz con mi novio, viajando por el mundo y ando viendo muy para fuera, te puedo decir. Ando muy contenta con la gente que tengo cerca, que no es mucha, pero ando disfrutando la vida. Y ahora creo que me toca voltear para adentro y decir qué es lo que yo siento, de qué es lo que estoy agradecida, de qué estoy feliz, qué es lo que me ha estado pasando estos días, qué me hace la nueva persona que ahora soy. Y eso es el arte para mí. Entonces, es como una transición, como un cierre, pues. Es un resumen de lo que pasó y también de lo que va a pasar. Samantha Menchaca: ¿Cómo lograste tener tu estilo personal? Melissa Padilla: Pues no ando agarrando muchas opiniones. Si comparto con alguien es con mi pareja, con mi mamá y con mi amiga Krishna. Ella es otra gran artista sinaloense, confío en su ojo como artista y también porque ella me conoce. Eso es lo más importante. Si enseñas tu arte a alguien que no te conoce, que no sabe lo que estás buscando expresar, es muy difícil que pueda servirte la opinión. Entonces para mí lo más importante es compartirlo en casa. Me importa que las piezas puedan crear una emoción en otra persona. Por ejemplo, cuando voy a hacer una pieza del Estadio Tomateros ahí en Culiacán, me importa pensar que a alguien más le pueda emocionar. Yo iba ahí siempre con mi papá y comíamos esquites. Me guía mucho el generar nostalgia o empatía, por eso hablo de las historias que se cuentan ahí. Ha llegado mucha gente a contarme: “en esas escaleras que tú pintaste, ahí vive mi tía” o “en ese resbaladero que tú pintaste me la pasaba cuando tenía 10 años”. Eso es lo más bonito para mí la verdad.

Samantha Menchaca: ¿Qué opinas de la situación de los artistas mexicanos? De las oportunidades que hay… Melissa Padilla: Creo que debería haber un poco más de apertura para la visión joven. Entrar a los museos más importantes no se debería tratar tanto de trayectoria y de renombre, creo que debería ser más, sobre el gusto, el interés y la novedad. No te puedo asegurar porque no viví en Inglaterra, ni en Alemania, ni en Estados Unidos, pero yo veo ahí que los artistas hacen piezas totalmente fuera de lo común, de lo que es socialmente aceptado o políticamente aceptado y pueden entrar a una galería y pueden estar representados por galerías importantes. Entonces creo que nos falta eso. Samantha Menchaca: Sí, por ejemplo, con la música es muy distinto. Porque puedes hacer una canción y puede pegar, ¿sabes? Puede ser un hit al otro día. Con el arte siento que en México es difícil porque está muy blanqueado. Tienes esa limitante de ser joven, por ejemplo, de hacer algo diferente, pero también tu contexto social se puede volver una limitante… Melissa Padilla: Sí, un montón en realidad, yo he tenido el privilegio. Puedo decirte que no soy ni rica, ni pobre, pues. Pero simplemente el hecho de dedicarte al arte en México ya es un privilegio. Y no significa que sea fácil. Pero es que en otras circunstancias, una cosita que haya cambiado en mi historia, alguna cosita y yo no hubiera podido. Tienes que tener un espacio grande para pintar, tienes que tener los materiales, tienes que pagar para mandar la obra para allá o para acá. Hay espacios en Sinaloa y hay mucha gente creando espacios nuevos y eso lo valoró un montón, yo creo que hay un montón de gente bien creativa. Y me gustaría ver a esa gente que yo veo en el Instagram tan diferente, tan creativa, tan nueva, exhibiendo en una galería. En Sonora se me dio el espacio, en el Museo de Arte de Sonora y eso lo aprecio mucho. Tuvieron el atrevimiento, la visión y fue todo un éxito porque el museo estuvo lleno de jóvenes y no hay nada más bonito que eso. También los jóvenes llevaban a sus padres y todo y era una experiencia de interacción, porque yo también escuchaba los comentarios de las personas mayores, escuchaba los comentarios de los jóvenes y todos teníamos algo en común. Yo no pensaba que podía llegar a empatizar con alguien de cierta edad, pero las señoras me decían, esto me recuerda a las ilustraciones de las revistas de los cómics y no sé qué. No creo que los espacios se tengan que limitar a estilos.

Samantha Menchaca: ¿Cuál es tu mayor sueño? Melissa Padilla: Ay, mi mayor sueño. Pues la verdad sí quisiera tener un estudio bien bonito, ¿sabes? Ahorita no te puedo decir que estoy cumpliendo un sueño, porque estoy viajando y es algo que yo no pensé, que yo no veía pasar tan próximo. Yo no pensé que fuera a pasar así nomás y está pasando, y por eso estoy muy agradecida y creo que es algo que me está enriqueciendo mucho como persona y como artista. Te digo yo, yo soy muy cariñosa. A pesar de todo soy social, pero a la vez soy cohibida, entonces ahorita estoy viviendo un sueño. Si estoy viviendo un sueño y lo que sigue es seguir creando, tener la posibilidad de seguir pintando y seguir comiendo, es ahorita mi sueño.

Samantha Menchaca: ¿La moda ha influenciado tu trabajo? Melissa Padilla: Sí, no te puedo decir que soy la que se viste más perro. No es como que me puedo dar el lujo de comprarme ropa cara, pero la pintura me da esa chance de vestirme como yo quiera. Ahí me visto con la ropa de mis sueños. También tengo una pieza sobre eso, que se llama “My Scene”. Como ese estilo de Barbie, pero también es como “Mi Sinaloa”, como “My Sin”. Y es como del juego de vestirme como yo quiera, y ponerme como en una cajita de Barbie. Fue antes de que saliera la película de Barbie. Yo me adelanté, antes de que se pusiera de moda. En este retrato me pongo accesorios con mi bolsita Prada y no sé qué, y los discos de las portadas que había hecho, y ropita que algún día me voy a poder comprar. Es como aspiracional, creo que eso también es una palabra muy importante en Sinaloa. Ser aspiracional es muy importante. No hablando en sentido material, sino creerte capaz de conseguir lo que quieras. No me rige lo material, no me desespera, pero si llega, llega, ¿por qué no? Samantha Menchaca: Y también los corridos han influido mucho en eso. Por ejemplo, yo estaba en un punto de mi vida muy triste y, aunque siempre he escuchado música mexicana, comencé a escuchar más corridos, y literal me cambiaron la vida. Escuchar a Luis R. Conriquez y las historias de que le echa un chingo de ganas para conseguir lo que quieren y que ya no son pobres y que ahora están ayudando a los demás. Eso me ha inspirado muchísimo a echarle huevos, ¿no? O sea, de que sí se puede. Y tener estos personajes armándola. De que Peso Pluma logró ser millonario en un año y llegar a un chingo de países. ¿Te ha inspirado así la música también? ¿Qué corrido te ha hecho sentir eso? Melissa Padilla: Yo también me motivo, me alucino así. Creo que hay uno de Junior H, el de Tengo motivos. Está bien perro pensar también en los de Luis R., pues claro que te viajas. Imagínate que perro llegar y comprarle una camioneta a mi mamá. Yo soñaba eso de chiquita y decía: le voy a arreglar el patio a mi abuelita, para que lo tenga muy bonito su patio. Y al final de cuentas eso sí puede llegar con perseverancia, con motivación, pero también con diversión, porque no debes hacer las cosas nomás por impulso, por querer, por envidia o por ego, hay que echarle corazón también.

Entrevista: Samantha Menchaca
Introducción y edición de texto: Ed Mayén

Printed article currently available in issue 1 of Cynthia magazine.

Si Cocktail representa un tótem de la electrónica experimental mexicana, Dulce Beat es la transición hacia una fórmula más pop latinoamericana, que efectivamente terminó por convertirse en la educación romántica/sentimental de toda una generación. Las letras de Denise nos hicieron cantar todo tipo de cursilerías con plena consciencia de que el cuento del amor romántico era una fantasía y que “el pasado y el futuro, sólo existe hoy”.

Más de 20 años después de esos primeros lanzamientos y el Sueño Electro, la fantasía ha muerto o más bien se ha hecho realidad. Los premios y el deseo de conectar íntimamente con las masas han sido obtenidos. Denisse vuelve a lanzar material, ahora como solista y desde una lugar más tranquilo. Si la alegoría entonces era el rosa pastel, ahora parece estar habitando de una manera totalmente casual y de nuevo consciente, la escala de grises.

Alberto Bustamante: ¿Cuál es tu biografía electrónica o la historia de cómo entraste a la música? Sé que eres de Los Mochis y que originalmente te mudaste a Guadalajara para estudiar diseño de modas, ¿pero cómo fue que entraste al mundo de la noche, la fiesta y la música? Denisse Guerrero: Desde que yo era muy niña siempre me llamó la atención la música, de hecho sí recuerdo la primera vez que se me ocurrió hacer una canción. Debo haber tenido como unos cinco años y creo que estaba en la ventana de la casa de mi abuela cuando pensé en crear una canción por primera vez. Todavía no sabía ni leer ni escribir. La música siempre estuvo muy presente para mí. No sé, en mi familia no hay nadie que se dedique a esta carrera. Sin embargo, fue algo que siempre atrapó mi mente y comencé normal como todas las personas que se interesan por el arte. A mi mamá le gustaba mucho fomentarme todo lo que tenía que ver con el arte cuando era niña. Era muy curiosa, sobre todo porque fui una niña muy precoz. Comencé a hablar desde muy chica y siempre hubo cierto interés hacia las letras. Por ejemplo, desde muy niña siempre en mi cabeza estaba como: “ay es el día de las madres”, que aquí en México se celebra tanto… Decía pues te voy a escribir un poema o voy a hacer un cuento o voy a escribir una canción. Siempre estuvo muy presente en mi vida en la secundaria y preparatoria.

Alberto Bustamante: ¿Tenías un diario cuando eras chica? Denisse Guerrero: Alguna vez tuve un diario. Antes se utilizaba de que tenías como esta libretita y le pones así como un candadito y abrías con la llave y me acuerdo que la tuve unos meses. Cuando entré a la secundaria no me trataban tan bien. Y me acuerdo que una vez invité a una amiga a la casa y abrió esta libreta y se comenzó a burlar de mí. Entonces dije: “¿Sabes qué? Ya no quiero este pinche diario, yo no quiero volver a escribir nada”. Tengo este recuerdo de cuando me cambié a esta escuela que era una escuela más fresa. Cuando entré primero tenía mucho éxito con los chavitos. Yo desde muy chica tenía en mente que me quería dedicar a la música, pero me acuerdo que cuando entré y tenía cierto éxito con los chavillos populares dije: “Ay a lo mejor me olvido de la música, me puedo acostumbrar a eso”. Pero unos meses después comenzaron a hacerme mucho bullying y dije: “¿Sabes qué? Olvídalo”. O sea regresemos al plan A que es hacer música. Y me acuerdo que en esa secundaria y preparatoria había muchos grupos de rock, de chavitos que tocábamos covers. Como soy de los 90, entonces me tocó el grunge como la música alternativa y recuerdo que alguien en el salón dijo: “Ay quién sabe escribir canciones”. Y obviamente dije que yo. Imagínate en mi mente de niña de 12-13 años, me sentía súper segura y con toda la capacidad. En realidad eran unos niños, éramos unos niños todos, pero definitivamente sí me ayudó. Entonces seguí tocando, me acuerdo que grabamos nuestro primer demo como a los 16 años. Juntamos dinero y nos grabó un conocido con una máquina de cinta. Realmente nuestro demo fue en una grabadora de casetes.

Alberto Bustamante: Yo había imaginado que más bien tu acceso a la música había sido a través de la fiesta y como echando desmadre pero lo que estás contando es más bien como un camino hiper claro… Denisse Guerrero: Sí, siempre tuve muy claro que me quería dedicar a la música. Y tenía esta idea de lo que era escribir canciones y cantar con cierto estilo. Me acuerdo que cuando era niña tuve algunas clases de música y me acuerdo que un día tuvimos una clase de solfeo. De entrada la maestra me dijo: “No cantes así”. Pero obviamente yo no le hice caso. Yo tenía esta mentalidad del estilo que yo cantaba, que de hecho en mi carrera, en los inicios me costó mucho trabajo porque toda la gente se preguntaba por qué cantaba así. Pero yo tenía una visión distinta acerca de la música y más allá de hacerlo bien o mal, yo siempre tuve muy claro que quería tener un sonido único. Pero a veces esta visión de crear algo único te genera críticas y la gente me decìa: “Ay, es que no sabes cantar”. La moda fue como una opción B porque en mi familia, –mexicana súper tradicional de un lugar pequeño–, obviamente me decían que es muy difícil la carrera de la música y no iba a poder sostenerme económicamente. Entonces era una buena opción que tú tuvieras un plan B, en caso de que tu carrera en la música no funcionara. Pero yo lo tenía clarísimo y siento que este tipo de personalidad es muy necesaria en estas carreras, que verdaderamente sí son muy difíciles y es muy complicado llegar a ser conocido o a que te tomen en serio, pero creo que sobre todas las cosas yo siempre tuve mucha seguridad.

Alberto Bustamante: En esta onda de que empezaste tu carrera musical y a la par estabas estudiando diseño, ¿podríamos decir que también le ponías mucha atención a esa parte de la imagen o la estética de la banda? Denisse Guerrero: Desde que era muy niña siempre fui muy creativa al momento de buscar mi indumentaria. Yo venía de un lugar muy pequeño, muy tradicional, muy conservador, pero siempre capturó mi mente y mi atención todo lo que tenía que ver con la indumentaria. Por haber nacido en los noventas me encantaba, por ejemplo, la estética de Courtney Love o de Drew Barrymore, que se vestían increíble. O la estética de D’arcy, la bajista de Smashing Pumpkins, me acuerdo la primera vez que vi en el video de “Bullet with Butterfly Wings” con el cabello azul, dije yo quiero el cabello igual y eso incentivaba mucho mi creatividad. En Sinaloa, para el estilo que a mí me gustaba no había opciones, entonces era irme por las tardes al centro y ponerme a buscar ropa y mi mamá me seguía un poco el rollo con eso. Yo diseñaba mis vestidos, mis pantalones, obviamente hacía mucho uso también del reciclaje, porque de repente tomaba joyería de mi mamá y la transformaba. Y desde ahí fui una persona muy creativa debido a que en México todavía no existía tanto la globalización, porque si tú te ibas a Estados Unidos, obviamente ibas a tener un montón de opciones, pero toda esta creatividad venía de esas figuras estéticas que me inspiraban y mi opción era irme a comprar telas y dejar volar mi creatividad. Sin que yo lo reflexionara tanto, entré al diseño de moda no de una manera tan consciente por así decirlo.

Alberto Bustamante: El álbum de Cocktail fue un parteaguas en mi gusto musical porque se me hace una especie de tótem en la electrónica mexicana, y me parece muy interesante lo que sucede con la banda y tus letras y las canciones cuando pasan de Cocktail al disco de Dulce Beat. Porque Cocktail es muy al inicio de los dosmiles y es como muy experimental y vanguardista, en el sentido en que hay un chingo de paisajes sonoros. Inclusive ahorita que lo estaba escuchando de nuevo, el disco es un bucle perfecto, que empieza y termina con el mismo paisaje. Me gusta tu interpretación y hay incluso unos samples de no sé qué película es en francés… Denisse Guerrero: No puedo recordar ahorita el nombre de la película, eso lo hizo Edgar, el tecladista. Ahorita que mencionas la música electrónica, cuando yo comencé era la época del grunge, de la música alternativa. Entonces estaba con muchos grupos de rock y recuerdo que me costaba mucho trabajo escuchar mi voz porque estaban las guitarras, estaba la batería y se metía todo. A finales de los noventas comencé a escuchar artistas como Bjork, Portishead y Air. Después llegué a Guadalajara y ahí descubrí todo este movimiento de fiestas de música electrónica y me di cuenta que como cantante cuando haces música electrónica tienes un campo más amplio y puedes mezclar diferentes géneros; en esa época estaban el drum and bass, el house…

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Eric Hernández: Gusto en conocerlos, ¿son de California verdad Alex Legado: Así es carnal, yo vivo acá en Corona y Ramón vive allá en downtown.

Eric Hernández: A mí me gusta siempre buscar las distinciones de los Mexas de Tejas y los de California. Ustedes son OG’s, el estilo que ustedes tocan, llegaron muy temprano a ese estilo. Alex Legado: Creo que sí estamos muy temprano en el rollo, lo que nosotros trajimos, sí estuvo poco adelantado. Tal vez es por los músicos, en esos tiempos no había músicos tan buenos la verdad, como ahora, ahora todos los morros son bien buenos para tocar. Antes era bien difícil encontrar un acordeonero como Ramón, o un baterista como Gustavo Arellano que toca con nosotros. Esa mezcla de músicos sí estaba avanzada, la verdad. Y luego pues las letras, sí fueron algo nuevo. Era como, como algo malo bien hecho.

Eric Hernández: ¿Y además del nombre de su disquera, también antes decían Lumbre corridos verdad? Alex Legado: ¡Sí, Lumbre! El nombre Lumbre viene de un cliente mío que yo tenía, de un compadre mío, siempre que le tocabamos en su casa, cuando ya estaba bien borracho me decía que quería ‘pura lumbre’ y lumbre eran puros corridos pesados. Entonces quería ‘pura lumbre’. Y de ahí lo agarramos. Como en inglés cuando miran algo que ‘ta chido dicen ‘oh that’s fire’. So lumbre corridos se volvió Lumbre Music.

Eric Hernández: ¿Sus familias tienen historia de escuchar corridos? Mis jefes poco pero los más tradicionales, nada de Chalino, nada de narcotráfico. Puros tradicionales. Más de rancho, más old west. Sí toco esto mi jefe dice, “nah esto es de pura mota”. Pero como dicen ustedes, es algo malo pero bien hecho… Alex Legado: Jaja sí algo así. Pues sí porque la letra y el estilo son diferentes. De lo que le damos nosotros a nuestros corridos, tal vez sí tocamos uno que otro narcocorrido, pero en realidad no es el tema de Legado, ¿sabes? El tema de Legado es más como el estilo de Los Ángeles en corrido. You know? The lifestyle of LA, put it in the music. Y ahí salen los corridos verdes que los llamamos en su momento. Lumbre Music, green corridos, stuff like that.

Eric Hernández: Siento que ahorita está pegada mucha gente, como que the market es oversaturated with músicos de corridos y regional… Alex Legado: Es como te dije hace rato, hay muchos músicos buenos ahorita carnal, ahorita hay mucha música buena para consumir, y pues sí está un poco lleno el buque. Pero hay mucha buena música, la verdad.

Eric Hernández: Simon, cuando yo quise meterme en la música, llegué a frooty loops, más como hip hop style. No fue mi pensamiento inmediato meterme a aprender corridos en la guitarra. Pero ahora los morrillos aprenden, nos van a dejar atrás jaja. Alex Legado: Sí ahorita los morros andan con todo, cuidado, como te digo hay muchos músicos buenos.

Eric Hernández: ¡Y a ustedes les ha tocado colaborar con muchos! Alex Legado: Sí, fijate que a nosotros nos ha tocado colaborar con bastantes artistas. También creo que Legado 7 tuvo mucho que ver en todos los duetos que ahora es muy normal que se hagan. Ya la gente hacía duetos, pero creo que nosotros pusimos otra vez de moda hacerlo con tres personas y así. Con todos esos duetos que hicimos con Los Hijos de García, Fuerza Regida en su momento, Herencia de Patrones. Era como un regreso al movimiento, y creo que Legado 7 tuvo una parte esencial en ese movimiento.

Eric Hernández: Ustedes han colaborado con Kane Rodriguez y gente que ha pegado con snippets virales o covers de otros artistas aparte de sus carreras y tracks oficiales. ¿Han ustedes encontrado manera de saber antes de tiempo lo que va pegar con la gente? O siempre es nomas la pura chanza del juego? ¿Sienten que han aprendido a calcular el hype más o menos bien? Alex Legado: La verdad no carnal, nunca es lo mismo. Porque si algo pega, es por que es diferente a todos, ¿verdad? Entonces si tú quisieras hacer otra canción que suene igual, pues ya hay una igual, ¿me entiendes? Cada cosa que se pega, es porque tiene algo diferente a todo lo que has escuchado, sino no pega bien. Sino, nomás la escuchas y dices a esa madre se escucha como aquella otra rola que ya escuche, ¿Sabes? Entonces es nomas simplemente seguir evolucionando, seguir tratando y tratando y tratando. Eventualmente, si ya te pego una, pues quiere decir que traes algo para hacer cosas. No hay una receta, ¿sabes? No hay una receta que existe para hacer rolas perronas y que peguen. Es simplemente no tirar la toalla, y seguirle dando, seguir evolucionando la música mexicana. Va creciendo y cambiando, y es nomás cuestión de irse adaptando y no irse quedando.

Eric Hernández: Y en cuestión de influencias, ¿cuáles son los gustos distintos que laten un chingo a los integrantes de Legado? Ramón Legado: La música norteña pienso, de a tiro 100% norteña. Yo crecí escuchando música norteña y tocando el acordeón desde niño desde los once años: Cachorros, Ramon Ayala, Invasores, Cardenales, todos ellos, esa música tan bonita. Siento que eso tiene que ver mucho en el estilo norteño que estamos tocando, pero es un estilo ya corridero con una letra nueva entonces, definitivamente eso nos influenció mucho en nuestro estilo.

Eric Hernández: Orale. Igual siento que el estilo de Legado son arreglos muy ‘tight’ in the pocket, que le dicen, el bajo, los tambores y el acordeón bien amarradotes. Lleno. Igual ahorita hay un estilo muy ‘stripped back’ muy minimal, que también está pegando, pero a mí siempre me caen mejor los arreglos así más llenos y carnudos. Siento que ustedes tienen rhythm section y un groove más macizo. Ramón Legado: Yeah. La batería tiene mucho que ver, the drums, its key. The bass. Es un sonido más lleno que tal vez un sierreño or so, you know? Estamos nomás tratando de modernizarlo. El estilo de Legado, adaptarnos a lo nuevo.

Eric Hernández: ¿Y es es un esfuerzo colectivo más o menos o nomás una sola persona escribe las canciones? ¿O de repente alguien contribuye letras y así? Alex Legado: Pues mira carnal, en los últimos álbumes, sin contar el álbum nuevo que acabamos de grabar, el 95% eran letras mías, pero este nuevo que acabamos de grabar carnal, colaboré con muchos buenos amigos, compositores, con nuestro productor. Y pues sí me gusto bastante. La mayoría sí es mucho de mi letra, pero siempre estamos abiertos a escoger buenos temas de compositores pues.

Eric Hernández: ¿Y cómo se sienten ustedes sobre la ‘authenticity’? ¿Creen que lo que hablan en la música tiene que estar en sus vidas de verdad o es un don poder escribir sin tener que vivir lo que cantan? Alex Legado: Pues todo depende carnal, depende de que rolas sean, por ejemplo en nuestro género se usa mucho que ‘un corrido por encargo’, ¿sabes? Eso ya es diferente que una canción romántica. Si quieres hacer una canción de enamorados tienes que estar enamorado, ¿verdad? Como compositor sí me gusta meterme en el personaje de lo que estoy hablando y que se sienta pues, y que conecte. No nomas son palabras.

Eric Hernández: ¿Ya terminaron el nuevo álbum? Alex Legado: Está terminado ya bro, lo acabamos de terminar hace como 2 semanas. Eric Hernández: ¿Y se esperan a sacarlo o lo label lo saca así en chinga? Ramón Legado: Usualmente quieren un mes de entrega, nosotros ya tenemos fecha de soltar el disco este abril 17, que viene siendo ya una tradición de 420 weekend. Tenemos varios discos que han salido on 420 y este va ser uno de esos discos.

Eric Hernández: ¿Cómo sienten que le avanzaron al balón con este nuevo disco Ramón Legado: Pues sabes que estamos experimentando con sonidos nuevos, igual como dice Alex, con compositores nuevos, haciendo composiciones en conjunto, y obviamente también calando con sonidos nuevos, metiendole tololoches, cosillas modernas sin perder el estilo de Legado 7. Y también unos duetos que vienen allí con muchachos que andan allí. Nuevos talentos. Eric Hernández: ¿Cómo se sienten al integrarse con los nuevos morros? ¿Sienten aspecto de competencia o es nomas como con que alguien le avance al género?Alex Legado: No, definitivamente no es competencia, yo siento que hay mucho talento. En realidad a mí me da mucho orgullo mirar a todos los artistas ahorita que le están dando super duro, el Peso, a Fuerza, al Nata. Hay mucho talento que está muy joven, y están–como que they’re carrying the genre you know? Eso está super chingon carnal. Eso es como el sueño de todos nosotros, de todo artista mexicano que viene de México o que son aquí americanos también, es el sueño de todos. Mirar a todos estos morros que la andan rompiendo es algo chingón, de verdad. Eric Hernández: Se va cultivando… Ramón Legado: Es como miras los géneros anteriores del hip hop o del reggaeton que estuvieron en algún momento super global y ahora miras el regional y está haciendo lo mismo. Miras a artistas como Drake que quiere su entrada al regional, a esto que está pasando. Está chingón la verdad.

Eric Hernández: Simón. ¿Y cómo se sienten de la mass farmed weed? Acá en Texas muchos tienen bronca con la mota de los farms que venden por donde sea. ¿Es algo que han pensado? Alex Legado: Jaja es que la buena es la de Cali, pues. No es problema acá. Acá esta la mera mata jaja. Aquí hay de todos sabores de todos colores, carnal.

Eric Hernández: ¿Cuál es su concepto del social media? ¿Les obliga la label a postear más o moverle más a eso? Alex Legado: Sí carnal, a mí siempre me están diciendo eso jaja. Eric Hernández: Sí entiendo la importancia pero igual a veces los labels se enfocan demasiado en eso… Alex Legado: Pos eso no existía antes, había artistas que no tenían redes sociales y no tienen que promocionar un evento y se les llenaba ahí. Hasta la madre los lugares. Es con los tiempos que van cambiando, nomás uno hay que adaptarse.

Eric Hernández: Simon. Siento que hay artistas buenos que no saben, o no les interesa, promocionarse tanto como otros. Igual con que generes unas cuantas clásicas a la gente le vale verga si posteas. Ustedes tienen unas clasiconas, “El Chinito” tiene 30M plus views. Y otras con un chingo. Alex Legado: “El Chinito”, “El Afro”, “Ojos de Maniaco”, “Vida Peligrosa” siento que son corridos que pegaron muy bien en su tiempo.

Eric Hernández: Eso es lo máximo a lo que puedes pegarle como músico. Generar algo que dure, canciones que tienen vida afuera de uno. As players, musicians, that’s the biggest honor. Ramón Legado: Gracias.

Eric Hernández: ¿Y qué tienen planeado ahorita para Legado? Alex Legado: Ahorita estamos trabajando en una gira con un grupo que se llama Los Dos de Tamaulipas. Entonces empezamos a trabajar en abril. Usualmente Legado siempre comienza giras en abril, por el 420. Siempre arrancamos el 20 de Abril. Este año igual, sí viene una gira con bastantes fechas brother. Y pos estamos bien contentos y emocionados por empezar con ese proyecto.

Eric Hernández: ¿La banda sigue igual, personnel wise, de cuando empezaron Ramón Legado: Simon, we’ve made some changes on the bass and on the bajo sexto. Our drummer’s always been Gustavo Arellano. He’s been the drummer since the very beginning. It’s been us three, Gustavo, Alex, and me. Los muchachos nuevos con los que estamos trabajando, we got a young really talented bass player his name is Rodrigo, igual que el muchacho del bajo sexto, super talented musicians. Eric Hernández: ¿Es tololoche o eléctrico? Ramón Legado: Es electrico carnal. We do add tololoche to some songs. Back in the day ‘El Chinito’ had tololoche y con este nuevo álbum we’re pushing a lot of tololoche as well. Eric Hernández: ¿Y de acordeon? ¿What do you like to play? Ramón Legado: A mí me gusta mucho Juan Villareal, él es un ídolo para mí. La musiquita norteñita. Eric Hernández: Y besides the players, do you have loyalty of preference to a certain brand? Ramón Legado: I’m a big fan of Dino Baffetti. I really like Baffetti. Ahorita tengo unos que se llaman Massimo. But I’ve had Gabbanellis, Hohners, you know? En lo personal yo no me dejo llevar por los looks, yo agarro un pinche acordeón y lo calo y si me gusta como se oye y como se toca that’s what I care more about.

Eric Hernández: And I have to ask, anyone from Texas ya’ll call an influence or that you guys are into? Y también alguien allí local de su California que puedan mencionar que les guste? Mencionaron a Ramón Ayala, he got big in Reynosa, Tamaulipas and he’s originally from Monterrey but he lives in Hidalgo, TX. Pero, ¿alguien más? Ramón Legado: Pa’ mi una inspiración desde niño es un acordeonista de aquí de Los Ángeles que se llama Marito Aguilar que sí es muy reconocido. Y de Texas un grupo viejo que se llama Los Tesoros de Samuel Ramos, they’re from Texas as well. Un grupazo. El Retoño también, they’re super dope. Eric Hernández: ¿Han llegado a conocer algunos de sus héroes? Alex Legado: Pues sí, nos hemos topado con todo tipos de artistas. Algo super chingón fue tocar con Intocable. Nos invitaron a un evento through one of our friends que se llama Ron que trabajaba con ellos. Dijo ‘We’re looking for a band to open up for Intocable.’ Y pos nosotros como damnn that’s not totally our crowd you know? Como fuck, we felt a little iffy about the situation. Pero pues siendo fans, fue super chingón. We went and played some corridos and I think the people were like ‘okay this is cool’ pero tambien a little tripped out. También tocamos unas norteñas viejitas allí y pos ya nos quedamos a ver a Intocable tocar. Super chingona esa experiencia. Muchas experiencias así.

Interview by Eric Hernández
Photos by Guicho Palma

Printed article currently available in issue 2 of Cynthia magazine.

What’s your name, where did you grow up, what do you do and how did you find Cynthia magazine?

My name is Luna Glaubitz Jimenez, I grew up in the border city of Tijuana where the beach is known as Playas. I am a transdisciplinary artist that is going to art school but I am a dj, a blogger and a writer (at the moment). I found out about Cynthia magazine through the interview Ed Maverick did interviewing Juan Cirerol. I remember the pictures showing up in my ig feed and sparking something within me. And then my friend Raul invited me to write something for them months later.

Is there one person from your adolescence that transformed how you think about fashion and has influenced how you define your personal style?

Ivy Satana. My dj teacher/mentor/friend. I met her through facebook circa 2015 after hearing about her from my mom , she had gone to a party and she was the DJ for it. I wanted to add Ivy on facebook so my mom dmed her and asked if she was okay with adding her 13 year old daughter on facebook and only if she wanted to and Ivy said yes because we liked the same things (vintage things, glitter, sailor moon, harajuku fashion, punk rock, music), We quickly turned into internet friends, her being like 15 years older than me, turned into a beautiful real friendship. I copied my first pin/battle jacket from her, and when I was finally 15 we met at a cultural event where she djed with vinyls from a music figure that had passed away and her and other djs played music from his collection to honor him. We don’t dress the same, but for sure, meeting a girly, pink anime loving girl from the north, in a city where everyone is niurro (new wave/new romantic) and dresses in rocker style clothes, Ivy was a fresh breath of air. I love her to death and we DJ together from time to time.

In your new column with Cynthia, we’ll be reading about your fave food spots in Tijuana, what’s the worst thing you’ve ever eaten in Tijuana?

Most recently, I went to a tianguis, and because I was starving, I ate at a stand where I had never eaten before trying to be adventurous. But it was a bad idea. They sold tacos de canasta y tacos de cabeza. First, I ordered 2 canasta and one campechano, and they gave me two cabeza and one canasta. The cabeza was soggy, greasy, and hard to swallow. The salsa they put on it was the most awful unflavored spicy sauce I’ve ever had and I couldn’t keep eating, I felt the food coming back up my throat. When I tried to eat the canasta, it wasn’t buttery or soft as a usual canasta taco, it was kind of dry and wet at the same time and the filling had that same greasy tallow taste that just was unpleasant. I left half of the tacos bitten in my plate and got off to pay. My little sister was with me and when I stood up she said “are you leaving without paying?” and I was just about to pay. Embarrassing and bad experience. 3/10. Their horchata was okay.

What was your top song from 2026?

From 2025 was Ya No Te Hago Falta from Sen Senra and Ed Maverick. Still playing that one tbh, but this year ‘s might be No Capea by Xavi y Grupo Frontera.

You have been DJing in TJ, do you have a philosophy for how your approaching DJing right now?

Now that djing is a trend, I approach djing as the mission of making a dancefloor dance. And I approach it sober. No drinks, no drugs. Just me, water, a coke sometimes, and my music library. If no one is dancing, I’m failing at my job. The Disco Jockey should make the people around him or her make the attendees want to dance and get to know the new tunes you’re serving them. Playing just whatever is trendy seems like the death of a dancefloor to me (And I love pop music.)

What were you obsessing over or binging in the pandemic?

Kpop, making jewelry and my internet friends from Sonora, who make up the collective known as DCE in Hermosillo Sonora. We were on 8 hour discord calls everyday. But kpop was my thing even before the pandemic hit, but the quarantine just made it trendy.

Do you have any theories for summer 2026?

Everyone is saying we are going analog but I think it’s just going to be performative. Unless a really shitty instagram or tiktok update scares everyone off the platforms, Imma be there posting stories #sorrynotsorry.

Additionally, this summer might be the summer substack that makes MEGA trendy. People can’t really go analog with everything having to be in our phones now. But reading there is more calm… unless they ruin the algorithm.

On IG you showed us your iPod jacket, do you have an iPod?

I do! It has mostly the music from my first party-official dj sets which were 3 years ago. You will not find anything tumbado there. It’s mostly kpop, trip-hop, dance and drum n bass. But when I bought it had music on it, which were like top 100 corridos and banda and boleros. I got it at a tianguis. I wasn’t planning on deleting everything but once I connected it to my computer I couldn’t modify the files so I just deleted and reseted the whole thing and synced to my itunes. Which is a bummer. But maybe soon I’ll make my tumbado playlist and add it there. A more curated version for me. There’s a picture of me on instagram listening to Nata on it.

I know you are a vintage magazine reader, do you have a fave magazine or magazine article?

Giant Robot, Juxtapox, Picnic, Club Nintendo, Teen Vogue and Vice magazine are the ones I grew up reading. Vice magazine less than the other, I consumed their online media more in Highschool after they had gone out of print, but I read it a couple of times when I was a kid. One of my favorite magazine articles I’ve ever read is an interview in Giant Robot for Yoshitomo Nara. And he admits he became an artist because he pervertedly went to naked drawing class but actually enjoyed it. And online, there’s an article called < My “Ghost World” years: Confessions of a teenage AOL catfisher >. I found it on pinterest, looking for images of my favorite movie, Ghost World (2001) and found myself just sobbing in front of my laptop at the end.

You are a bloguera. What does this mean to you, and what do you think that term connotates for you in Mexico? What are a few Mexican blogueros u would reccomend?

Yes, I am a blogger! I did not use a blog platform for the longest time but treated my instagram as the space to blog and share with my community. It has now gotten bigger now that I am DJ. People follow me to know when the next event is but seem to stay for the curas and my crazy daily posting. I love posting, I have always loved the act of sharing something and getting online feedback. It means a way of connecting with others beyond borders. This term is now expired in Mexico I think. Blogging had a peak in the early 2010’s and then with social media it slowly faded and died. But there’s still people standing strong and blog from whatever platform they can. Being an influencer does not make you a blogger in my opinion. Blogging is more information, text and image based, than curating a “vibe” or a “persona” through looks and content. But I might be wrong, idk.

I recommend my favorite Spanish blog called taxitj in blogspot by my favorite writer atm Carolina Monraz. And deceased and my number one influence, Rafa Saavedra. I would recommend my own substack that I just started called NEOPOPBABYSM. And my favorite blog/ site since forever,is ita.toys . She’s a j-fashion graphic designer with a super cool website, but I’m not sure if she’s Mexican! I know she speaks Spanish tho.

Decir que alguien es una leyenda viva es un lugar común, pero en la música mexicana, Juan Cirerol es quien mejor ocupa esa descripción. El cachanilla pasó por la Ciudad de México entre 2010 y 2017, abriendo una brecha musical desde el noroeste mexicano que sería elemental para los artistas que le siguieron. Cirerol transita entre el rock y la música regional sin aparente esfuerzo, y enraizado en ambos géneros, es famoso por grabar discos completos en una sola toma. Fue en el 2012–año en que concluyó el calendario maya, implicando el supuesto fin de los tiempos–que Juan Cirerol ofrendó 13 canciones al Mictlán, el inframundo de los nahuas. No podemos confirmar qué efecto tuvo esta Ofrenda al Mictlán en términos cósmicos, sin embargo, este álbum lo consolidó como un músico de músicos. Enrique Bunbury lo incluyó en su lista de los mejores discos del 2012, lo cual llevó a que Andrés Calamaro invitara a Cirerol a interpretar “Metanfeta” con él en el escenario de su concierto junto a Bunbury en Ciudad de México, mismo concierto en el cual Cirerol fue telonero. En sus propias palabras: “Me tocó la suerte, al igual que a Miguel y Miguel, de agarrar trabajo, de llamar la atención de músicos muy buenos y esos mismos músicos iban de boca en boca”. Uno de los músicos que ha continuado esparciendo su legado hacia las generaciones más jóvenes es Ed Maverick, quien abiertamente expresa la gran influencia que Juan Cirerol tuvo en él. Pero Maverick, quien recientemente se autoproclamó “poeta de rancho”, ha alcanzado sus propios reconocimientos a lo largo de su carrera. En el año 2018 –cuando tenía 17 años– publicó “Fuentes de Ortiz”, que ha sido homenajeada por Peso Pluma, Natanael Cano, Kenia Os y Julión Álvarez, entre muchos más. Aunque actualmente tiene 23 años, su grave voz y su lírica profunda denotan una madurez que excede su temprana edad. Recientemente fundó su estudio de producción hoy es un buen día en su ciudad natal, Delicias, Chihuahua. Este estudio tiene la intención de producir talentos locales para “quitarles la molestia a los próximos artistas de tener que ir hasta” la Ciudad de México, contribuyendo, en la medida de lo posible, a la descentralización de la cultura. Para esta entrevista, Ed Maverick viajó junto a nuestro fotógrafo Patricio Malagón a Mexicali, donde se reunieron con Juan Cirerol. Agarrando la cura entre cervezas y cigarros, los músicos platicaron sobre sus experiencias y anhelos en común.

Juan Cirerol: Hay una canción de Andrés Calamaro que se llama “Son las nueve”, y habla del artesano de canciones. Habemos músicos que utilizamos esa madre. Y entonces como artesano de canciones mi recompensa fueron las canciones después de esas noches en el infierno. Más o menos de eso trata la rola. Y es lo que le comento a mi mamá. Mi mamá no me regañó, no me intervinieron.

Ed Maverick: Yo apenas este año, en enero, como que traía un estrés ahí bien heavy. Es que tenía... Andaba en un pinche episodio depresivo el año pasado y pues traía como todo el peso de la fama, ese desmadre y la verga. Cosas bien raras de la vida, Chido vivir de la música, es el sueño. Pero no sabemos cómo se ve, cómo se siente o cómo es esa cosa, cómo es ese estilo de vida. Lo podemos ver en la tele, pero como que no está toda la info tras bambalinas. Pues no sabemos cómo es llegar a las oficinas de Universal y como es sentarte ahí y que te pongan esa madre en frente y la lees. Y eso está bien loco. ¿Cómo fue tu primera llegada? Yo he visto un chingo de videos, por ejemplo, el especial este de Canal 11. Y entrevistas que te hacen cuando estás allá viviendo en Iztacalco y no sé, se me hace bien interesante pensar cómo es tu experiencia... Porque al final, tú ya estabas en Ciudad de México haciendo todo este pedo y yo tenía como diez años, yo ni siquiera sabía que existía la música independiente. Y de hecho la música independiente la conocí chida por ti. Topaba a Caloncho y a Mon Laferte y todo ese pedo antes, pero por ti ya empecé a topar la neta de la música indie. ¿Cuál fue tu primera impresión? ¿Qué te gustaba hacer cuando llegaste a la Ciudad de México?

Juan Cirerol: Pues sí. Me tocó la suerte, al igual que a Miguel y Miguel, de agarrar trabajo, de llamar la atención de músicos muy buenos y esos mismos músicos iban de boca en boca y todavía hasta ahorita se sigue expandiendo la popularidad del proyecto a través del boca en boca. Empecé a agarrar jale muy fácil, muy fácil. Así contrataciones y de ahí pa’ arriba.

Ed Maverick: Somos seres bien sociales wey. Cuando se nos da esta arma, si posteas algo mucha gente lo va a ver. Como que nos crea una madre bien rara y es bien normal también, ¿sabes? De toda la gente del mundo, muy poca tiene el privilegio verdadero de tener este altavoz. No sé cómo te autopercibes a ti, pero al menos yo sí te veo apegado a la realidad en cierto punto. Como todo humano, caemos en ilusiones. Cuando empecé con mi proyecto muy rápido le empezó a ir chido y de pronto ya era aceptado socialmente. Antes era este vil mortal y de la nada ya no lo era. Es una cosa que naturalmente nos atrofia, pero es súper normal caer en esa ilusión. Al final, no todos tienen ese privilegio y nadie nos enseña tampoco cómo manejarlo.

Juan Cirerol: Exacto, exactamente. Yo por eso valoro mucho las interacciones con los músicos que se me presentan. Porque sí, pasé muchísimo tiempo aislado. Entonces mi autopercepción se basó en la fantasía de la fama. Yo veía esta ironía de que sí me conoce muchísima gente. Y es muy raro porque mis números son muy pequeños o relativamente. Pero a lo largo de mi carrera conocí mucha gente... Yo creo por el apellido, porque el apellido es muy fácil que se te quede. Entonces la gente sí me percibe como alguien famoso. Es raro porque como yo lo digo a veces, es fama con pobreza. No lo digo por quejarme. Me refiero a que es un tipo de fama que no se compagina con el poder adquisitivo. O sea, mi poder adquisitivo es bajo, como el de un profesional normal. Como cualquier buen mecánico. Tengo los ingresos de un buen mecánico o de un técnico de refrigeración. Estoy acá entre los dos mundos. Está locochón eso. Porque si yo tuviera la feria como para ser famoso, a lo mejor ya estaría más sano, ¿no? Entonces, así me autopercibo, ¿no? Finalmente logré pasar la fantasía de la fama y luego aterricé machín. Cinco años chambeando así en otras cosas. Aterricé en que soy una persona normal, que a todos les valía si estaba chambeando. Entonces me ayudó mucho trabajar en otra cosa, a valorar los boletos de los fans. Un fan se batalla un chingo en ganarse el boleto de 300 o 400 varos. Es buena parte del sueldo de una persona. Empiezas a valorar, y entonces ya cuando llego a tocar, llego en ese patín, y digo: “que chido, me siento agradecido”.

Ed Maverick: Hasta cierto punto, con todo y las bajadas o lo que sea. Está bien verga que eso también te hace consciente de la posición de cada quien. Y principalmente, creo que esa es la prioridad de tu posición también, ¿no? Eso te ayuda a entender dónde estás parado. No te pone nada más en un patín ilusorio o fantasioso. Dices que si estuvieras en una posición más privilegiada por así decirlo, probablemente serías más sano. Pero eso nada lo asegura realmente.

Juan Cirerol: Probablemente estaría más sano con lo que ya he aprendido ahora. Siento que si logro llegar a este punto de poder ser famoso sin necesitar estar metido de gira todo el tiempo. Si dejo eso para los ratos en los que yo necesite hacerlo, sin la necesidad de agarrar un billete para la casa, siento que estaría mejor. Después de haber pasado por todo lo que he pasado, siento que estaría más sano. Si a lo mejor no hubiera vivido lo que viví en los años pasados. La verdad que bueno que me pasó, porque me bajó wey. O sea, sí me ayudó a bajarle de huevos, porque sí era un ojete. ¿Sabes? O sea, sí tenía una manera de actuar... Bueno, no era malo. Nunca fui malo con la gente. A los que trabajaban conmigo sí les pagaba su lanita. Era buena persona, pero sí era un patán total. Estaba sumido en una dinámica donde me creía Bukowski. Me sentía maldito como Kurt Cobain

Ed Maverick: Como que te vas adaptando, te integras a la realidad con los bajones, como que los bajones justo te aterrizan. Pero también está chido que no pierdas esa realidad y que la transformes o la veas no tanto desde el ser, desde el ego, sino desde la ternura. O sea, por decirlo de una forma: “yo soy y yo integro todas estas cosas”. Y no visto de una manera soberbia, sino como decir: “las cosas dependen de mí y yo dependo de esas cosas, también depende de la gente, la gente depende de esto, el show depende de la gente, pero también ellos dependen del hecho de que yo haga música porque soy una figura importante en sus vidas, porque me he vuelto el soundtrack de las personas, por así decirlo, y eso está bien lindo”.

Patricio Malagón Siento que muchos de Siento que muchos de los vicios de la industria cultural en general se manifiestan ahí en la Ciudad de México, está muy centralizado todo. La gente es muy escenosa y, a veces, muy egoísta…

Juan Cirerol: Yo sinceramente difiero un poco con tu idea, con todo respeto. Sinceramente, lo que yo he visto en la Ciudad de México, que es, digamos, el punto neurálgico de las artes en México. Sí, junto con Guadalajara, junto con Monterrey, pero más la Ciudad de México. Yo no siento tanto eso, la verdad. O sea, sí cuando yo estaba en la Ciudad de México hubo un momento en que la soledad me tumbó toda la energía mental, ¿sabes?

Patricio Malagón ¿Viviste allá?

Juan Cirerol: Yo viví allá del 2010 al 2017. Entonces, sí, en la Ciudad de México si no estás preparado para la gente que te encuentras, la competencia es muy dura. Me llegué a encontrar artistas... Yo no soy competitivo. Aunque sí tiraba una onda, como de destrucción y todo, pero como con la ternura de no ser competitivo. En la Ciudad de México te encuentras con gente que lamentablemente quiere llegar a ponerse al tú por tú y a ver quién la tiene más grande. Es complicado porque ya muchos años después, cuando empecé a trabajar en refrigeración industrial, me di cuenta que había gente que iba a querer competir conmigo y me sentí muy desalentado porque dije “puta, o sea, en todos lados van a querer competir”, y yo cuando compito soy así de que desgarrado pues. Porque no me gusta. Entonces soy así como de que “te voy a hacer mierda”, ¿sabes? Al grado de la violencia. Me ponía de esa manera porque yo no soy competitivo. Entonces es una ironía que al no ser competitivo, cuando me encuentro entre gente que trae una onda muy complicada me pongo así. Porque neta yo soy bien cero pedos, como tengo un talento grande, y lo reconozco, entonces yo no tengo pedos. Yo gano mi lana y me voy a mi casa a drogarme, ¿sabes? Es lo único que yo quería, wey. Pero ya con la mente débil, debilitada por la droga, llegaba a estos ámbitos en los que la gente pues tiene una intención de sobresalir y entonces se la quieren medir conmigo, ahí es cuando yo me ponía violento. Pero bueno, a lo que quiero llegar es que la Ciudad de México a mí se me hace un lugar muy noble, que la gente es muy a toda madre en esencia. Desde que llegué en el 2009, era gente muy noble, muy cálida. Muy culta. ¿No? Para mí era de ensueño antes. Y lo sigue siendo ahorita que voy. Acabo de volver hace dos días. Es un lugar de ensueño para mí. La Ciudad de México tiene una magia muy interesante. ¿Tú que sientes de eso Ed?

Ed Maverick: Pues a ver, es que yo, la neta soy de una ciudad muy chiquita. Aquí, por ejemplo, tú puedes estar más en la frontera y estar más abierto a ciertas situaciones sociales, ¿no? Mínimo tienen malls o cosas así. Yo estoy en una ciudad bien chiquita, wey, o sea, no hay esas cosas. Lo que se hace los fines de semana es pistear, pistear y pistear, hasta que uno crece y solamente ha hecho eso y trabajar. Y entonces caigo a la ciudad y para mí sí es un deslumbre. Siempre digo que es como ir a Hollywood, pero en vez de que se haga American Pie o películas así, en la Ciudad de México hacen La rosa de Guadalupe. Topas lugares súper familiares por la tele. Para mí sí es como muy cerca, entonces me siento más ajeno. Y en la cuestión de la industria, pues estoy en ese mismo trip, ¿sabes? O sea, al menos yo sí soy más inocente. Si se querían pasar de verga conmigo, pues no me importaba. Ahorita ya estoy un poco más en mí, en mi firmeza de quién soy, qué me interesa y qué no. Hasta con compas que tenía, había una pesadez de la verga y pues yo lo dejaba pasar. Y no era como competir conmigo, no era competitivo, más bien en mi caso era un narcisismo involuntario. Todo el mundo te está buscando todo el tiempo y todo el tiempo estás rodeado de gente que te está pidiendo cosas. Y entonces como que se vuelve un performance de los personajes. No es tanto una conversación de quiénes somos, sino de qué significamos, y se vuelve una pinche burbuja todo el tiempo de farándula, independientemente de si es un nicho en el que estás o de si estás en las big leagues. Porque a mí me tocó siempre estar en las dos y me gustó mucho estar en las dos. Me gustó más estar en el nicho, la neta, porque es donde justo se mantiene más esta realidad, de saber quiénes somos en vez de qué significamos. Y en el otro lado, pues era más frío el pedo todo el tiempo. Y está chido porque hay gente que sí empata con eso y por eso lo respeto y no soy tan absoluto al decir que no significa nada, porque para alguna gente sí significa algo, pero es más capitalista y eso a mí no me llena la neta.

Juan Cirerol: Sí, de hecho yo pensaba mucho en ti, no seguido, pero sí de vez en cuando, al igual que como pienso en ciertos actores que sigo, inclusive hasta en Alfredo Adame. De repente voy en el carro y digo pobrecito cabrón, deberíamos internarlo. Me va a llegar a mentar la madre, ¿no? Pero bueno, cuando empecé a ver que las redes sociales estaban abriendo, cada vez más, la vida privada de las personas, o digamos estos pequeños detalles del pensamiento de la gente que se escapan a través de un podcast de una hora. Que tienen a la persona ahí sacando todo su inconsciente, ¿sabes? Tras, tras, tras, tras. Está bien loca la terapia que te meten los podcast porque sacas tu inconsciente. Es bien peligroso eso. Luego de ahí hacen los reels y los tiktoks. Pero va a quedar la sesión completa, ¿sabes? Entonces por eso yo la pienso machín en los podcasts, me da mucho miedo ir a un podcast, porque digo me van a terapiar todo el inconsciente. Cuando te conocí te vi como una persona con mucha conciencia, de mucha benevolencia consigo mismo y con las personas y de una entereza. De unos valores muy bonitos. Mucha gente cuando trabajaba en la fábrica barriendo, me decía “wacha, el Ed Maverick te está copiando” y yo les decía “no, así se hace la música”. Yo le estoy copiando a Johnny Cash y nadie se da cuenta porque sé cómo copiar. Yo sé cómo se debe copiar para que nadie se dé cuenta que estás copiando. Luego agarro corridos que la gente muchos años piensa que yo compuse, como “Se vale soñar”. Haces tuya la canción de cierta manera. Entonces me sentí muy orgulloso la verdad de que el Maverick me mencionaba en sus entrevistas porque yo me sentía acá, como el Obi-Wan Kenobi, así como en espíritu. Yo estaba barriendo una fábrica, así como un viejón. Yo me sentía orgulloso y me acuerdo una vez que estaba con la mota, o sea con la mota para barrer, y estaba barriendo acá y me acuerdo que estaba escuchando tu canción y pensaba: “¡Qué perrón!” Y llegaba uno de los ingenieros de producción y me decía: “wey te robó”. Y yo así de: “No, carnal, es que así se hace la música”. Te influencias en un músico, sacas un corte de lo que te gusta y luego lo haces tuyo. Es así. Y entonces les explicaba y ya comenzaban a entender. Me sentí muy contento de al menos estar relacionado con artistas que practican la conciencia, inclusive a lo mejor quién sabe si ya lo hacías desde antes de haber hecho el Mix pa’ llorar en tu cuarto. O sea, si habrás pensado o si lo habrás premeditado de tirar esta consigna de conciencia. No necesitas tomarte una foto conmigo. No necesito ser complaciente con el público. No, escucha la rola. Si te gusta, víbrala chingón. Es algo que entiendo perfectamente, yo nunca he negado una foto porque yo todavía estoy en la etapa de obrero de la canción, como siempre me supe. Yo soy muy admirador de Miguel y Miguel, que eran dos músicos que venían a tocar a tu sala. Entonces esa fue mi escuela y pude ver a Miguel Montoya cantar en Culiacán. Mi escuela fue como ser el obrero de la rola que te va a tocar una rola gratis si se lo pides. Esa era mi onda. Yo todavía tocaba de a gratis. De a gratis en donde fuera. Y esa es la misma onda si ahorita me dicen. Esa ha sido mi perspectiva de conciencia, osea, la humildad. Eso es lo que podría comentar en general también pegando con el comentario de la Ciudad de México. Es el epicentro de las artes acá en México, es un lugar muy bonito y todos aquellos que lleguen a competir pues se les exhorta, si tienes talento la cuajas. Y hablaba con otro compa de que si eres medio mamador pues vas a poder ser muy popular, pero tu música no va a ser tan buena, ¿sabes? Como lo que comentabas de las personas que están como en constante performance, ¿no? Sí las hay. Sí las hay. Pero yo creo que hay que compadecerlos y ayudarlos a que realmente hagan esto que yo siento y que creo es desde adentro. Es un trabajo interior de sacar pa’ afuera. Quién sabe si haya una diferencia entre ser mamador o no serlo. O sea, yo no siento que sea un mamador como tal. Hay muchos en el DF y en todos lados. Pero nunca he sido yo el encargado de criticar. O sea, a pesar de haber sido el principal criticón, yo estaba en mi performance de ser enfadoso, de ser chico malo y pues, ¿pa’ qué? Porque no me ha dado nada de lana. No me ha dado nada de lana ser enfadoso. O sea, ahí está Donald Trump, o ahí está Alfredo Adame. A Alfredo Adame yo pudiera abrazarlo y decirle: “carnal”. Le caería bien, porque yo no le estaría diciendo nada de lo que le han dicho. Le diría: “wey cáele, siéntate a comer algo”. O sea, tranquilo. A una persona que está tan adolorida como Alfredo Adame hay que abrazarla. Bueno, a mí me ha abrazado la gente, ¿sabes? La gente me abraza y me cobija consigo porque yo me reconozco como una persona que tengo problemas psicológicos. Entonces, yo agradezco mucho que las personas me apapachen. Que realmente me comprendan, que me tengan empatía. Lo digo por mi mánager Edwin, por su novia Bianca, por mi mamá, mi familia, amigos. A veces dudo un poco de mi poder artístico, o sea del poder, de lo que tú puedes exteriorizar y hacer que suceda algo en el público. Porque hay artistas que lamentablemente, por más que lo intentan, no logran conectar. Entonces lo que me queda claro es que sí he logrado conectar con el público. Me siento orgulloso de que acá en el noroeste podamos, quizás en una medida muy pequeñita, inyectar algo de lo que traemos de acá, que es algo muy similar. O sea que la gente de Chihuahua y de aquí Baja California, Sonora, Sinaloa, son muy similares, al igual que la gente de Coahuila, Nuevo León o Tamaulipas, ¿sabes? O sea, son gente norteña de allá y nosotros somos gente norteña de acá. Y luego Ciudad de México, El Bajío y Puebla parecen otro país. Ahí está la multiculturalidad de México. Entonces sí hay una frontera muy importante entre lo que hacemos acá y mandamos pa’ allá, porque lo tenemos que mandar pa’ allá pa’ que rebote hacia otro lado. O sea, lo que se le respeta mucho a México, a la Ciudad de México, es eso que tiene la capital, el empuje. Del centro empujas pa’ todos lados. Y claro, porque yo cómo me iba a imaginar que yo te lograba conocer si no me iba para allá, ¿no? O sea, ahora tú conoces mi música gracias a que yo me fui en el 2009 y estuve interactuando con mucha gente allá, que luego me hizo famosos dentro de la ciudad, ¿no?

Ed Maverick: Yo creo que iba un poco hacia la descentralización. Sí llevamos todo para allá, pero también estamos haciendo cosas chidas desde la base, ¿no? Yo siento que eso es parte del futuro de la cultura, al menos en México. Y no sé también tú que piensas al respecto, porque también creo que está bien chido jalar desde la casa. Yo siento que sí es bueno ir a la Ciudad de México ahorita que tenemos esa pregunta en el sentido de negocio. Es perfecto. Se arma. Y lo digo en mi experiencia personal, pero también veo que concuerda con esas experiencias de otra gente. Pero la verdad si está pesado tener que caer justamente al Hollywood mexa para rebotar todas las cosas. Y no tiene nada de malo en el sentido territorial, porque no se trata de eso, sino en el pedo de que las oportunidades pudieran estar repartidas hacia afuera o hacia todos lados, en vez de estar concentradas en un centro. Yo siento por mi parte, que fuera de mi proyecto puedo hacer cosas que permeen y que puedan apoyar, y que puedan ser como esa misma cadenita que alguien más hizo conmigo. La persona que grabó mi primer disco, no me cobró nada más que las cheves y los cigarros, y a veces hasta me andaba prestando para pagar los camiones para ir a Delicias. Y ahora que tengo la capacidad y el poder adquisitivo, continúo con esa cadenita con otra banda que también está tratando de cumplir su sueño, porque sé que eso funcionó y porque sé que si lo hago yo también va a funcionar. Y de eso se trata. Y ya no es tanto como cargar un estandarte de que vamos a revolucionar todo y vamos a hacer que se descentralice. Es algo colateral. Es una consecuencia del instinto, de seguir el sueño de los otros, de la empatía también, de la conciencia y de saber que no somos y no están los demás. Esa es la manera en la que sacamos esa rachita justamente para quitarles la molestia a los próximos artistas de tener que ir hasta allá, ¿no? Y pero también está esta otra parte de las esencias, de las ideas y de las cosas, de la cosa que está como grande y predominando. Y siempre ha sido así. Yo siento que Chihuahua, Hermosillo, Tijuana, Mexicali, Culiacán, tienen una energía específica y que tiene que ver con lo sociopolítico o lo económico también de las ciudades en las que vivimos. Pero no solo es crear oportunidades, porque no solo se trata de eso. Siento también que son las ideas, y es lo que tú decías ahorita, o sea, tú has influenciado también en la cuestión de ideas. No todos necesitamos ser agentes de la industria para poder dar algo ¿sabes? Al final yo escuché, La ofrenda al Mictlán, y ahí fue como... Y vi tus shows en vivo y entrevistas y demás, y era como oye, “a ese wey le vale verga”, y no en ese sentido necesariamente como en efecto “me vale verga”. No en ese sentido irresponsable de plano, no importa eso. Más en el sentido de estar aterrizado y mostrar la realidad de uno mismo. Y yo nunca había visto eso en nadie. Si acaso en artistas de antes, pero por el hecho de que eran como super famosos, de todos modos se veía como una cosa ahí súper mística y contigo fue como de que neta sí podemos ser nosotros mismos allá afuera y no necesariamente tenemos que estar tripeando toda nuestra vida atrás del escenario.

Juan Cirerol: La primera disquera que tuvimos se llamó Vale Vergas Discos mencionada por Brozo. Gracias a Dios que nos mencionaron en Brozo, y luego dijo no se les vaya a antojar. Te juro que yo nunca tuve que hacer el performance. O sea, yo siempre llegué drogado, y sano, así como “Buenas tardes, ya soy músico y no te necesité”. O sea, sí era muy osado, ¿sabes? Yo actualmente no pertenezco a la escena del DF. Yo nomás llego y digo “dame tu dinero, y ya me voy”. Soy como un tejón que llega y le roba la comida a los gatos de tu casa, ¿sabes? Instalamos la carpa y nos vamos. Y eso es parte de la marca del noroeste. Obviamente no pude llegar a los esquemas más altos de la industria porque me pusieron un alto. Me dijeron tú de aquí no pasas, no sé quién fue. No me gusta pelear solo con amigos imaginarios, porque hasta ahorita todos mis amigos, toda la gente me quiere un chingo, nada más que dicen “cuidado con Juan, no vaya a andar mal”, ¿sabes? Entonces como no ando mal. O sea, por eso se me hizo este pinche vicio personal, o sea, defecto de carácter de que “hola, te anuncio que estoy bien, ¿podemos trabajar?”. Y lo he hecho con gente de aquí o gente de allá, se me hizo un vicio. Conlleva sus consecuencias el llegar como pirata con ron a querer cosas que no te pertenecen. “Juan Cirerol irrumpe” se mencionaba en las notas viejas. Y una vez estaba bien pegado en la casa y me clavé con esa palabra: “irrumpe”. Estoy irrumpiendo. Y me dolió mucho. Estaba en mi casa de Iztacalco. Realmente estaba preocupado porque “irrumpo”. ¿Pero por qué irrumpo? Y neta me causaba un escalofrío en el pecho y decía, si yo nomás quiero hacerme el payaso. Porque yo era un payaso, ¿sabes?

Patricio Malagón Creo que es un poco a lo que me refería, no tanto para tirarle hate a la Ciudad de México. Yo también la quiero mucho pero ahí hay una cosa como de querer limpiar todo... Y bueno, no está mal irrumpir. O sea, no está mal que llegues tú con quién eres tú a tocar y a hacer eso, está chido. No tendría por qué estar mal si eres el músico maldito, el músico vanguardista eres tú, ¿sabes? Y eso está chido y estás trayendo todo lo que vives acá y todo lo que es acá.

Juan Cirerol: La maldad que a mí me gusta profesar es como una maldad chistosa, ¿sabes? O sea, como de chiste performático, es como cómica. Es una rutina cómica, wey. ¿Sabes? Todos se creyeron la rutina cómica de Paco Stanley con Mayito Bezares. Era una rutina cómica, wey. O sea, ese wey neta no humillaba al cabrón. Pero es que el arte, irrumpe en la realidad. Hay que tener mucho cuidado porque el arte transforma la realidad. Entonces la esposa de Mayito realmente decía: “Deja a este cabrón porque nada más se está burlando de ti”. Y es como wey, somos dos putos comediantes, ¿sabes? Y Mayito sigue siendo ese comediante. O sea, hasta ahorita nomás no tiene al wey que lo patinaba. Eran dos comediantes nada más. Entonces yo lo veo desde esa manera porque me ha tocado trabajar sobre esa línea de transformar la realidad, al menos en mi nicho. Y yo soy un artista de nicho underground, pero neta que la banda me tuvo que decir, a mí toda la gente que me oye me tuvo que decir “no Juan, acuérdate que estás actuando”. ¿Sabes? Me tuvieron que decir acuérdate que es un acto, wey. Tú no eres malo. Tú no estás haciendo nada malo. O sea, tranquilo. Ve y toca. Y yo así como temblando, wey. En mi caso, a mí fue al que más le afectó mi arte. Pero hay veces en las que los artistas son aún más chingones y afectan la realidad hacia afuera.

Patricio Malagón ¿Es como que el personaje se convierte en ti o algo así?

Juan Cirerol: Exacto. Sí. Entonces es lo bueno de gente como Ed o Bratty, que es tremendamente famosa y no se inmuta. Ojalá que nunca le afecte. Ella transforma la realidad desde aquí, desde ella para afuera y causa a lo mejor buenas cosas o lo que quieras. Fíjate que me da mucha curiosidad que los artistas más famosos o digamos de corte comercial, son los que tiran una vibra positiva, ¿no? Y eso incluyendo tu disco, ¿no? Que es como para llorar en tu cuarto. Es como un pequeño sarcasmo de una canción de mucho amor. De mucho amor así exacerbado en el cual, que pues le estás dando a la persona. Desde acá adentro, ¿no? Que sean reales, causan efectos bien importantes en la gente. Utilizar las palabras correctas en una canción es muy importante. Y tú utilizaste todas las palabras correctas en ese disco. O sea, ese disco, a pesar de que no lo vayas a tocar, o sí lo vas a volver a tocar en algún momento, de principio a final está bien confeccionado. Y eso nadie te lo va a quitar. Es un disco perfecto y está grabado bien. Es una cosa increíble. Lo que lograste con tu disco es impresionante porque, lograste que se le llame disco. Un disco acústico.

Entrevista: Ed Maverick
Fotografía: Patricio Malagón
Introducción y edición de texto: Ed Mayén

frontier; sustantivo, significa frontera. segun el merriam webster:

: una frontera entre dos países

: una región que forma el margen de un territorio poblado o desarrollado

: una línea divisoria entre cosas diferentes u opuestas

───────────────────────────✧˚༄

sleaze; sustantivo, signfica sordida. segun el merriam webster:

sleaze se refiere a una cualidad, comportamiento o atmósfera sórdida, vulgar, corrupta o de baja calaña, frecuentemente asociada con la inmoralidad, especialmente en política o negocios

Como persona que va y viene entre Tijuana y San Diego, dedico mi día a día a tomar fotografías de la comida deliciosa que se expande por ambos lados del muro divisor del norte global. La mayoría del tiempo, diría que la comida sabe mas fresca en TJ que en SD por temas de ingredientes y sazón, pero es verdad que en San Diego puedes encontrar un rango de ingredientes mas amplio (pero en sabor estan acomedidos al público americano. Que suele preferir todo más desabrido o dulce).

En cuestiones de navegar dos ciudades completamente opuestas, me considero nativa Tijuanense y exploradora San Dieguina. Pensé siempre que estaba agringada pero me he dado cuenta que soy de la región Tijuanera. La ciudad de la furia, el paseo inmoral, el cruce a los yunaited y una tierra desechable. Hay un contraste fuertísimo entre la ciudad mas tranquila y costera de California y la ciudad más peligrosa del mundo en la frontera mas concurrida de la Nación Mexicana. Dos opuestos, pegados el uno al otro. Me causan un conflicto político interior. Navego las ciudades desde la curiosidad y disfruto el sleaze. Lo sucio, lo mal pintado, lo grosero y lo tumbado.

ദ്ദി(˵ •̀ ᴗ - ˵ ) ✧

LOG PILOTO DE FRONTIER SLEAZE:

lunes 12 de enero 2026.

Me han invitado a participar en la Cynthia. Me he ido a comer tacos al vapor al centro en la avenida Revolución en el clásico lugar “La Especial” Icono del toreo y los tacos al vapor en TJ.

Comí estos tacos pensando en que tengo que volver después a entrevistar al señor amable que atiende para esta columna.

Estos tacos son 10/10, pero les debo la foto de los tacos. Me los zampe. Tengo foto de los sides que te dan.

martes 13 de enero 2026

Mi amiga Arianna y yo, fuimos a comer a Ediciones Caradura Cafeteøria. Una cafetería/sitio para comprar e imprimir zines. Pedimos los chilaquiles con marlin, la sopa de tomate con grill cheese y unos tónicos de naranja. Aquí les dejo la foto. El marlin estaba ahumado y estaba perfecto sobre la salsa de tomate. Personalmente me hubiera gustado que mi comida estuviera hirviendo pero creo que todo es armado rápidamente en la pequeña cocineta que tienen, y aun así logran tener un gran sazon y detalle.

8/10 No seras decepcionado por este lugar, pero tampoco esperes la rapidez ni profesionalismo de un restaurante o puesto de comida. Este espacio se dedica al papel, a los libros, pero, logran tener un gran ménu accesible y delicioso.

miércoles 14 de enero 2026

Despues de discutir toda la mañaNA con mi mama y mi hermana sobre donde íbamos a desayunar, y dar vueltas en el carro por 40 minutos en Playas (es una colonia que atraviesas en 15 minutos, no había necesidad de dar vueltas por cuarenta), las convencí, a malas caras, de comer en el puesto de Burritos el Panchito, burritos estilo sonora (NO PECHERON NI COSAS CONTEMPORÁNEAS, BURRITOS REAL SONORA VINTAGE) y tacos dorados de puerco. Me pedí dos tacos dorados, un burrito de machaca de sonora y una horchata con refill. Desde que tengo recuerdos, existe este lugar. Me llevaba los burritos de lonche al kinder. Los tacos los preparan entre 12 pm y 1 pm. Por supuesto que al empezar a comer todas teníamos sonrisas en nuestros rostros. Es un sabor de mas de 20 años playense-tijuanense-sonorense.

9/10 , los burritos saben como og Sonora y los tacos tiene un crunch que te cagas. No es un 10 porque se les habían acabado la ensalada de nopal con tomate que me gusta mucho y el agua-mole.

lunes 19 de enero 2026

Tianguis de los lunes de Playas de Tijuana. Queda a una cuadra de casa de mi ama. Me levanté con hambre y me fui directamente al tianguis, ya sabes, dicen que entre menos arreglado te vayas mejor. Mi mama se habia quedado en casa terminando unos pendientes y mi hermana y yo nos le adelantamos. Esta imagen de los cortes de pelo son de un pequeño camper-barberia que ofrece su servicio en el tianguis. Yo me haria el 9 de la imagen izq y el 2 de la imagen derecha. En fin. Me atreví a comer estos tacos que estan en la imagen de abajo. Creo que es lo peor que he comido en un ratote. Tacos de canasta grasosos, secos, y con sabor a manteca. Los tacos de cabeza con una consistencia asquerosa e igual, mantecosos.

Es mi culpa. No debí comer donde no conocía. Pedí dos de canasta y uno campechano sin salsa y me dieron 2 de cabeza y uno de canasta con salsa. Cuando el mesero me reitero mi orden, me la dijo mal, lo corregí, y me la volvió a decir mal, a la tercera vez me rendí y lo deje que me diera lo que se le hinchara la verga. A veces intento fluir, pero este no era el día.

SIMPLEMENTE… No pude terminarme ninguno de los tacos y la salsa que tenían era super picosa pero no tenia nada de sabor. Por mas limón, sal y rabano que intente echarme no podía. El agua fresca fue lo único salvable.

2/10, pésimo servicio, pésimo sabor, y calidad. Todo me supo a animal muerto. Tu sabes que me fue mal en el baño.

Para salvar mi paladar, comí unas gorditas de chicharrón, pero, antes de regresar a casa, compre 85 pesos de chicharrón de pork-belly, osea, esencialmente carnitas. Como pueden ver no le temo a la vida y como del tianguis. Y ya en mi casa, por la tarde, hice una salsa verde tatemada, y ahí encima le avente el chicharrón/carnitas desmenuzado. Mi mama tenia una olla de frijoles negros y decidí hacerme dos tipos de tostadas. Carnitas en salsa verde, con rabano, cebollitas curtidas y chingos de limón, y tostadas de frijol negro con ensalada de nopal y pico de gallo y chiles serranos. Las tostadas son de ajonjolí, y mi mama las compra en el abarrotes a la esquina de la casa. Son una joya. Se ven muy fresas pero la neta no las he visto en los supers para la gente pilates-oldmoney-iphonesinfunda.

7/10, delicioso, pero creo que puedo mejorar la receta de la salsa verde y haber calentado los frijoles. El tiempo de cocina de esto fueron 40 minutos. Y avente todo en frío. Últimamente no puedo pasar mas de una hora en la cocina o me desespero.

domingo 1 de febrero 2026

Dos de mis amigos acuarianos cumplieron años y decidimos ir a comer al renovado Café LAT 32. Siempre ha sido un café estilo mom-and-pop-shop, pero lo han cambiado con una onda nueva mas hipster con un cerveza artesanal, mezcal y pop-ups de comida. Esa día tenían tiraditos y tostadas de mariscos. No estoy segura si es el menu habitual o si ese era temporal.

Estaban muy ricas, opte por dos tostadas de atún . Mi amigo de la primer foto pidió una de camarón, también sabrosa, solo que los marinados estaban muy enchilosos. Tenían pepino persa y mucho aguacate. acompañadas de limón amarillo y salsa macha. Sinceramente me dieron agruras. Era alcohol mas marinados mas salsa. Yo me tomé dos cubas de mezcal.

El local esta en el malecón mas feo de todo México, con la playa atravesada por los dos muros estadounidenses. Top playas contaminadas del país por cierto.

Este es un pedillo mas hipster, con plastilina mosh de fondo, califico el menu nuevo de este cafe que me vio toda la vida como un 7/10 . No es mala pero tampoco diría que es un diez. Creo que en Ensenada encontrarías las tostadas superiores.

Me despido desde este rico capuccino del café Aether en la zona centro.

Sometime in the late 1980’s in Sinaloa, Miguel Angulo met Jose Miguel Montoya, the two started a group, the mythical Miguel y Miguel, and decided that their songs sounded better played on both a steel 12 string guitar and a standard steel 6 stringer. Miguel y Miguel would go on to release over a dozen albums to much acclaim, influencing countless players after them to pick up a 12 string and chase the same full bodied sound, the same flowery play style, and lean vocals. Among their devotees was a young boy from Guamuchil, Jose Ariel Camacho Barraza, soon to be known to the world as Ariel Camacho, the king of hearts, the farm boy bard with the old soul. He would name Miguel y Miguel as chief inspirations any chance he got, citing their play style, and their use of the 12 string with the ornate rasgueo, as an incalculable influence, covering many of their songs, himself becoming a towering figure in regional music, before being cemented into legend by his untimely passing. He had done more than enough. Miguel y Miguel had brought in the 12 string and Ariel Camacho took it to its zenith. Therein lies the genetic code of the swagger that is summoned by today’s regional and corrido stars as well as the origins of some aspects of its sound.

Another of these important historical moments in the creation of that sound, in particular the powerful and now ubiquitous counter tempo slapped acoustic bajoloche intertwined to a similarly played 12 string guitar y harmonia, can be traced back to Phoenix, Arizona and the formation of the three man group Arsenal Efectivo. Francisco ‘Shrek’ Rodriguez, Javi Bojorquez, and Francisco Alfonso aka Poncho created from their influences a style they called trap corridos that pioneered this raw sound and its more urban indebted aesthetics and subject matter. Like Miguel y Miguel, Arsenal Efectivo are progenitors, and undersung ones at that. They pulled from the milieu of their environments, their experiences, and inspirations and correctly conjured the future sound. This play style and prowess was present from their first release, En La Fuga, and through Arsenal Efectivo’s artistry they helped create and cultivate the seeds that would later bloom into corridos tumbados on the world’s stage and take the sound further than it had ever been, through the likes of Junior H, Natanael Cano, Peso Pluma, Fuerza Regida and the like. A cover of their song ‘Platicame De Ti’ is an early Natanael Cano highlight, and they garner respect and reverence from the deep heads, major players, and aficionados of corridos and regional. Kanye scrapped a Bad Bunny verse and replaced it with Peso Pluma, Belinda is on the charts with Nata, and Drake is kicking it with Chinito Pacas. Touches of Arsenal Efectivo’s style are everywhere, and regional is bigger on the map than ever with no signs of that changing any time soon. Whether they get the props they deserve or not, whether they even care to seek this out, we owe a lot of this progression and transcendence, as well as any future Ariel Camachos it might inspire to the boys of Arsenal.

After a go at the big leagues (Rancho Humilde) and a lull and regrouping, Arsenal Efectivo are still going strong, working on songs, playing shows and most importantly returning dutifully to their home soils to sow some more seeds. Shrek has his DDM label operating out of California, weaving MPC’s and 808’s into his signature corridos. Poncho and Javi, besides making their own music, are mentoring and cultivating artists from the Phoenix area on their own Mala Fama Entertainment label. We spoke to Poncho about Arsenal’s legacy and influence, keeping live instrumentation alive in the information age, and what it’s like running a label. Esto es cosechar, hijo.

Eric Hernandez: What’s up Poncho? Ay just wanted to say I’m a fan of the music and the group, and beyond that, that I know y’all had a lot to do with what’s big now, in making the sound, the play style and the flourishes and the strumming patterns and aesthetics. Just wanted to give ya’ll some deep props for that. Poncho: Thank you. Eric Hernandez: And I guess that’s my first question, do you guys feel you’re underrated? Or do people know how much y’all shaped the music that is on the top of the charts? Poncho: I feel like the mainstream doesn’t really give us the credit, but most of the musicians, they know, whether they give us the credit or not that’s a different story. But a lot of the top musicians they know, like Peso Pluma, he knows. He was a fan of our music before he blew up. Natanael Cano, Junior. Natanael has covered our songs.

Eric Hernandez: Yeah he did ‘Platícame De Ti’ right? That’s a big time romantica, quinceañera song type shit. Dedicate it to your girl type shit. Poncho: Yeah Natanael did a cover, a lot of people think it’s his but it was our song. Eric Hernandez: Do you get stuck on that, is it enough for y’all for the ‘real heads’ to know? Are you satisfied with that niche recognition as opposed to widespread recognition? Poncho: Well I don’t to be honest, I don’t know about the other guys but I definitely don’t. But at the same time it’s also kind of our fault, we haven’t put music out, you know you got to put stuff out to stay relevant. No matter who you are, you got to put stuff out, especially now like with social media and everything, everything moves so fast. You could be hot one minute and the next minute nobody knows who you are, you know? It’s not people’s fault that they don’t really know who we are. So it’s kind of our problem, you know? Not really the fans’ or other musicians’ fault. But for sure the wave was kind of started, a lot of what’s going on right now is because of us, our influence. The way they dress, the way they play, the bajoloche, everything like that.

Eric Hernandez: Do you feel like people in Phoenix really fuck with ya’ll, are they really loyal to ya’ll like hometown love type deal? Poncho: Ah not really to be honest. I feel like people here, I don’t know, I never felt the love as much as like say like in Texas you know? We got a lot of love from Texas. California, too. We got a lot of love from California. I feel like here it’s a different scene, here people are more into the narcocorridos from Mexico. Singing about the cartels and stuff like that. Even though we sing about some stuff like that too, but not as hardcore as like…Edicion Especial or some of those groups from Culiacan. That’s more what people listen to in Phoenix. Unless you’re a younger kid who is just getting into the scene. The majority of people here listen to like, Los Nuevos Rebeldes, Edicion Especial, Marca Registrada, all those Culiacan groups. We don’t get that love that much here. Eric Hernandez: I don’t know why it’s always like that haha. Hometowns always wanna act like they don’t know you. Poncho: Yeah yeah, you’re not the hometown hero. I mean’ don’t take me wrong, we do get love for sure. But just not as much as in other places.

Eric Hernandez: You said Texas fucks with yall? Poncho: Yeah yeah Texas for sure, Atalanta, Texas. Even people in New York. The fans we get over there are hardcore, we don’t really have those fans here [in Phoenix]. Eric Hernandez: Yeah cause the aesthetics, it was like leaned out Southern stuff, more like hip hop, and mixing it with rancheras, regional? Poncho: That was Herencia, they’re the ones that started singing about lean and stuff like that, because of the hip hop. But also, they themselves have said they sing trap corridos, it’s a similar style, they also use the bajoloche, and dress a certain way, so it’s kind of like, same style almost.

Eric Hernandez: I know in the zone it’s huge, but how did you get into regional? Was it something you listened to growing up? Your family? Poncho: For me, it’s pretty much what I’ve listened to my whole life. That’s all I’ve known. My parents would listen to Chalino, Ramon Ayala, Joan Sebastian. The typical regional Mexican music. Eric Hernandez: Ya’ll fuck with Tito Torbellino?

Poncho: To be honest I personally never really listened to him much, I know he’s from here, he came out of here, but I never really listened to him. A lot of people around here really do like him. That’s something they listen to a lot. Eric Hernandez: I feel like he’s similarly underrated. His drummer and his bassist go super hard. I feel like that’s how y’all are, the songs are hard but the playing is underrated, the inventiveness of it. You play the requinto in the band or a 6 string? Poncho: I play guitar, harmonia. A 6 string.

Eric Hernandez: As far as writing, you guys make harmonies or does Shrek write the harmonies? Or is it more of a group effort? Everybody pitches in on topics and lyrics etc? Poncho: Yeah for sure it’s more a group thing. I know Arsenal would not be Arsenal without the three of us, each one adds their little sauce. For us that’s how it is, even with writing, I helped Shrek write a lot of the songs. That’s probably what made the group the way it is, that it was more of a group thing we all did together.

Eric Hernandez: You all feel you have the juice again? Ya’ll gonna try to get back into it and pop off again? Tienen las ganas? Poncho: For sure, there’s new stuff that we got. Shrek has been developing this sound that’s more modern with an MPC, basically a sampler and piano where you can make your own beats, and he’s adding it into the corridos. Eric Hernandez: Damn, I’m interested in hearing how that plays out. Yall have a lot of songs that express a kinship with California, do you feel closer to the West Coast or more Southwest with it? Poncho: I feel more West Coast definitely, Shrek’s from California and he grew up there on the beaches. By Santa Maria, right by the beach. It’s between Santa Barbara County and San Luis county. The 805.

Eric Hernandez: So in terms of aesthetics, the drip, the play style. How’d y’all get to your sound? What went into that? Poncho: So the difference with our music was the bajoloche, more than anything, the acoustic bass. We’re the ones that started using that in our corridos. Like right now for example, the kid that’s popular, Xavi, he uses that in his music and he’s top of the charts right now. Also Yaritza, she also uses the bajoloche. So basically those two groups, that’s basically our style, requinto, guitar, and bajoloche, and they’re some of the ones that are dominating. I know Natanael has used it too, Peso Pluma. If they use that style, bajoloche, basically they got it from us. We’re the ones who started that. Eric Hernandez: Pretty much that slapped percussive bass element right? Poncho: Yeah basically acoustic bass with the slapping, we’re the first ones to use it in the corrido game. Eric Hernandez: That’s heavy. Respect. That’s like Miguel y Miguel putting in the 12 string. There’s corridos before that and corridos after that. To be able to say like, hey, that was us. That’s mad heavy. Poncho: Yeah we started that. Also the style of dressing. We were the first ones to start dressing like, not the traditional sombrero and suit. Everybody was wearing the shiny suits back then you know?. We released a couple videos dressed in streetwear, Vida Peligrosa, Tali 50, and Arsenal Efectivo. So it was three of them, and in all three we’re wearing like black jackets, black jeans and the cap. Before that everyone was wearing the sombrero and the hat, Ariel Camacho style. A lot of people try taking credit for the streetwear, that’s one thing I don’t like. They try to say it was them but in reality it wasn’t. That was us.

Eric Hernandez: I heard that lil shot in “DDM Anthem”, I feel like y’all could flex a lot more than y’all do and take that credit. That’s sick to me, like it doesn’t really bother y’all. That’s very admirable to me, like if you know you know. Poncho: Yeah for sure. I mean people don’t even really care about that stuff, who started anything and stuff, they just wanna hear the music. That’s why we don’t push for credit too much. I like to push for credit really, Shrek not as much but I like to remind people where it came from.

Eric Hernandez: Are you someone who listens to all the new shit that comes out from the regional and the tumbados scene? Poncho: For sure yeah I do. I listen to everything, to all the new guys. And if I like it I listen to it more, and if I don’t then I won’t listen to it. Eric Hernandez: Regional is having its moment right now. It’s everywhere, but certain genres, like trap, are kind of not hitting like they used to. Trouble selling tickets etc. Do you feel like the moment for regional will last, or will people get tired of it? Poncho: I’m pretty sure it will last, cause basically it opened up a whole market of all these new listeners. All these little Mexican kids from the US that only listened to hip hop for the past years. It’s crazy, that’s the vision I had when we started the group. I was like, this is gonna get people who don’t even listen to corridos to come listen to corridos. Shrek’s half Asian, with that influence, they didn’t really sound like typical corridos, and with the trap stuff. It sounded different. I knew that was gonna bring more people to the genre. Even though, like you said, we don’t get the credit for it, I know that basically how things are right now, has a lot to do with us.

Eric Hernandez: Are y’all still on Rancho Humilde, or mostly just your own labels now? Poncho: Nah we aren’t with Rancho anymore, but we got our own labels now. Shrek has his own, which is DDM and me and Javi have Mala Fama Entertainment. He’s based out of California, Anaheim area, so he tries to work with people from that area. And we try to do nothing but artists from Phoenix. Eric Hernandez: Ah that’s so important for real. That’s heavy. That’s what’s so beautiful to me about this style of music [corridos] taking off with the younger kids, is they’re practicing and learning real instruments again. For a long time it was Fruity Loops and beats and stuff like that, which is cool but now I see my little nephews practicing the fuck out of the guitar to learn some Junior H songs. You can’t play that stuff unless you practice chingos, it’s really nice to see the effort and interest the music has created in kids to get into real playing. It integrates into our world you know? It’s a unifying thing. Your uncle is never gonna ask you ‘ay mijo bust out the Fruity Loops and play us something?’ you know? But the guitar…makes you proud you know? This resurgence sent a lot of kids down a good path. Saved em kinda.

Poncho: Yeah it has a lot to do with your origins. Cause you’re Mexican you know? So what are you gonna play? Mexican music. You gotta be proud of your roots and where you’re from. At least that’s the way I see it. That’s the reason I like to do it. I could be doing anything else but I’m Mexican why am I gonna try to be something that I’m not? Eric Hernandez: And it bangs. And that’s the only place in the top of the charts where you’ll hear bajoloche, 12 string guitar, tololoche, and accordion you know? Look at the other 40 top songs of other genres and they aren’t gonna have those live instruments on there. Poncho: Exactly. For sure.

Eric Hernandez: Do you have any song you’ve had a hand in that is your favorite? Poncho: Yeah I wouldn’t really be able to say, I like everything we’ve worked on. I like em all. The group as a whole, basically.

Eric Hernandez: You guys know Juan Cirerol right? Poncho: Oh yeah, Juan. For sure. Eric Hernandez: I have a group with my homie and we always idolized Juan, like he was about that life to us you know? Somebody who just gives themselves over to their art. I remember thinking like man I need to get addicted to heroin or something. Or at least you can end up thinking like that. You want to be what you sing about. You want your art to come from your life, and when life is heavy it might make the art interesting. Do you feel like your art comes from your real life? Poncho: Yeah well basically for me, it’s like, I’m not gonna try to be something that I’m not. Like if I’d try to do reggaeton, I don’t know anything about that, I don’t live like that, it wouldn’t come out right. That’s the reason why Juan’s music is so good, cause that’s what he lives. That’s who he is. He’s actually a big influence for me personally. And the guys too, but he’s my compadre actually. I kind of introduced them to him, they haven’t met him personally but they know about his music, his ways. Staying up all night smoking meth and writing songs. That’s why his music would come out raw like that, cause he was doing that. And Shrek was actually like that too, when I told him about Juan, he started experimenting with that too. Getting high, smoking a little meth here and there to kind of put yourself, I’m not saying it’s a good thing to do or recommending anyone to do it, but when you smoke meth it gives you like a certain focus that’s crazy. You can spend like 10 hours writing a song. It’s not like when you’re sober, you get bored or whatever.

Eric Hernandez: I hear that in the music for sure. Where in Mexico is your family from? Does it inform the mythology of what you do, do you look to family history and origin a lot? Poncho: Yeah, like I said. That’s the reason I’m into corridos. My family they come from Sinaloa, from Badiraguato from where Chapo’s from, where all the dealers are from. My uncles and my grandpa, they used to live in the hills, the sierra in Badiraguato and they would go from town to town playing guitar. That’s where I got my inspiration and my heritage from. They would go play for the mafiosos, spend the day at their house, sleep there, play all night, play all day and wake up the next day and move to the next little town. Like a tour of the sierra. Eric Hernandez: Oh so you come from musicos then? You got music in your family desde antes? Poncho: Yeah my grandpa, my uncles. One of them was in an actual dueto, like a Miguel y Miguel type. But all my uncles, I got maybe like 10 uncles and all of them played guitar, accordion, tololoche, my grandpa played guitar. But never like recording like me, you know? A band that puts out records or cd’s and shit and famous. They were professional, but in the sierra. They would make their money to live off of, grab their guitar and go from town to town just playing and they’d come back like a month later with a bunch of money cause they’d been playing that whole month. Eric Hernandez: Ah that’s beautiful. Poncho: Yeah that’s where I got my inspiration from.

Eric Hernandez: Is the music you make something that you can share with them? Do they fuck with it or only to a point? Do they understand what y’all are doing? My family doesn’t really fuck with corridos tumbados. Poncho: Well it’s modern, you know? They’re not gonna really fuck with it. They fuck with that I’m a musician and that I’m doing it big. But they’re not gonna be listening to our songs and shit. They’ll probably tell their relatives like ‘oh yeah he’s my nephew’ but they’re not gonna be like..you know? Not my uncles, at least. Or my grandpa. But my cousins and shit, for sure, yeah. Eric Hernandez: I think my favorite song of y’alls is 38 y Super. Poncho: Oh yeah that’s probably one of my favorites too, the energy. Has a lot of energy.

Eric Hernandez: Do you guys all write the melodies or does Shrek do the melodies? Poncho: He pretty much does the melodies. Eric Hernandez: Are you guys a full time band right now still, or more on the side? Is this what you mainly do? Poncho: Yeah basically yes. This is what we’ve been doing for the past 10 years. Right now we’re at kind of a standstill but I mean we’ve been a band for 10 years so. Eric Hernandez: People’s attention spans are so depleted now, longevity isn’t really a goal I feel like necessarily. You mentioned how there’s a pressure for constant engagement, constant posting or just generating ‘content’ to keep that audience. I have younger relatives and the way they engage with media and music they consume, it’s intimidating. They hop from interest to interest so quick. Someone will get big and then before you know it it’s like, where’d they go? The window closes a lot quicker. Poncho: I feel like it’s not even just the kids, it’s everybody now. Cause if you notice, I mean it probably happens to you a lot, I know it happens to me like, you’ll be looking at something and next thing you know you’re looking at something else and you forgot what you were thinking about. You won’t even remember why you went into your phone. I feel like that’s everybody now with the social media and reels and youtube and tiktok and all that shit, I feel like it’s messing with everybody and I’m not someone who has ever had that problem. It happens to me for sure, I’ll have to think really hard to remember why I even opened my phone. I feel like it’s just harder to focus. Eric Hernandez: There’s just too much input. Poncho: It’s cause there’s so much information and so much shit you can be looking at something and the next day you’re on something else and forget what you were getting into just yesterday. So you really have to have a lot of discipline if you really want to do something. I have kids call me saying ‘ay lets go do this, or hey I want y’all to do this’ and I won’t hear from them for a week and then they won’t even remember that they hit me up. I remember back in the day, you would call somebody or leave a message and they would call you right back. Or you could text them. Right now you could text somebody and maybe they’ll answer, maybe they won’t. Or they’ll respond like 3 or 5 days later. And you can’t even be mad at them cause you know you’re the same way. It’s just normal now.

Eric Hernandez: Shit doesn’t run as smooth. Damn I never think of that. How it affects all levels, of say, like, the music industry or playing a show or something. I have a sister who’s like 20, and she’s on instagram and stuff but it’s kind of in fashion now, for those younger kids, to have an instagram but with no posts. Like it’s lame to be posting shit. They’ll post stories and have followers and follow people but their profiles are all empty. That’s kind of sick to me.

Poncho: Maybe they’re onto something. Eric Hernandez: Yeah we’re over here trying to max out engagement and they’re– Poncho: Yeah you never know what’s gonna be the next cool thing. One minute you gotta be posting and posting stories and the next it’s just not cool to post anything. You know, it’s always changing, evolving.

Eric Hernandez: Y’all said you and Javi have Mala Fama Entertainment and that you’re trying to work exclusively with artists from around Phoenix right? Is there a good music scene there?

Poncho: Yeah we got quite a few talents that we’re working with, and to be honest there is quite a big music scene. There’s a lot of really talented people. Eric Hernandez: Is it mostly regional, or more diverse sound? Poncho: Pretty much, a lot of musicians, guitar players, a lot of bass players, accordion players, you know, singer songwriters. But it’s basically regional, at least the ones we’ve known. Eric Hernandez: Are they younger artists? Poncho: Yeah they’re pretty young, we got some good kids going, we got Compa Nava, he’s got a really modern style. It’s more like rapping with guitars. His style is more like that. He’s one of the really bright prospects on the label. Eric Hernandez: Sick, I fuck with that. Who else y’all working with it? Poncho: We also have this kid Mini Panther, he’s like 17, he’s from Culiacan. He’s more of the traditional style corridos. But we talked about discipline and that fool he writes every day, he’ll call me every day like ‘ay I got a new song’. He’s heavy. Those are two of the main kids we’re working with right now. We got some other ones, too but these kids are really the ones that are locked in.

Eric Hernandez: Does it feel weird to be running a label now instead of being on one? Had y’all had experience running a label before? Poncho: No, this is our first time doing it. And not really, it’s like, we already know the business so we know what it takes and what we got to do. So it’s kind of a normal transition. Eric Hernandez: I was gonna ask about that, being on a label can sometimes feel frustrating or inorganic, especially if you ain’t, like, the STAR, you know? Or if you sit on music too long, or if they’re busy with another artist etc. Sometimes it can feel like, man what can a label give me that I can’t get on my own? Poncho: My advice would be to not even worry about that and just focus on writing music, because if you’re worried about what the label does, you’re worried about the wrong thing. You got to worry about writing a fucking hit. Cause if you write a hit, it don’t matter who your label is, nothing matters cause that shit is gonna blow up and that shit is gonna open doors for you it’s gonna get you money. So don’t worry too much about the label, or anything, except writing that hit. Getting that song. A lot of people don’t like to hear that, but that’s the way I see it because once you write that hit the label right away will say “oh shit did you hear so and so’s song? Now that’s a hit” they’re gonna put all the attention on you, once you got that hit. But in the meanwhile that’s why they’re not like, really on you like that. “She’s got a pretty okay song, a pretty dope little song” or whatever. But when you write a song that’s a hit, and you’ll know cause whoever you play it for, they fuck with it. They’ll feel the vibe right away. It’s a hit, you’ll feel it. And just focus more on writing. And you’re probably not gonna write a hit on your first song or second song, but the more you do it, one of those is gonna work. You know, I bet if you write 1000 songs, by the end of it, you’ll be a badass composer. Eric Hernandez: I read that Cornelio Reyna wrote 2000 songs, and at the height of his power, the label wouldn’t even listen to it when he sent them in, they’d just put it onto some 45’s and that shit would go gold. Poncho: Exactly. Yeah cause that’s how it is. That’s how it is with anything, with being a musician, anything you do in life. The more you do it, the better you’re going to be at it. So instead of worrying about any of the other little things, the label, this or that, just worry about writing. Writing and writing and writing. That’s what’s gonna get you paid. That’s what’s gonna get you ahead. That’s what’s gonna get you everything you want. So don’t even worry about how much they’re paying you right now, or when they’re gonna put out the music, just keep writing and eventually you’re gonna get that song, or 10 songs or however many, cause the more you write the better you’ll be, always. Eric Hernandez: Right, that’s really good advice. Poncho: And it takes discipline, you know? It’s not easy to get up and say ‘oh fuck I’m gonna write a song every single day’ but you could do it. I mean if you really put your mind to it you could get up at 8 in the morning and say I’m not gonna fucking stop until I write a song. And by the time you get to your 20th song you’ll be writing them in like an hour. De volada. You write a song every day and, eventually, you do it so much you’re gonna come out with something fire. Eric Hernandez: Yeah that’s sick. And it’s crazy how kids can get signed off like a little 30 second clip or snippet off tiktok, you know? Poncho: The problem with that though, when you hit like that…it’s more of a lucky thing. It’s like you got lucky but there’s no shortcuts, you could get that little hit off that tiktok but what happens when that little five minutes die out? Your career dies out, you know? Eric Hernandez: Or like, can you even deliver another song, right? Poncho: Exactly. That’s the problem, the kids are focusing on becoming viral ‘oh I’m gonna put out a reel and it’s gonna get 3, 4, 5 million views’ but the problem with that is you’re not gonna make any money, cause they’re just gonna milk you for that little five minutes of fame that you got, they’re gonna milk you and when you can’t follow up you’re just gonna fall off right away. And that’s the problem if you don’t put in the work, you’re not gonna be able to sustain. You got to be able to sustain it. So instead of focusing on the social media and all that other bullshit, even though it’s important, focus first on your talent. Becoming good at writing, singing, or whatever you do. Be the best at it, be the best at it, best singer, best writer, best guitar player. Because if you’re a badass musician, you’re gonna get what you’re looking for. But if you’re mediocre, you’re gonna fall right off.

From Cynthia magazine issue 1, order the printed issue now.

Interview of Poncho from Arsenal Efectivo by Eric Hernandez
Photos by Patricio Malagon

“That’s my child,” he says. For the 20-year-old singer, this is his kingdom. Though he drives into LA for business meetings four or five times a month, Danny mostly keeps it all within his family compound: he writes, records, and daydreams from here. It’s a humble way of living for someone who’s made such an impact in such a short time span. “It’s been crazy seeing the effect that I have on the kids,” he ruminates. “Everybody randomly just has curly hair now, and they all have these B.B. belts and baggy jeans.”

He’s right. Since taking a chance and posting TikTok covers of corridos tumbados online during the pandemic, DannyLux has become one of the most influential figures in the new wave of Música Regional Mexicana. It’s not just his silky voice and curly hair that has made him such a picture perfect star, but his lovable persona and authentic artist’s ethos. Along with his cousin Eddy, who lives just a few minutes away, Danny has performed his lovelorn acoustic songs to crowds of young kids around the world, making him akin to a sort of Gen Z Justin Bieber of sad sierreño.

“My main goal has always been to help out kids who maybe don’t have a full family,” he tells me. Though Danny could’ve indulged with his newfound fame and fortune by moving to LA and buying a fancy apartment or Lamborghini, that’s not really of interest to him. He’d rather keep it all about the family.

We sat down with the singer in between shooting in his family home to discuss his rise to fame, sleep paralysis, and world peace.

Ivan Guzman: Thank you for having us in your home. Your mom made us tacos and everything. DannyLux: No, of course. Of course. I’m about to eat some for dinner, too. Ivan Guzman: What do you think about this shoot? Is it something different for you? DannyLux: Yeah, it’s definitely different, but I really fuck with it. I like the whole vibe and all the outfits they put me in. All the things you guys did were so sick, bro. Ivan Guzman: We really wanted to shoot in your home because we feel like your whole career is sort of based around family and very authentic in that way. How has it been for your parents since you’ve blown up? DannyLux: It’s been so fun growing together because obviously none of us knew anything about the music industry and all that. It’s so sick how my parents were willing to keep learning. My mom right now helps me out a lot with accounting and managing my money because I was kinda stupid in the beginning. Ivan Guzman: Well I saw that you just did an ad for Accounting+. What was that about? DannyLux: Oh, yeah. This company reached out and asked if I could help them out. Yeah, cause I also feel like I just need to be smarter with my money. I feel like everybody who starts making money wants to make more, and you just have to be smart with it, you know? Ivan Guzman: So everything is in your home. You work out of here, you record in your home studio, etc. How often do you go to LA? DannyLux: In a month, I’ll probably go five times. I be going a lot. For meetings and stuff. Mainly just work stuff.

Ivan Guzman: How has your fame impacted your family life? DannyLux: I feel like it’s just been a blessing. I wouldn’t say I’m famous, I feel like I’m just known. It’s just sick to be able to help all my family members. I’ve always been really close with my family. We’re such a big family, so some of the people I’ve seen, I don’t even know them, you know? But mostly the people I grew up with like my cousins, they’ve always stayed the same. Nobody really switched up. I feel like it’s such a good thing that I had good family. I’m blessed to have good family. That’s why my main goal has always been to help out kids who maybe don’t have a full family. I’ve just always wanted to help people that need it. That’s one of my main goals. As I get bigger and bigger, I’m just gonna try to help out even more. Ivan Guzman: Your career moved so fast. Do you ever have anxiety about what to do next? DannyLux: Yeah, it always hits me, bro. For months you can be on tour seeing so many people, and then randomly you’re back home and it kind of feels like the world’s forgotten about you. It feels like, damn, what do I do now? Are people even still listening to me? Do I have to keep posting? Do I have to keep making music? It would hit me really hard. I would feel so lonely after the tours because I would just be at my house doing nothing. I would basically be done with my job, you know? I’d release an album, promote it, go on tour for a couple months, and then come back home. I would just be in my room like, damn, is this really all I have to do? Why do I feel stuck? I think I’ve learned that it’s just all about patience. All these things that I’m doing, all these songs that I’m writing are part of a bigger picture. Ivan Guzman: Patience is a virtue. DannyLux: Yeah. Ivan Guzman: Yeah, it must be a mindfuck to go on tour and have all these people screaming at you. I went to your show in Houston and was amazed at how rabid and young your fans are. There were little kids throwing their Air Forces at you trying to get you to sign them. DannyLux: [Laughs] Yeah, bro. It’s been crazy seeing the effect that I have on the kids. Everybody randomly just has curly hair now, they all have these B.B. belts and baggy jeans. That’s how I’ve always liked to dress. I remember when I found those B.B. belts, I was like, ‘Damn these are sick,’ so I started wearing them with just normal baggy jeans. I don’t know why, but that kind of started that trend. I probably didn’t even start the trend, but me and my cousin just started doing that style, and a lot of kids kind of got inspired by that. That’s the sick thing as well, being able to have that effect on people.

Ivan Guzman: What are you most afraid of? DannyLux: Failing. That’s one of my biggest fears. Other than those types of fears, I feel like literal fears, hmm. I’m scared of airplanes. Every time I get on an airplane, I just pop two melatonins and hope I knock out. I hate being awake during an airplane because my mind just goes all over the place. Ivan Guzman: I hate flying, too. DannyLux: It’s stressful, bro. Ivan Guzman: I get antsy. I gotta get the aisle seat. DannyLux: Even the airport. I hate the airport, bro. That’s why, one day, I hope I have my own private jet. Ivan Guzman: That’s the goal. DannyLux: That’s always the goal. Ivan Guzman: I saw that in high school you did soccer and they kicked you out. Then you were just depressed in your room trying to figure out what your passion should be. DannyLux: Yeah. It was always music and soccer. Ever since I was seven years old, I was on the soccer team and playing the guitar. Eventually, once I got toward the end of middle school, I was leaning more toward soccer. I feel like a lot of us Hispanic kids, we always wanted to be a pro athlete. I wanted to be a pro soccer player, so I started focusing a lot on that. In high school, I tried out and made the team, but after two months of being on the team I didn’t have the required GPA. So they kicked me out. Ivan Guzman: You really have to have a certain GPA to be on the soccer team? DannyLux: Yeah. I feel like it’s the minimum. It’s a 2.0 GPA, and I had a 1.8. I don’t know, I just sucked at school. That affected me and my parents because I have older siblings, and they all failed school as well. That’s why since I’m the last one, I’m the baby, it felt like that pressure was on me. If I don’t get good grades, I’m just gonna fail my parents because I was their last hope. It’s like, at least one of their kids is doing good in school. Ivan Guzman: So it was all on you. DannyLux: Yeah, and it just sucked when they kicked me off the soccer team because my dad would take me to all the practices at the school. So having to tell him that they kicked me off of the team because of my grades, bro, it was one of the worst punishments. My parents have never hit me, but when I got home, mentally it really messed me up. I remember I was crying every day. And then even worse, COVID hit. It was March 2020. I was a sophomore, and school was online. Now I was just at home doing nothing, feeling like I couldn’t do anything right. My parents were always just mad at me whenever they saw me. They would just look disappointed. Then eventually, one day I just decided to grab an old guitar I had and upload a random cover on TikTok. The next day, I saw it had 12,000 views. That to me, it was a lot. That motivated me. So every two days, I would upload a new cover. I was like, damn, this feels so good. I love making music, but I just never did it because I never thought I could be anyone. Eventually, more and more people started following me. Randomly, one day I read a comment that was like, “Why don’t you try to make your own music?” I was like, ‘Nah, I’ve never tried this. I don’t think it’s a good idea.’ I just thought it was so cringey, like writing my own songs. I don’t know. But eventually I tried it because I liked this girl, so I just made a song. That’s the first song I ever recorded, it’s called “24:7.” The rest is history. Ivan Guzman: It’s that fear of being cringe that you have to overcome to reach greatness. You have to put yourself out there and just be cringe, then it will all happen. DannyLux: Yeah. I’ve learned so much thanks to music. Honestly, I’ve lost a lot of fear and social anxiety. I can talk to anyone now. Performing live has helped me out a lot. I used to be really quiet. I used to stutter a lot. I had a stuttering problem. And this music stuff has really helped me surpass that. It’s been sick. Ivan Guzman: That’s amazing. It’s like actual evolution. You evolved like a Pokémon. DannyLux: Literally, bro.

Ivan Guzman: Do you have crazy dreams at night? DannyLux: Bro, I have the craziest dreams, but the thing is half the time I know I had a crazy dream but I don’t remember it. Ivan Guzman: That’s why you gotta write them down right when you wake up. DannyLux: Bro, nah, I swear I have the craziest dreams. I hate having scary dreams because I just hate that feeling. You know how you get the shivers? But I’ve never really written down my dreams. I like to read a lot of poems, though. It helps me write songs. Poems in Spanish. Ivan Guzman: Have you ever had sleep paralysis? Ivan Guzman: Yes, bro. I hate it. One time, I was sleeping in my room, and I randomly opened my eyes because I felt like somebody laid down right next to me. And I heard them whispering in my ear. I was facing toward the wall, and I was trying so hard to look over to see who it was. I even tried to yell, but I couldn’t bro. I remember that I knew I had my phone, and I was gonna be like, ‘Hey Siri, how do you wake up from sleep paralysis?’ But I couldn’t even talk. I knew I was having sleep paralysis, so I was trying to ask Siri. I just hate that feeling that you can’t do anything, you’re just there. I eventually fell back asleep, but it was so weird having someone whispering in my ear.

Ivan Guzman: Any niche hobbies or obsessions you had growing up that your fans would be surprised to know about? DannyLux: I remember I watched La Bamba (1987) like over ten times. Honestly, I feel like I watched that movie over 100 times, bro. Ritchie Valens was a really big inspiration to me. Growing up, I would watch a lot of Ben 10. Love Ben 10. And I’ve always liked dogs. I remember when I was little, I would tell my mom that I wanted to be a veterinarian.

Ivan Guzman: So you’re our first Cynthia cover star. What do you think about the current state of corridos tumbados? I think it’s only gonna get bigger, but do you think it will eventually stop popping off? DannyLux: Like you said, I feel like Regional Mexican music and corridos are at the top right now. It’s, like, surpassing English music and even Reggaeton. Honestly, it’s thanks to a lot of pioneers like Peso Pluma and all of them. They’ve been helping out. It’s an honor to even be a part of this whole movement. It’s so sick. At the end of the day, we’re all doing what we love, which is music. Music can really make the world such a better place. Ivan Guzman: If we didn’t have music, we would die. DannyLux: Bro, I feel like if there was no music, there would be so much more hate in the world. Ivan Guzman: Yeah. World peace. DannyLux: World peace coming soon. Ivan Guzman: They need to bring back world peace in mainstream music. I feel like in the 90’s, it was all about world peace, like with Michael Jackson and “We Are The World.” That doesn’t exist anymore. DannyLux: Nah. They tried to do it again with Disney stars, and it failed. I didn’t like it. Ivan Guzman: Did you watch Disney Channel growing up? DannyLux: Yeah. I also watched Nickelodeon, but my mom didn’t let me watch Spongebob. So I don’t really know Spongebob. Ivan Guzman: Really? DannyLux: Yeah, she said it was the Devil. Ivan Guzman: Why? DannyLux: I don’t know. Even Pokémon. I remember I would collect them as a little kid, and she threw away the cards. She said, “Each one of those Pokémon is an evil spirit.” She might… Ivan Guzman: Maybe she got a point. DannyLux: You know, she might have a point. Ivan Guzman: You gotta pray [points to the crucifixion on the dresser]. DannyLux: Literally. My mom has little things sprinkled around the house. Ivan Guzman: Well, thank you so much for talking to me. DannyLux: Yeah, of course, bro.

From Cynthia magazine issue 1, order the printed issue now.

Interview with DannyLux by Ivan Guzman
Creative direction: Victor Barragán and Studio Iguana
Photographer: Guicho Palma
Photography assistants: Abraham Arzate and Monica Zulema
Clothing: Barragán and model’s own
Styling: Victor Barragán
Stylist’s assistant: Sandra Griselda Armenta